ZUMBARTE

Bajo amenaza

2012-01-27T13:03:00.002+01:00

Mientras veía Bajo amenaza no he dejado de pensar en otra película llena de giros inverosímiles: Juegos salvajes (Wild things, 1998) de John McNaughton. Y en por qué aquella peli me convenció, mientras esta me ha parecido un desastre que iba aumentando a cada giro argumental. Como mi memoria es mala y hace más de 10 años que vi la peli en la que Neve Campbell y Denise Richards se morreaban en una piscina (curiosamente esa escena sí se me quedó grabada), no recuerdo con exactitud si los giros eran tan gratuitos como en la última peli de Joel Schumacher.

Quizás el talento de quien dirigiera Un día de furia (Falling down, 1993) ya esté agotado, pues salvo Última llamada (Phone booth, 2002) -y, gracias al guión del incombustible Larry Cohen- no recuerdo ninguna película suya destacable desde que cambiamos de siglo.

Bajo amenaza es una película construida a partir de un guión lleno de giros argumentales inverosímiles -con la inestimable ayuda de unos flashbacks tramposos-, y personajes arbitrariamente cambiantes. Pero ni dejándonos arrastrar por su juego, la película llega a establecer contacto con cualquier emoción que pretendiera tocar. Sería similar a subir a una lenta montaña rusa situada a ras de tierra. Llena de curvas y loopings inesperados, pero sin la emoción de un peligro vertiginoso.

La elección de Nicolas Cage y Nicole Kidman para los personajes principales, parece acorde con su director. Intérpretes con grandes carreras situados en su momento más bajo. El único consuelo que les queda es ampararse los unos a los otros para seguir participando en proyectos cinematográficos.

Lluís Alba
http://www.zumbarte.com/cine/cinevista/criticas/bajoamenaza.html

La redada

2012-01-12T14:55:00.005+01:00

La segunda película que dirige Rose Bosch, centra su mirada en un episodio histórico de Francia durante la ocupación nazi. Un hecho conocido como La redada que da nombre al título de esta película, y que muestra dos caras bien distintas de la población francesa. Por un lado, la humillación de ver como los franceses colaboraron en el exterminio de más de 10.000 judíos, pero también como otro número parecido fue salvado del fúnebre destino.

La única novedad que aporta la película a la habitual recreación histórica de la segunda guerra mundial, es la narración de un hecho menos conocido para el público general. Pese a que toda la acción transcurre en Francia, los escenarios no dejan de ser similares al resto de películas que han mostrado la opresión nazi sobre los judíos. Correcto film académico en el que se enfatiza la opresión judía para tener una mayor afinidad con el espectador, al mismo tiempo que se evita cualquier elemento explícitamente sangriento, para no dañar los sentimientos de los judíos.

Para el aficionado al cine histórico, y más concretamente al de la Segunda guerra mundial, tiene un episodio más para coleccionar en su particular galería. A pesar que como obra fílmica no aporte nada nuevo, a excepción de cuatro escenas de la vida cotidiana de Adolf Hitler, ejemplificando que con la misma naturalidad con la que vivía con su familia, también dirigía un genocidio.

Lluís Alba

No tengas miedo a la oscuridad

2011-12-29T11:52:00.001+01:00

Todos afirmaríamos que la profesión principal de Guillermo del Toro es director de películas, a pesar de que sus labores como productor son mucho más prolíficas. Su labor como productor se divide entre apadrinamiento de proyectos ajenos y construcción de propios, pero (casi) siempre busca dar a conocer directores noveles que, sin Guillermo del Toro, no habrían conseguido tanta relevancia. Films tan dispares como El orfanato (ídem, 2007) de J.A. Bayona, Cosas insignificantes (ídem, 2008) de Andrea Martínez o Los ojos de Julia (ídem, 2010) de Guillem Morales tienen al mexicano como el gran baluarte de su repercusión mediática.

No tengas miedo a la oscuridad es un proyecto personal que Guillermo del Toro lleva pensando desde que vio en su infancia el telefilm original Frío en la noche (Don't be afraid of the dark, 1973) de John Newland. Una película oscura sobre el mito infantil del hada de los dientes (que en España tiene su versión con el Ratoncito Pérez), que marcó al productor mexicano. Su apretada agenda, hizo que el proyecto se alargara hasta poder adquirir los derechos del guión y contratar al debutante Troy Nixey como director. Nixey, hasta el momento, solo había dirigido un cortometraje, pero tenía una larga carrera como dibujante de cómics, habiendo colaborado con Mike Mignola, el creador de Hellboy. Por lo que el círculo se cierra.

En presupuesto y diseño de producción la película de Nixey no se puede comparar al telefilm de 1973, cuyo mejor mérito es ser la original y sentar un precedente a películas de los 80 como Gremlins (ídem, 1984) de Joe Dante y sus sucedáneos (Critters, Ghoulies etc...). Para la nueva versión se ha modificado la edad adulta de la protagonista Sally, que en su día fue interpretada por una Kim Darby de 26 años (quien fuera la adolescente de la, también, vuelta a rehacer Valor de ley) y ahora por la niña de 11 años Bailee Madison. Del Toro cambió ese detalle del guión original, porque la mujer sumisa que representaba Sally en el telefilm de 1973 ya no resulta tan creíble en la actualidad. Por el momento, parece que la sumisión sigue presente en la infancia.

La película es bastante disfrutable en labores de producción (toda la imaginería habitual de Guillermo del Toro se puede apreciar en los decorados y criaturas fantásticas), y como cuento de terror cumple. No deja de tener un aire de telefilm (ignoro si buscado deliberadamente), otorgando la sensación de estar viendo una película menor. Aunque los fans del género de terror y fantástico, sabrán apreciar los elementos habituales del director mexicano (como el sótano de El orfanato, las criaturas de El laberinto del Fauno y los decorados naturalistas de Hellboy II) o el guiño terrorífico a los duendes del polvo de Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988) de Hayao Miyazaki.

30 minutos o menos

2011-11-17T16:18:00.001+01:00

En su segunda película como director, Ruben Fleischer vuelve a colaborar con Jesse Eisenberg. Quien, a pesar de haber ganado reconocimiento gracias a su nominación al Oscar, no duda en regresar a la comedia "indie".

Como ya ocurrió en Bienvenidos a Zombieland (Zombieland, 2009), el punto de partida es la parodia del cine de género para acabar relatando una historia mucho más humana. En 30 minutos o menos, se parodia el cine de atracos, un género tan trillado como el de zombies, pero que permite un acercamiento (a priori) más realista que el de un mundo plagado de muertos vivientes.

Lo realmente interesante de la película es el retrato que hace de los jóvenes actuales, cuando esta denominación ya abarca un amplio espectro que va desde los 18 a los 40 años. Pues el patrón de nuestras vidas ya nada tiene que ver con los de anteriores generaciones, formado por personas casadas y con hijos. Por la película deambulan jóvenes de una misma generación y un mismo ambiente, sin apenas un rumbo concreto en común. El repartidor de pizzas estancado en su empleo, el profesor de instituto que no sabe como ha llegado a la profesión, la chica que tiene la aspiración de irse a la gran ciudad, y los dos amigos sin empleo que dedican todo el día a vaguear e inventar nuevos tipos de explosivos.

Sin llegar a ser tan redonda como Bienvenidos a Zombieland, es una de esas comedias independientes de las que vale la pena echar un vistazo. A pesar de que la distribuidora española tenga tan poca fe en ella que probablemente sea imposible encontrarla en la cartelera.

Tímidos anónimos

2011-10-27T17:00:00.001+02:00

El éxito reciente de las películas de Dany Boon (Bienvenidos al Norte, Nada que declarar), parece que ha dado pie a que más comedias francesas, lejos del pretencioso cine de autor galo, lleguen a distribuirse en nuestro país.

Este es el caso de Tímidos anónimos, una irregular comedia nutrida por las divertidas situaciones que se suceden en el encuentro entre un hombre y una mujer sumamente tímidos. Incapaces de relacionarse con naturalidad en su entorno.

Las secuencias en las que la pareja tiene sus primeras citas, son de un gran ingenio, sin duda lo mejor de la película. Secuencias en las que solo el dolor de mandíbula del espectador logra parar la carcajada.

Por desgracia, el resto es bastante anodino. Una película con una estética inspirada en Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Pulain, 2001) de Jean-Pierre Jeunet, pero con demasiados personajes y situaciones poco desarrollados. Es una lástima que la mayor parte de la película esté centrada en la trama simplona de cualquier comedia romántica y no se explote el potencial de un pasado de dos personajes que podría dar mucho juego.

Como tampoco se explotan las reuniones de Tímidos anónimos que dan título a la película, y sirven solo para mostrar unas secuencias cómicas sin demasiada consistencia.

Festival de Sitges (10) 15-10-2011

2011-10-15T19:15:00.001+02:00

Penúltimo día de Festival, y el último para mi. Mañana toca las maratones finales. Hoy ha sido el día en que más se ha llenado una sala a primera hora. La precuela de La cosa llamaba la atención y, a las 8:20 de la mañana, la cola ya empezaba a ser larga.

THE THING (2011) de Mathijs van Heijningen Jr.

Cuando se anunció un remake de La cosa (The thing, 1982) de John Carpenter, más de uno se puso las manos en la cabeza. ¿A quién se le ocurría realizar un remake de una película de culto como esta? De antemano, lo único que sabíamos todos es que saldría perdiendo ante cualquier comparación.

Poco a poco se supieron más detalles, como que se trataba de una precuela ambientada en la base noruega de donde procedía la criatura alienígena al inicio de la película de Carpenter. Así vemos como encuentran al alienígena en un bloque de hielo, de modo similar a El enigma de otro mundo (The thing from another world, 1951) de Christian Nyby y Howard Hawks, y a medio camino entre remake y precuela, volvemos a ver como la criatura va matando y copiando a las personas que trabajan en medio del paisaje antártico.

Aunque se han cuidado muchos detalles para que todo cuadre con la película de Carpenter (algunos, como la secuencia final, un poco metidos con calzador), desgraciadamente, ni los efectos digitales (técnicamente mejores) logran la misma sensación impactante de su predecesora, ni la atmósfera de paranoia está presente, ni hay secuencias memorables que permanecerán en nuestra retina.

Pero todo esto ya se sabía de antemano, cualquier comparación resultaría perdedora. Esta precuela no es más que una curiosidad para fans, o una peli correcta de género sin demasiado brillo.

DRIVE (2011) de Nicolas Winding Refn

Antes de ver esta película, me documenté con el anterior film de Winding Refn, Valhalla rising (ídem, 2009). A pesar de que es una película de factura impecable y con algunas secuencias memorables, Valhalla rising exige un bagaje cultural histórico-religioso y un libro de instrucciones para poder entrar en el film.

Por suerte, Drive mantiene todo lo bueno que había en su predecesora, pero incluye un guión terrenal perfectamente accesible para cualquier espectador. Drive es un thriller de género negro que esconde muchas capas donde rascar. Desde el conductor protagonista (muy similar al One-eye de Valhalla rising) cuyas acciones desvelan que hay un pasado tan interesante como misterioso, pasando por una factura estética impecable (b.s.o. y créditos homenajeando al cine de los 80), un ritmo pausado pero adecuado y un guión trabajado.

Pero Drive es mucho más que cualquier frase que puedan salir de mis dedos pulsando el teclado, y más tras 10 días intensos en los que no sé ni lo que escribo.

KILLER JOE (2011) de William Friedkin

Película sorpresa del festival que, hasta el día de ayer, no nos fue revelada. Y... menuda sorpresa nos habían reservado.

Una mezcla entre género negro y comedia loca. Muy loca. Una familia llena de personajes tan mezquinos como merecedores de pasar a la historia del cine. El padre ingenuo incapaz de decidir nada por sí mismo, la mujer que se acuesta con medio pueblo, el hijo que planea asesinar a su madre y la hija adolescente con una discapacidad intelectual causada por su madre que trató de asfixiarla con una almohada.

Con este panorama, solo hace falta presentar a quién da nombre esta película, Killer Joe, un policía que se gana un extra como asesino a sueldo.

Esta es la segunda película consecutiva de William Friedkin basada en una obra teatral de Tracy Letts (y guionista de ambos films), su predecesora, Bug (ídem, 2006) sigue inédita en España. Y, tras ver esta película, acudo raudo a la red en busca de una buena copia. Pues Killer Joe tiene el ideal ritmo rápido que te sumerge en un torbellino de secuencias pasadas de vueltas, propias de la mejor comedia ácida. Una sorpresa del Festival, muy grata.

VALORACIÓN FINAL

Las mejores películas que he visto (desde mi punto de vista) y sin orden alguno son: Mientras duermes de Jaume Balagueró, The yellow sea de Na Hong-jin, Attack the block de Joe Cornish, Melancholia de Lars Von Trier, Extraterrestre de Nacho Vigalondo, Drive de Nicolas Winding Refn y Killer Joe de William Friedkin.

Un peldaño por debajo, pero también recomendables pondría: Kill list de Ben Wheatley (si no fuera por la parte final, estaría entre las mejores), Apollo 18 de Gonzalo López-Gallego (el tipo de peli está demasiado manido como para decir que es imprescindible), Another earth de Mike Cahill, Livide de Alexandre Bustillo y Julien Maury y Shaolin de Benny Chan.

Festival de Sitges (9) 14-10-2011

2011-10-14T18:32:00.000+02:00

Ya se acerca el último fin de semana de Festival. Las salas vuelven a estar concurridas, incluso se han agotado las entradas de más de una peli matinal.

JUAN DE LOS MUERTOS (2011) de Alejandro Brugués

Co-producción entre Cuba y España que, como su título indica (en fondo y en la forma de aparecer en los créditos iniciales), emula lo que ya hicieron Edgar Wright y Simon Pegg en Zombies party (Shaun of the dead, 2004).

La principal diferencia está en su localización, pues toda la acción transcurre en Cuba. Es una película divertida en su mayor parte y, además de zombies, también abunda una fuerte crítica a la Cuba de Fidel Castro, sin dejar de lado a los españoles (sobre nuestro patético sistema escolar, entre otras cosas) y a estadounidenses (Guantánamo se vislumbra como principal foco de infección zombie).

Para los más despistados en política, la película también tiene sus toques paródicos de otros films de género, tanto de terror como el cine de acción oriental.

A pesar de haber recibido un montón de subvenciones (entre las que se cuentan del gobierno de España, TVE, Junta de Andalucía y Canal Sur), el presupuesto no parece demasiado holgado, y la factura formal es de serie B. Y, como toda serie B que se precie, consigue su principal cometido: entretener sin demasiadas pretensiones.

EL PÁRAMO (2011) de Jaime Osorio Márquez

Esta mañana me ha tocado ver otra coproducción entre España y diversos países latinoamericanos (Colombia y Argentina), que está a las antípodas de lo que representa Juan de los muertos.

La factura formal de esta película es muy superior y, dentro de las limitaciones presupuestarias, no tiene nada que envidiar a cualquier película de Hollywood. Para ello abusa de primerísimos planos, que sirven tanto para crear la carga atmosférica de terror psicológico, como para evitar que se note demasiado que el presupuesto no es el de las grandes producciones norteamericanas.

Pero, como he dicho al inicio, representa todo lo contrario a Juan de los muertos, mientras aquella era divertida y entretenida, esta película es un aburrimiento total de principio a fin. Para colmo, los diálogos de los intérpretes colombianos, con un lenguaje demasiado local, tampoco ayudaban a entender demasiado, suerte de los subtítulos en inglés que ayudaban a seguir el hilo. El pretendido suspense no aparece por ningún lado, a pesar del alto volumen de la aturdidora banda sonora.

Buen ejercicio formal que le dará a Jaime Osorio Márquez la posibilidad de encontrar nuevos trabajos como director. Ahora solo hace falta que deje crear la historia a un guionista competente.

APOLLO 18 (2011) de Gonzalo López-Gallego

Entraba con miedo a la sala de El retiro, donde proyectaban la película del director de (la recomendable) El rey de la montaña (ídem, 2007). Pues el periódico gratuito que regala el Festival de Sitges la anunciaba como una película similar a El páramo.

Por suerte, el que escribe en dicho periódico, probablemente no haya visto ninguna de las dos películas, pues nada que ver tienen una con la otra. Apollo 18 no será excesivamente original, de hecho se podría definir como un cruce entre El proyecto de la bruja de Blair (The Blair witch project, 1999) de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez y Alien, el 8º pasajero (Alien, 1979) de Ridley Scott, pero sí consigue mantener el suspense durante todo el metraje y tiene buenos golpes de efecto terroríficos (eufemismo para susto).

López-Gallego entró en el proyecto cuando este ya estaba en marcha. De hecho la promoción viral del film obvió totalmente su nombre para tratar de vender la película como un hecho real (aunque ha estas alturas ya nadie cae en estos juegos, si no es por pura diversión), incluso le prohibieron conceder entrevistas hasta que no se estrenó el film en EEUU.

Lluís Alba

Festival de Sitges (8) 13-10-2011

2011-10-13T22:59:00.001+02:00

Octavo día en Sitges. El agotamiento general sumado a que hoy vuelve a ser un día laborable, consigue que las butacas del Auditori estén mayoritariamente vacías. Por un lado se agradece, pues hoy no habrá cabezas delante que me obliguen a hacer ejercicios de funambulismo en el asiento para poder leer los subtítulos. Lo peor de Sitges es la mala visualización que tienen sus salas, pues ninguna se construyó específicamente para proyectar películas. Espero que algún día se le ocurra algún ingeniero pensante colocar los rótulos en la parte superior de la pantalla.

POULET AUX PRUNES (2011) de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud

Segunda película Satrapi y Paronnaud, también basada en un cómic de la dibujante iraní. Esta vez no se trata de una historia autobiográfica y cambia la animación por la imagen real.

El cómic está inspirado en un cuento que la propia madre de Satrapi le contaba durante su infancia. Narra la vida de un violinista (en el cómic original tocaba un tar, un instrumento persa) durante los últimos 8 días de su vida.

Alterna mediante flashbacks y flashforwards escenas de su vida pasada y la del futuro de sus hijos. No escatima en diversas propuestas visuales, tan variadas como los distintos saltos temporales. Secuencias de animación, de cine mudo, recreación televisiva de sit-com de los 80 etc...

No se trata de una obra tan personal y profunda como Persépolis (Persepolis, 2007), pero sí es lo suficientemente variopinta para disfrutarla que sabe tocar la fibra sensible en el preciso momento.

WOMB (2010) de Benedek Fliegauf

Después de tantos días de tralla encima, a uno le cuesta más entrar en los entresijos de la mente del director y tratar de racionalizar lo que pretende explicarnos.

Womb no es una peli de demasiada exigencia intelectual, pero sí de paciencia. La premisa de una mujer que pierde a su amante en un accidente de tráfico y decide clonarlo en su vientre, para que se convierta en su hijo y, al mismo tiempo, le recuerde a su amado, en manos de algún director más atrevido pudiera haber dado a una película interesante. Pero no es el caso de Womb, donde apenas ocurre nada en toda la película y se basa más en el suspense sobre que el hijo descubra su origen (suspense que no existe para el espectador). Finalmente vemos la única secuencia atrevida de la película, de un modo artificial e incoherente.

La ciencia ficción, por definición, ha de mostrar hechos que no ocurren en la realidad, pero la actitud y situaciones deben lograr que la película sea creíble. En ningún momento me he creído nada de la película, ni he entendido la forma de actuar de los personajes.

KILL LIST (2011) de Ben Wheatley

Kill list es una de esas películas con las que disfrutas en todo el metraje... todo, excepto el final abrupto que deja todo a expensas de la imaginación del espectador. No estoy en contra de los finales abiertos, pero no me ha parecido lo más adecuado para este tipo de film.

Una obra que toca varios géneros, principalmente el suspense, crea una gran atmósfera y capta el interés del espectador por descubrir que es lo que hay detrás de la persona que encarga tres asesinatos al dúo protagonista. Frecuenta también con el terror y el gore (en un par de secuencias brutalmente aplaudidas por el público de Sitges), pero también pasa por la comedia dramática al más puro estilo de Ricky Gervais (de hecho el protagonista, parece un clon suyo): discusiones de pareja y secuencias de humor con el toque ácido propio de los británicos.

SHAOLIN (2011) de Benny Chan

Película de artes marciales que presenta la novedad de incluir entre sus figurantes a auténticos monjes Shaolin que hacen todo tipo de acrobacias.

Película de entretenimiento, aventura y acción. Cuando en 2h10' una película se te hace corta es que te lo has pasado pipa viéndola (y más si tenemos en cuenta que era mi cuarta peli seguida del día). He disfrutado como un enano, no se le puede pedir más.

Jackie Chan tiene un papel secundario, pero se le reserva una secuencia para su lucimiento en artes marciales.

Lluís Alba

Festival de Sitges (7) 12-10-2011

2011-10-13T22:58:00.003+02:00

Vuelve a ser día festivo, y se nota en el ambiente (además de los skin-heads que me he encontrado a primera hora en el metro). Hoy he tenido que tragarme las colas más largas de lo que llevamos de festival. Vigalondo y el anime llenan muchas butacas.

LIVIDE (2011) de Alexandre Bustillo y Julien Maury

Segunda película de los realizadores de A l'intérieur (ídem, 2007) que cosechó un gran éxito en un certamen anterior del Festival de Sitges.

Muchas de las características de su primer film continúan en Livide. La localización del terror se centra dentro de una casa y continúa el gore grotesco con toques de humor slapstick, deudor de Sam Raimi (que se acentúa más si cabe, con el personaje de la anciana).

El argumento terrenal de la primera película, que pasa a una versión vampírico-fantasmagórica, puede alejar un poco a los fans de su primera obra, que probablemente fue más sencilla y redonda.

EXTRATERRESTRE (2011) de Nacho Vigalondo

Tras un debut que hizo la delicia de los aficionados a la ciencia-ficción y, concretamente, al género de los viajes en el tiempo, Nacho Vigalondo se lanza a la comedia. Eso sí, disfrazada dentro de una invasión extraterrestre.

En el Festival de Sitges de este mismo año ya he podido ver un par de películas que usan la ciencia-ficción como excusa para contar otra cosa: Another earth y Melancholia. Extraterrestre también lo hace. Pues, bajo la excusa de una invasión extraterrestre mundial que deja las calles vacías de ciudadanos, se encuentra una de las mejores comedias románticas de enredo y triángulo amoroso que se han hecho en los últimos años.

No solo por tener un guión perfectamente hilvanado (la base para que una buena comedia funcione), sino por algunos hallazgos visuales que conviene destacar, como el uso del espacio del pequeño piso donde pasa la mayor parte de la acción. Vigalondo también da un nuevo giro a los manidos flashbacks finales que sirven de recordatorio para el espectador o como giro final que descubre una nueva película donde lo que habías visto era otra cosa. Estos flashbacks no los usa para explicar algo nuevo al espectador, si no para que cada personaje crea lo que quiera creer. En el fondo, Vigalondo nos está diciendo que en el cine todo es mentira y cualquier historia puede ser otra según la intención final del creador de la obra.

Para asegurarse las risas, cuenta con la participación de Carlos Areces y Raúl Cimas, con quienes Vigalondo ya colaboró en Muchachada Nui. No sé que le habrá parecido a los demás, aunque la mayor parte del público aplaudió más entusiasmada de lo habitual. Pero yo hasta hubiese aplaudido con las orejas de haber tenido esa habilidad.

A LETTER TO MOMO (2011) de Hiroyuki Okiura

Presentada como todo un acontecimiento en Sitges, incluso ha venido invitado el embajador japonés a presenciar la película, que ha servido como sentido homenaje a las víctimas del tsunami en Japón y para dar valor a una producción hecha totalmente a mano durante los últimos 7 años.

Hiroyuki Okiura cambia de registro, pues poco tiene que ver esta película con Jin-Roh (Jin-Rô, 1999). Aquella estaba más en la línea de Ghost in the shell (Mamoru Oshii fue su guionista), y el cambio de registro se acerca más a Hayao Miyazaki, y más concretamente a Mi vecino Tororo (Tonari no Totoro, 1988).

Historia muy similar, con una adolescente de protagonista cuyo padre muere de un accidente el mismo día en que ambos discuten. Poco después descubre en el escritorio de su padre el inicio de una carta que iba dirigida hacia ella que no acabó de escribir. Al inicio del film, se traslada con su madre, enferma de un asma severo, a vivir al campo, donde comenzará a ver criaturas fantásticas que viven en su nueva casa.

Lo único negativo que se puede decir de la película es su demasiada similitud al cine de Miyazaki (aunque con otro estilo de dibujo). Es una buena película pero suena a que ya la hemos visto.

CARRÉ BLANC (2011) de Jean-Baptiste Léonetti

Esta ha sido la cuarta película que he visto durante la mañana del 12 de Octubre. Y se trataba de un ejercicio de autor bastante difícil de entrar. Con una sucesión de secuencias, aparentemente inconexas, de las que costaba encontrar un sentido. No en vano, una gran parte de los espectadores han ido desfilando durante el transcurso del film (a pesar de que su director estaba presente en la sala).

Vista en conjunto, es una interesante reflexión en clave de ciencia-ficción de nuestro mundo escolar y laboral. Llevado al extremo en un futuro que no parece demasiado lejano. Probablemente el rechazo que la película provoca en el espectador, sea el mismo que debería provocarnos ese futuro (o presente) en el que las empresas dominan al ser humano.

Antes del film se ha proyectado A Function del surcoreano Lee Hyunsoo, que en menos de 9 minutos reflejaba un discurso parecido del film de Jean-Baptiste Léonetti.

Lluís Alba

Festival de Sitges (6) 11-10-2011

2011-10-11T19:06:00.001+02:00

Según el lenguaje futbolístico radiofónico, ya hemos pasado el ecuador del Festival. Tras unos días de tregua hoy ha vuelto el calor, tanto fuera como dentro del Auditori, donde el aire acondicionado ha estado más tiempo fuera de servicio que en funcionamiento. No es una sensación muy agradable pasar la película pegado a un asiento de terciopelo caluroso.

EMERGO (2011) de Carles Torrens

Nuevo debut de un cineasta catalán en la lengua de Shakespeare. Además, arropado por un guión de Rodrigo Cortés, quién triunfó recientemente con Buried (ídem, 2010).

No hay apenas nada nuevo en esta película sobre fenómenos paranormales, rodada con las mismas cámaras que tienen los personajes en la ficción: videocámara en mano y diversas mini-cámaras de seguridad.

Es inevitable compararla con Paranormal activity (ídem, 2007) de Oren Peli. Incluso se puede decir que es mejor o, al menos, no es tan amateur. Se puede vislumbrar que en Carles Torrens hay un buen cineasta, pero no le encuentro el sentido a debutar con una película demasiado similar a un éxito reciente que ya va por su segunda secuela.

MELANCHOLIA (2011) de Lars Von Trier

Soy fan de Lars Von Trier, todas sus películas me gustan. Y esta no es una excepción, incluso la metería en el saco de las excelentes.

Dividida en dos capítulos, uno centrado en Justine (Kirsten Dunst) y, el otro, en su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg). El primer capítulo es similar a Celebración (Festen, 1998) de Thomas Vintenberg, plagado de crítica social (familiar y laboral) y enormes diálogos. Mientras que el segundo es mucho más sereno y contemplativo.

Justine está enferma, no puede ser feliz. El primer capítulo, centrado en su boda, es diversión para los invitados y el espectador, solo Justine está triste. Cuando el posible apocalipsis se acerca, vemos como Claire es la apenada, mientras que Justine, incapaz de que le entristezca ya algo más, está en el mejor momento de su vida, feliz por primera vez en mucho tiempo y capaz de llevar mejor la situación que el resto de personajes.

TWIXT (2011) de Francis Ford Coppola

No sé si tomarme esta película a una broma de Coppola. Tiene imágenes bellas, situaciones divertidas, surrealistas y, en general, es bastante entretenida. Pero las situaciones se plantean sin resolver, incluso en su final abrupto y sin sentido, en el que las risas del editor y novelista parecen echas a costa del público que ha acudido a la sala.

Un argumento similar a múltiples películas de terror, como la lovecraftiana En la boca del miedo (In the mouth of madness, 1994) de John Carpenter, en el que escritor de novelas de terror (Val Kilmer) acude a un pequeño pueblo a firmar ejemplares de su último libro. El entorno del pueblo y sus sueños se mezclan para servirle de inspiración en un nuevo libro.

Por los sueños se encuentra con Edgar Allan Poe (Ben Chaplin) que le ayudará en su redacción y a una niña vampiro de 13 años llamada Victoria (mismo nombre y edad que la esposa de Poe cuando se casaron) a quién da vida Elle Fanning, ya metida en el clan de los Coppola tras su interpretación en Somewhere (ídem, 2010) de Sofia Coppola, que sigue demostrando tener mucho más talento interpretativo que su hermana Dakota.

Esta es la única película que he visto en 3D en el Festival, y parece otra broma más de Coppola, pues la película contiene solo dos breves secuencias tridimensionales anunciadas con unas gafas bicolor en pantalla.

Festival de Sitges (5) 10-10-2011

2011-10-10T18:43:00.001+02:00

Lunes, el tren vuelve a estar falto de festivaleros. Somos cuatro gatos los que andamos a primera hora de la mañana hacia el Auditori. Hoy "solo" veré dos películas, por aquello de que los pases en 3D no entran en el Abonament Matinée, no me importa demasiado, a pesar de perderme una peli de Takashi Miike, pero el 3D comienza a ser un gran bluf y, espero, poder verla más adelante en dos dimensiones. Aunque mañana proyectan la única peli en 3D que veré en el festival, pero eso es otra historia.

THE YELLOW SEA (Hwanghae, 2010) de Na Hong-jin

Excelente thriller de acción trepidante, del director de, la no menos excelente, Chaser (Chugyeogja, 2008) que ya pasó con merecido éxito por el Festival de Sitges.

La producción de la Fox international, ha ayudado a que el acabado final resulte mucho más elegante que en su película predecesora. La escasez en la imaginación de los guionistas de Hollywood parece haber hecho aflorar nuevas ideas en las productoras. Ahora se dedican a producir películas de directores renombrados extranjeros para, así, asegurarse el remake que, sin duda, realizarán en breve.

La película está dividida en cuatro capítulos, en los que un taxista endeudado se ve obligado a trabajar de asesino en serie. Con un inicio sencillo, poco a poco la trama se va complicando como una espiral y, lo que parece afectar solo a dos personas, irá involucrando a mucha más gente.

Grandes personajes, buena factura, suspense, acción y crítica social consiguen mantener la atención a pesar de su larga duración.

BELLFLOWER (2011) de Evan Glodell

Como los personajes de Los inútiles (I vitelloni, 1953) de Federico Fellini o los de las primeras películas de Kevin Smith, encontramos a un grupo de jóvenes que deambulan por la vida. Ocupan su tiempo libre en realizar una fantasía infantil ideada cuando vieron Mad Max por televisión. Crean un lanzallamas casero, tunean un coche y una moto. Por si algún día llega el apocalipsis, ser los líderes del nuevo orden.

El camino se desvía cuando Woodrow (encarnado por el propio director) conoce a Milly, una chica alocada con la que empieza a salir.

Filmada con un estilo sucio, usando cámaras antiguas o efectos similares para que aparezcan imágenes excesivamente desenfocadas o con manchas. La película tiene diversos cambios de estilo, desde la película romántica de estilo "indie", al drama, a la acción más sangrienta, para acabar en un epílogo decepcionante (por cobarde y traidor) que hizo dudar a los espectadores sobre si la película merecía ser aplaudida o silbada.

Festival de Sitges (4) 9-10-2011

2011-10-09T21:58:00.003+02:00

Primer domingo de Festival, igual que ayer, la gente acude en masa. Es el cuarto día y muchas caras desconocidas empiezan a dejar de serlo.

Con el Abonament matinée no se incluyen películas en 3D, por lo que el tiempo que dura Les contes de la nuit de Michel Ocelot lo he empleado en ver la conferencia de Hiroshi Ishiguro, el creador de los geminoides que forman parte del cartel principal del Festival de este año. La charla ha sido amena, sin profundizar apenas en tecnicismos debido al público cinéfilo y no científico de la sala. La única conclusión que he podido sacar es que estamos más cerca de un futuro parecido al de Los sustitutos (Surrogates, 2009) de Jonathan Mostow que al de Inteligencia Artificial (A.I. Artificial Intelligence, 2001) de Steven Spielberg. Y, como anécdota, nos ha explicado que en Japón es de mala educación hablar con el teléfono móvil en un restaurante, por lo que usar un androide como sustituto podría servir a los japoneses para hacer llamadas en lugares públicos sin tener que avergonzarse.

ANOTHER EARTH (2011) de Mike Cahill

Opera prima del director, película de estilo indie, que usa la ciencia ficción como telón de fondo y metáfora de una pequeña historia dramática. Estamos en un caso similar al de Monsters (ídem, 2010) de Gareth Edwards que pudo verse el año pasado en el festival.

Mientras se descubre que existe otro planeta Tierra igual que el nuestro, con las mismas ciudades y habitantes, una joven adolescente tiene un accidente automovilístico en el que deja en coma a un músico (William Mapother, el Ethan de Perdidos), mata a su esposa embarazada y a su hijo.

La nueva Tierra servirá de metáfora donde las desgracias pueden llegar a superarse con nuevas oportunidades.

VERBO (2011) de Eduardo Chapero-Jackson

Con una trayectoria curtida a base de cortometrajes multipremiados, Eduardo Chapero-Jackson se lanza a rodar su primer largo con una historia personal.

Un cuento protagonizado por una adolescente de 15 años, igual que el target principal al que va destinada la película. Con arquetipos bastante habituales en el punto de vista adolescente, en el que los adultos son gente aburrida, amargada y están siempre en contra del joven.

Los adolescentes que están al borde del suicidio, tienen una oportunidad de volver a recuperar su vida cuando entran en un submundo poblado por hip-hoperos ataviados con capuchas, soportando fluorescentes en sus manos y desplazándose por las cloacas a través de sus skates.

Recomendable para adolescentes amantes del Hip-hop español y, especialmente de Nach, quien realiza un cameo y colabora en la música de la película.

Tras el pase de la película, Eduardo Chapero-Jackson, Alba García, Miguel Ángel Silvestre, Nawja Nimri, Verónica Echegui y Macarena Gómez, participaron en un coloquio con la prensa y el público asistente. Alba García, la protagonista del film, debuta en el cine y en la interpretación con esta película, tras participar por casualidad en el casting. En principio, el protagonista iba a ser masculino, pero Chapero-Jackson al ver a Alba García decidió cambiarlo de sexo. Prácticamente todos los actores conocían anteriormente al director, y esa es la principal razón para que actrices como Macarena Gómez aceptaran participar en un papel tan pequeño y sin apenas diálogos.

GANTZ (2010) de Shinsuke Sato

Primera de las dos películas que tratan de resumir todos los tomos del manga homónimo.

Desconozco prácticamente la obra en que se basa, pero me cuentan que en el manga hay más ideas subversivas, conductas extremas de los personajes, desnudos y escenas de sexo. Por lo que estamos ante una obra que ha rebajado su tono al trasladarse de medio.

Dejando a parte esta pérdida, la película (o media película, porque no está completa sin su segunda parte) es un puro entretenimiento de acción, en el que no faltan escenas de lucha, gore y personajes alienígenas curiosos.

Festival de Sitges (3) 8-10-2011

2011-10-08T19:48:00.003+02:00

Primer fin de semana del Festival. Se nota, pues ya no camino solo desde la estación de tren hasta el Auditori. Hordas de frikis se adueñan de las estrechas aceras de esta bonita localidad. El espectáculo es similar a una carrera de marcha con gente poco atlética y torpe en su mayoría.

Entre una sesión y otra he conseguido ver a los fans de la Saga Crepúsculo, ataviados de mantas y cojines sobre los que han dormido toda la noche a la intemperie. Y todo para ver un actor secundario de la película, el día que tiren la casa por la ventana y venga alguien del trío protagonista no se que pasará.

MIENTRAS DUERMES (2011) de Jaume Balagueró

No tenía especiales esperanzas depositadas en el film. Pues, salvo REC, no congenio demasiado con el cine del director ilerdense. Pero me he llevado una grata sorpresa con esta película narrada bajo el punto de vista de un psicópata.

Cierto que no es algo novedoso, pues la serie Dexter lleva ya seis años con una temática parecida. Pero la serie de la HBO se justifica en la visión de un asesino que solo mata a gente que se lo merece, una vuelta de tuerca al cine fascistoide de Charles Bronson. Mientras que el mérito de Balagueró está en conseguir sentirnos identificados con el psicópata encarnado por Luis Tosar, sin ninguna coartada con la que justificarnos.

Recientemente la nueva Hammer estrenó una película con una premisa calcada: La víctima perfecta (The resident, 2011) de Antti Jokinen, con resultados bastante lamentables. La comparación entre ambas películas es un ejemplo perfecto de que no existen ideas malas, sino malas maneras de contarlas.

JANE EYRE (2011) de Cary Fukunaga

Ni conozco la filmografía del director, ni la novela original, ni ninguna otra de las múltiples adaptaciones de la obra de Charlotte Brontë. Lo más cerca que he estado de la obra es cuando me dio por leer Cumbres borrascosas de su hermana Emily Brontë.

Sobre el argumento no diré nada nuevo que se haya podido decir en los últimos 164 años que han transcurrido desde su primera publicación. Como suele ocurrir en este tipo de adaptaciones, se nota que siempre falta algo por desarrollar. Así, todo lo relacionado con el personaje de Jamie Bell y sus hermanas queda más desdibujado, para tratar con mayor atención lo que parece la trama principal de la novela: la parte en la que Mia Wasikoska y Michael Fassbender demuestran ser buenos actores además de guapos.

Fukunaga realiza una película clásica, sin necesidad de filmarla con un estilo clásico. Donde la fotografía, aparentemente basada en la luz natural, es lo más destacable.

HELL (2011) de Tim Fehlbaum

El director alemán ha estado presente en el pase de la película. Tímido desde el inicio y hablando en un inglés bastante entendible (como suele ocurrir en los que no hablan de forma natural alguna lengua), nos comenta que el título Hell (o gel, bromeando sobre como lo pronunciamos aquí), además de ser infierno en inglés, también significa algo parecido a claro o luminoso en alemán. Y, así es como debemos tomarlo para entender mejor el film.

Haciendo honor a su título, la película muestra un planeta donde la temperatura del sol se ha elevado tanto que es imposible exponerse demasiado rato ante él sin recibir quemaduras mortales. Para representar esa sensación, usa una fotografía sobreexpuesta para que apenas vislumbremos algo entre la luz blanca cegadora del sol.

Es una peli correcta sobre un mundo post-apocalíptico en el que los seres humanos sacan lo peor de sí mismos debido a la escasez de agua y alimentos. Nada nuevo que no hayamos visto cientos de veces en películas de zombies, infectados o cualquier otro motivo que se quiera representar para acabar con la humanidad. El 2012 está cerca y, parece, que no vamos a parar de ver películas similares.

ATTACK THE BLOCK (2011) de Joe Cornish

Apadrinado por Edgar Wright, nos llega la primera película como director de Joe Cornish. Sin duda uno de los mejores debuts del cine reciente con una película que es, desde ya mismo, un clásico del género fantástico.

El espíritu de la misma está en Los Goonies (The goonies, 1985) de Richard Donner. Pero dista mucho de ser un homenaje nostálgico como la reciente Super 8 (ídem, 2011) de JJ Abrams, si no más bien una actualización del género a una nueva época, lugar y concepto de la sociedad.

Los adolescentes protagonistas son unos pandilleros de barrio que se dedican a atracar y a trapichear con marihuana hasta que, una noche, se enfrentan a una invasión alienígena que ataca su barrio. Pura aventura doméstica, en el que los personajes evolucionan mientras le patean el culo a unos extraterrestres de diseño sencillo pero novedoso.

Festival de Sitges (2) 7-10-2011

2011-10-07T19:45:00.002+02:00

Segundo día en Sitges, todavía no es fin de semana y, por ello, se trata de una mañana tranquila sin aglomeraciones ni largas colas.

LOBOS DE ARGA (2011) de Juan Martínez Moreno

Tras el paso por la comedia y el trhiller, Juan Martínez Moreno presenta una película que mezcla la comedia con el terror fantástico.

Con un reparto encabezado por Gorka Otxoa, Carlos Areces y Secun de la Rosa, ya podemos suponer que la película está más cerca de la comedia que de cualquier otra cosa. Pero, paradójicamente, mejora en los momentos estrictamente fantásticos que cuando pretende hacer humor. Salvo algunos diálogos (prácticamente todos los de Carlos Areces) y situaciones aisladas, el humor es más bien facilón y, en ocasiones, de vergüenza ajena.

Por suerte, la mezcla de géneros, deja paso a un homenaje (nada oculto) a Lovecraft y a las películas de Paul Naschy, que funciona bastante bien. El aspecto físico del hombre lobo es una mezcla entre las películas del mencionado Jacinto Molina y los gigantescos licántropos que se han puesto tan de moda en el Hollywood de la última década.

INTRUDERS (2011) De Juan Carlos Fresnadillo

En la sala del Auditori nos acompaña el propio Fresnadillo y uno de los guionistas de la película, Nicolás Casariego. Mientras Fresnadillo nos introduce durante varios minutos en su idea de la película, Casariego prefiere omitir cualquier palabra y pide al proyeccionista* que empiece la función al proyeccionista. * Mención aparte merece el proyeccionista de estos días, todavía no ha tenido tiempo de tomar las medidas de la pantalla, porque siempre corta la imagen por la parte superior.

Como en Lobos de Arga, también estamos ante la tercera película de un director español. Aunque Fresnadillo pasó por el cine de encargo mainstream, al dirigir 28 semanas después (28 weeks later, 2007). Intruders parece una mezcla de su universo más personal que pudimos ver en Intacto (ídem, 2001) y el cine de grandes estudios.

Intruders nos habla del miedo del desconocido que entra en casa, del miedo a los cuentos que nos leen nuestros padres por la noche. Para ello crea un personaje aterrador, Carahueca, que entra en las habitaciones de nuestros hogares a robar los rostros de los niños. La película muestra en paralelo los efectos de esta criatura fantástica en dos familias diferentes, una en Madrid y otra en Londres. Mientras unos buscan auxilio en la religión, los otros en la psicología. Dos formas de adentrarse en la posible solución a un mismo problema.

Hay ecos de Hitchcock y de Wes Craven. Pero, por encima de todo, de Shyamalan. El tono de suspense general y el giro final, consigue que no nos hubiera extrañado nada ver al director indio acreditado como director de la película. Pero Fresnadillo usa un truco interesante (que no desvelaré aquí) para que nadie se adelante al giro final que, de otra forma, hubiese resultado demasiado previsible.

SCABBARD SAMURAI (2011) de Hitoshi Matsumoto

Para acabar de redondear el día, también he podido ver la tercera película en la filmografía de otro director. Esta vez, del japonés Hitoshi Matsumoto, cuyo anterior film, Symbol (Shinboru, 2009) es ya una obra de culto.

El gusto por usar los recursos propios del anime y manga también es palpable en esta película. Un samurái sin espada viaja sin rumbo fijo con su hija. Hasta que es capturado y condenado a muerte. Pero con una posibilidad de condonar la pena: tiene 30 días para conseguir que el príncipe sonría. No será tarea fácil, pues el joven príncipe parece un alma que se arrastra sin vida, tras la muerte de su madre. Y 12 personas ya lo intentaron sin éxito antes que él.

Durante toda la película, vemos las diferentes formas que se ingenia el samurái, su hija o los dos carceleros para conseguir el propósito. Una serie de secuencias absurdas, unas más graciosas que otras, algunas más gratuitas que otras. Tan divertidos como innecesarios son los tres asesinos, tres personajes secundarios que aparecen durante todo el metraje en segundo plano.

Lluís Alba

Festival de Sitges (1) 6-10-2011

2011-10-06T20:54:00.005+02:00

Llego a la cola de recogida de entradas del Auditori a las 8:40, no hay demasiada gente esperando, hasta las 9:00 no abren las taquillas. A las 9:10 siguen sin abrir, y el sol comienza a asomar por detrás de los edificios situados frente al Auditori. Ya se sabe que el sol y el público cinéfilo no son buenos amigos. Lo que hasta ese momento era una cola paciente, se convierte en una tensa espera que hace aflorar los instintos nerviosos del más calmado de los frikis. La cola ya es larga y, la mayoría, no lograrán comprar/recoger su entrada para la primera sesión de Eva, a las 10:00. Poco importaría, pues a las 12:00 hay otro pase. Pero los primeros síntomas graves de la situación surgen de una voz anónima que nos informa que, como es costumbre, el primer pase es en versión original, mientras que el segundo es doblado. El horror del cinéfilo a tener que ver una película doblada, todavía hace alterar más los nervios de aquellos que se están abrasando con el sol matinal de Sitges. Empieza a haber carreras sin sentido de un lado a otro, en la búsqueda de una inexistente puerta alternativa por donde poder acceder.

Finalmente, a las 9:45 se abre la taquilla. Y, para no perder la costumbre, sin explicación alguna del retraso por parte de los responsables del Festival. Como al que madruga, Guardiola ayuda, llego a tiempo para recoger mi abono y entrar en el pase de las 10:00 de Eva.

EVA (2011) de Kike Maíllo

El pase en v.o. de Eva mezcla catalán y castellano según los actores que aparezcan en escena. Ambientada en un 2041 de ambiente retro, evidenciado por estar filmado en escenarios que, hoy mismo, ya son antiguos. Tanto los edificios (interiores y exteriores), como la ropa, vehículos y demás utensilios, son más propios de la década de los 70 del pasado siglo que del imaginario fantástico al que estamos habituados de un futuro medianamente lejano.

El ajuste presupuestario no es el único motivo para elegir esta ambientación, pues el homenaje a la ciencia ficción, al fantástico y al cómic también tiene su importancia. Desde los primeros androides que vemos en la nieve, clavados a los oxidados robots de La guerra de las galaxias (Star Wars, 1977) de George Lucas, pasando por el homenaje a la Arale Norimaki del Doctor Slump, o el mayordomo salido de un cómic de Tintín e interpretado magistralmente por Lluís Homar.

Una mezcla de lo que habrá mamado Kike Maíllo en su infancia sumado a otros referentes más cercanos como el Spielberg de Inteligencia artificial (Artificial Intelligence: AI, 2001) y Minority Report (ídem, 2002), aderezado con una filmación clásica y una estructura propia de una serie de televisión, dotan a la película de un carácter especial que nos hace olvidar lo previsible del relato y un clímax final algo desangelado.

CONTAGION (2011) de Steven Soderbergh

La similitud estructural más cercana a la propia cinematografía del director la encontraríamos en Traffic (ídem, 2000), pues Contagion también es una película coral que narra en paralelo los diferentes efectos de una misma situación en el mundo.

Lo que entonces fue la droga, ahora es una enfermedad vírica altamente contagiosa. Pero Soderbergh no es cualquier cineasta, y para realizar una película convencional sobre el mismo tema ya tenemos Estallido (Outbreak, 1995) de Wolfgang Petersen.

Soderbergh usa como excusa el virus mortal para tocar otros temas. Le interesa los efectos de la globalización, demoniza a internet y a los "bloggeros" (más de uno se habrá sentido humillado en la sala). Mientras que ensalza los métodos tradicionales de relación y tratamiento de un problema.

No hay escenas artificiosas en la película, por lo que no vemos ningún drama forzado, ni demasiada sangre, ni efectos digitales rebosando por encima del celuloide. Para causar terror, a Soderbergh le basta con el sonido de una tos, la imagen de unas manos apoyadas en la barra de metro, o la visión de unas gallinas en un mercado de Hong Kong. Todo es sobriedad, como si de un documental se tratara, en el que vemos perfectamente ordenados en paralelo los hechos en común que afectan al mismo tiempo al planeta entero.

Lluís Alba

Somewhere

2011-09-29T18:57:00.002+02:00

Sofia Coppola está formando una obra cinematográfica coherente con sus intereses. Probablemente Somewhere todavía lo sea más, al tratar un tema personal que la acompañado desde que nació: la vida de una estrella famosa de Hollywood.

Somewhere retrata la vida de Johnny Marco (Stephen Dorff), durante los intervalos fuera de su oficio. La presumible vida de ensueño que pueda tener un multimillonario famoso es mostrada de forma aséptica, lejos de la pompa y espectáculo que rodea nuestra visión de ellos. Marco es la sombra de una persona, cuya agente de promoción, dictamina su rumbo diario. No tiene alicientes, pues no toma decisiones, ni siquiera tiene dificultades para ligar con cualquiera. Al no tener retos, sus éxitos son tomados a la ligera y no los disfruta (como prueba la escena en la que se duerme practicando sexo).

Sofia Coppola concibe un ambiente frío para la película, análogo a la vida del personaje. La ausencia de banda sonora, ilustra de igual modo los escenarios por los que se mueve la estrella de cine, hoteles tan lujosos como impersonales.

La relación, aparentemente apacible, con su hija pre-adolescente, parece el único punto de conexión con una realidad más humana, aunque el estallido del conflicto emocional les hará ver a ambos que son incapaces de llevar su vida con una expresión de sentimientos ordinaria.

Lluís Alba

Four lions

2011-09-29T18:50:00.004+02:00

En una primera lectura, cuesta entender el motivo para hacer humor sobre un grupo de yihadistas, teniendo en cuenta que hay un drama actual detrás de ello. No ha pasado tiempo para cumplir aquella máxima que, Woody Allen, ponía en boca de uno de sus personajes en Delitos y faltas (Crimes and misdemeanors, 1989): Comedia es igual a tragedia más tiempo.

El tratamiento visual de estilo documental, convierte el sarcasmo en un retrato fidedigno de la visión personal de Chris Morris sobre los terroristas. Para el director de Four lions "el terrorismo tiene que ver con la ideología, pero también con los imbéciles".

Situado el contexto, la película es una comedia del más puro estilo de humor inglés. Basada en cinco personajes idiotas (algunos más que otros) que se preparan para cometer un atentado. Igualmente podría haberse hecho a partir de un grupo de amigos preparando un torneo de fútbol, o una coreografía de strip-tease.

El atrevimiento de tomar como punto de partida el terrorismo yihadista, le valió a Chris Morris, el BAFTA al mejor director/guionista/productor revelación de 2011. Un debut cinematográfico que venía respaldado por numerosas series de televisión que aquí apenas hemos podido ver, a excepción de su interpretación como jefe en la primera temporada de Los informáticos (The it crowd, 2006-...).

Lluís Alba

Arrietty y el mundo de los diminutos

2011-09-22T13:12:00.002+02:00

Como es habitual en las numerosas producciones donde ha participado Hayao Miyazaki, Arrietty y el mundo de los diminutos también se basa en un clásico de la literatura juvenil europea. Los incursores (The borrowers, 1952) de Mary Norton ha tenido diversas versiones televisivas desde los años 60 y, también, una adaptación cinematográfica de 1997 protagonizada por John Goodman y, hasta el momento, la más popular para el público general. El ritmo no para, pues ya está en marcha una nueva producción de la BBC con nombres tan destacados como Stephen Fry (Wilde) o Christopher Eccleston (Doctor Who).

Pero no solo el cine y la televisión han adaptado las novelas de Mary Norton, también ha servido de inspiración para la escritura de Los diminutos (The littles, 1967) del norteamericano John Peterson, cuya adaptación animada fue muy popular en los 80. Con todas estas variopintas adaptaciones, queda demostrado que es un libro universal y atemporal, fácilmente trasladable a cualquier cultura.

La animación del estudio Ghibli parece ir a contracorriente de lo que se estila en el mundo occidental. Ajena a la animación por ordenador en 3D, continúa con el estilo tradicional basado principalmente en el dibujo a mano. Sumado a la ambientación rural de sus películas, uno entra en el cine con la sensación de viajar al pasado durante unas horas, enfatizando el efecto casi hipnótico de vivir una fantasía.

Aunque no esté dirigida por Hayao Miyazaki, sí que ha participado totalmente en la producción y el guión. Si en los créditos no apareciera el nombre de Hiromasa Yonebayashi (animador formado en el estudio Ghibli), nadie hubiese notado la diferencia entre Arrietty y el mundo de los diminutos y cualquier otra película del director de Mi vecino Totoro. La ambientación paisajística, el diseño de personajes y la sutileza del relato, son similares a la filmografía del maestro. Por lo que no defraudará a sus admiradores que pudieran ser reacios al no ver su nombre encabezando el proyecto.

Desde que Aurum se hizo con los derechos en España del estudio Ghibli, se ha multiplicado su difusión. En los años 80 y 90 era impensable ver una de sus películas proyectada en un cine comercial. Cierto que el número de aficionados al anime es muchísimo mayor ahora que hace tres décadas, pero continua siendo un mercado secundario si lo comparamos con cualquier película de animación distribuida por las majors americanas. Da pena ver salas medio vacías, solo porque la película no sea en 3D ni esté tan publicitada. El público mayoritario de las películas de animación siguen siendo los niños, cuyos padres carecen del criterio que a ellos todavía les falta por edad.

Lluís Alba

Los amos de Brooklyn

2011-09-14T12:27:00.003+02:00

Los distribuidores españoles independientes suelen quejarse de un mercado totalmente dominado por las majors norteamericanas (Universal, Paramount, Sony, Warner, Fox y Disney). Pero las independientes estadounidenses también padece esta saturación, provocando que una película protagonizada por Richard Gere, Ethan Hawke, Don Cheadle y Wesley Snipes, se estrene en España con dos años de retraso.

Tampoco importa demasiado, de haber llegado de la mano de uno de los grandes estudios, nos habrían bombardeado de publicidad, creando unas ansias internas de ver la película. No es el caso, la mayor parte del público no sabía que existía hasta ahora, y como en nuestro país todavía seguimos con tics franquistas relacionados con el doblaje (que facilitaba la censura), seguimos teniendo una mayoría de cines con películas en las que otros actores diferentes tapan las voces de los originales. Y, encima, nos parece normal. Así que la manada irá a ver la peli doblada, porque para la mayoría, hasta que no se dobla, no existe.

Dejando de lado este preámbulo que solo sirve para rellenar. La película de Antoine Fuqua, es un regreso al género que le dio su mayor éxito, Training day: Día de entrenamiento (Training day, 2001). Nuevamente nos traslada a un ambiente policial bastante podrido, vuelve a contar con Ethan Hawke e, incluso, alguna secuencia de Richard Gere acompañado por un policía novato, puede evocar a su famosa película.

No es de extrañar ver reminiscencias de The wire: Bajo escucha (The wire, 2002-2008) de David Simon, en esta película. Pues han pasado 8 años desde Training day y algo ha cambiado en el mundo cinematográfico. Las series de televisión norteamericanas son las abanderadas de la calidad y, el cine, se ha visto abocado a seguirlas. Pero parece difícil que una película de poco más de dos horas, en las que se narran tres historias diferentes, esté igual de bien desarrollada que una serie donde el tiempo ya no se convierte en un lujo.

A pesar de tener un guión perfectamente estudiado y milimetrado, de definir bien a los personajes y sus motivaciones, parece que necesitemos más metraje para acabar de analizar minuciosamente todos los entresijos de la película.

Las series de televisión del nuevo milenio no solo han afectado a los cineastas, si no también al público. Para bien o para mal, el objetivo final de toda película.

Black heaven

2011-09-06T19:44:00.004+02:00

Con una carrera más prolífica como guionista, Gilles Marchand dirige su segundo largo, tras la multipremiada ¿Quién mató a Bambi? (Qui a tué Bambi, 2003). Anteriormente había colaborado en los libretos de las películas de Laurent Cantet y Dominik Moll, autor de la reivindicable Harry, un amigo que os quiere (Harry un ami qui vous veut du bien, 2000), también guionista del presente film.

Black heaven (L'autre monde) muestra el verano de unos jóvenes post-adolescentes marselleses (lugar de nacimiento de Marchand, que hace sospechar reminiscencias autobiográficas en el ambiente de la ciudad). Están en la edad clave para decidir (o lograr) que clase de persona quieren ser. El protagonista del film, Gaspard, comienza una relación amorosa con Marion quien, como el habitual (y real) tópico, parece tener las cosas más claras. La chica no duda en declarar su amor, mientras que él debe corresponder con las mismas palabras sin saber todavía si son ciertas. No parece falta de convicción, simplemente (y siguiendo el tópico) los hombres no parecen plantearse el amor como un tema serio hasta que la mujer lo indica.

A esta diatriba se le une la presión social. La amenaza perenne del futurible suegro y el reiterativo análisis de todos sus actos por parte de sus amigos. Ante este mar de dudas, se cruza en su camino Audrey. Una imponente fémina que encarna la tentación en el momento más (in)oportuno. De la obsesión por Audrey, nace un nuevo Gaspard.

Esa dualidad de la personalidad de Gaspard se plasma en pantalla a través de un juego on-line denominado Black hole (nombre que homenajea al cómic homónimo de Charles Burns). Basado en el Second life (por cierto, ¿queda alguien ahí?), pero con la inspiración visual del cine negro, donde Gaspard puede campar a sus anchas en busca de su nueva musa. Basándose en los millones de personas enganchadas a los diferentes juegos de internet, Marchand muestra que una persona puede ser otra totalmente distinta en un mundo virtual, consiguiendo tener dos vidas, la del mundo físico y la (posiblemente) deseada en la pantalla del ordenador. Idea que queda enfatizada en la noche que pasa al mismo tiempo con Marion y Audrey sin tener que salir de casa.

Como ya se observaba en ¿Qué fue de Bambi?, destellos de David Lynch siguen presentes en la obra de Marchand. A esto hay que sumarle nuevas y diferentes influencias como Matrix (The matrix, 1999) de Andy y Larry/Lana Wachowsky, apreciable en la escena que abre nuestra visión al mundo virtual.

Hay películas más representativas de los mundos virtuales on-line, como Avalon (ídem, 2001) de Mamoru Oshii, pero esta responde muy bien a los estímulos del mundo "real" de los jóvenes marselleses donde no faltan las referencias al lastre del tráfico de drogas y criminal que siguen arrastrando.

Lluís Alba

La deuda

2011-09-06T19:40:00.003+02:00

Remake de un film israelí, del que dudo poca gente pueda haber visto en España (a excepción de Pilar Rahola), sobre unos agentes del Mossad infiltrados en la Alemania del este en 1967.

Recomendable película de espionaje. Como también es recomendable advertir, a todo el que desee verla, para que no lea el argumento que corre por la mayoría de webs. Pues relatan con pelos y señales un giro argumental que sucede en el último tercio de la película.

Los acontecimientos comienzan en 1997, cuando la hija de dos de los agentes, presenta un libro basado en su misión de infiltrados en el Berlín oriental. A partir de ese momento comienza un flashback que ocupa la mayor parte del film y, donde se incluyen las mejores secuencias y puramente auténticas del cine del género.

Para interpretar a los tres agentes en las diferentes épocas se ha optado por la (mejor) opción de contar con distintos actores y evitar los maquillajes digitales, que todavía dejan mucho que desear. Salvo el problema en que el parecido entre algunos de los actores son más que remotos, al menos en el personaje principal, Rachel Singer, sí que ha habido un acierto tanto en la semejanza física como en la elección de actrices. Helen Mirren presta su rostro a la versión de 1997 y la (por el momento) desconocida Jessica Chastain hace lo propio con la de 1967. Y digo por el momento, pues Chastian tiene pendientes hasta seis estrenos importantes en papel principal (películas dirigidas por nombres como Terrence Malick o Ralph Fiennes). Hasta ahora, solamente la habíamos podido ver en apariciones fugaces en series de televisión, pero tuvo la fortuna de compartir cartel teatral con Al Pacino en la obra Salome, cuya adaptación cinematográfica, también protagonizará bajo la dirección del mismo Pacino.

Obviamente, al tener un origen israelí, la película no es imparcial ni muestra la dualidad moral de las acciones del Mossad, como si sucedía en Munich (ídem, 2005) de Steven Spielberg, película con la que podría guardar algunas similitudes. Pero sí se toma el tiempo suficiente para explicar las interioridades de los tres protagonistas que forman un triángulo amoroso, cuyos actos en la misión les dejarán marcados para el resto de sus vidas.

Lluís Alba

Stella

2011-09-06T19:29:00.004+02:00

A pesar de haber sido premiada en diversos festivales independientes y elogiada por la crítica francesa, esta película de 2008 ha tardado 3 años en llegar a nuestras salas. Ha tenido que nacer una nueva distribuidora independiente, Good films, para que se estrene en nuestro país.

Stella es una película con tintes autobiográficos de su directora y guionista, Sylvie Verheyde. Ambientada en 1978, cuenta un año en la vida de Stella, una niña de familia humilde que inicia curso en una nueva, y prestigiosa, escuela de secundaria. Un nuevo mundo, alejado de su ambiente habitual, que se plasma perfectamente con la comparación entre las secuencias filmadas con la cámara en movimiento del ruidoso y caótico bar que regentan sus padres, alejadas de la sobriedad estática y ambiente aséptico que muestra la escuela pija.

Podría definirse como una versión de los 70 de La clase (Entre les murs, 2009) de Laurent Cantet. Con las diferencias de ser una peli totalmente de ficción y estar centrada principalmente en Stella y, parcialmente, en su amiga Gladys. Pero ambas tienen en común la temporalidad ceñida a un curso escolar y mostrar una serie de secuencias que obvian totalmente la moralina habitual del cine mainstream.

Sin señalar a nadie, no queda exenta la crítica general a la sociedad francesa, en la que un grupo pequeño de profesores son los designados para decidir si la niña humilde merece entrar o no en el sistema. Un tema de candente actualidad en el momento de presentarse la película debido a los disturbios en París de 2007, que pueden ser vistos en paralelo con lo ocurrido este 2011 en Londres.

Como en toda película minoritaria, los intérpretes principales son básicos para que el conjunto funcione. Tanto los padres de Stella, como las dos niñas protagonistas merecen un reconocimiento especial. Más teniendo en cuenta que, Léora Barbara, con 11 años debe sostener la película en todos sus planos, además de ejercer de narradora con su voz en off.

El perfecto anfitrión

2011-09-01T18:01:00.002+02:00

El australiano Nick Tomnay debuta en el largo con El perfecto anfitrión, una adaptación de su cortometraje titulado The host que realizó durante 2001 en su país de origen.

Tras recibir numerosos premios en los festivales por los que pasó, decidió mudarse con su esposa a Nueva York, con la intención de realizar esta película. Buscó una representante para mover el guión entre diferentes productoras, pero no se llegó a concretar nada. Mientras trabajaba dirigiendo spots y participando en Two twisted (una serie de televisión australiana), su representante le dijo que estaba harta de las respuestas negativas de las productoras. Ella y su socia se harían cargo de la producción.

Con la dificultad económica que eso conlleva, tuvo la suerte de poder contratar al actor David Hyde Pierce (Niles, el hermano de Frasier), sin duda el alma de la película que no podría ser la misma sin su participación. Tras el pase por diversos festivales, la película comenzó a tener cierta repercusión internacional (en España la pudimos ver en el Festival de Sitges 2010). Hasta que la productora independiente Festival films, ha decidido arriesgarse y estrenarla en nuestras salas comerciales.

Se nota claramente la influencia de varias películas como El quimérico inquilino (Le locataire, 1976) de Roman Polanski y La huella (Sleuth, 1972) de Joseph L. Mankiewicz. Pero tiene la suficiente entidad para ser una obra totalmente distinta. Difícil es hablar de esta película sin revelar nada, pues contiene una par de giros en el guión que, más allá de las (lógicas) reticencias que se pueda tener, no empañan el resultado final. Los giros enfatizan la enfermedad mental del protagonista, hasta tal punto de hacer partícipe al espectador de sus visiones. Incluso los personajes imaginarios tienen la suficiente entidad para resultar creíbles lejos de la mente que los creó.

No es una película perfecta, algunas secuencias se alargan innecesariamente y se vuelven repetitivas, pero sí lo suficientemente recomendable para no dejarla pasar por alto.

Lluís Alba

Capitán América: El primer Vengador

2011-08-11T19:58:00.002+02:00

El ambicioso proyecto que se ha ido mascando poco a poco, para delicia de aficionados a Marvel, ya ha llegado a su punto crucial. En los últimos años se ha cocinado a fuego lento una serie de adaptaciones de personajes Marvel destinadas a engrosar el imaginario cinematográfico para mayor gloria de la futura película de Los Vengadores. Así hemos visto adaptaciones de El increíble Hulk, Iron man, Thor y, finalmente, El capitán América.

Dudo mucho que esta película hubiese sido igual de no haberse parido como antesala a Los Vengadores. De otro modo, la mayor parte de la película hubiese transcurrido en la época actual. Al formar parte de otro proyecto global, hemos podido disfrutar de una película entera de ambientación retro-futurista que hará las delicias del aficionado pulp.

La lógica apunta que Joe Johnston era la persona indicada para dirigir la película, pues ya contaba con experiencia parecida. Rocketeer también trataba sobre un superhéroe cuyas peripecias sucedían durante la Segunda Guerra Mundial. Capitán América: el primer vengador, está narrada como una película de aventuras de corte clásico. La suerte de poder contar con toda una película para mostrar el origen del personaje, hace que Johnston se tome el tiempo necesario y pueda presentar a todos los personajes. Sus secuencias de acción está bien planificadas y lejos del estilo actual de montaje promocionado por algún enfermo de Parkinson.

La fantástica ambientación ayuda a sumergirnos en la aventura retro-futurista, llena de guiños a los aficionados del cine clásico. El inicio es similar a El enigma de otro mundo (o si se prefiere al remake de Carpenter, La cosa). Howard Stark, el padre de Tony Stark, está basado directamente en Howard Hugues.

No faltan los habituales guiños a la legión de Marvel-zombies. Podemos ver en la exposición de ciencia a La antorcha humana original. Alguno hubiese deseado ver al androide en movimiento junto al resto de Los invasores. Pero, para el espectador neófito, hubiese sido demasiado confuso ver a una antorcha humana al lado del Capitán América interpretado por Chris Evans, quién ya fue la antorcha humana de los 4 fantásticos. También se incluye una divertida serie de secuencias, que sirven tanto de homenaje al traje del serial de los 40 como a la mítica portada en la que el Capi golpeaba a Hitler. Y, como no, el cameo habitual de Stan Lee.

La atención que se tiene en el desarrollo de personajes, permite que nos hagamos a una idea de los ideales yankees de la época. Steve Rogers, desea darlo todo por su país, como la mayoría de jóvenes americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Una diferencia generacional bien remarcada que, esperemos, esté bien utilizada en la película de Los Vengadores.

La iconografía y las numerosísimas historias del cómic quedan bien reflejadas en la película. Intentando combinar los argumentos más clásicos como los de última generación de Ed Brubaker (con una clara referencia a su saga Soldado de invierno, que bien podremos ver reflejada en una futura secuela).

La película de Thor quedó demasiado supeditada a la idea de capítulo piloto previo a Los Vengadores, pero Capitán América: el primer Vengador, demuestra que se puede hacer una película-presentación sin dejar de tener entidad propia.

Lluís Alba

El origen del planeta de los simios

2011-08-11T19:47:00.003+02:00

Desde niño he sido un profundo admirador de la saga de El planeta de los simios. A pesar de haber nacido una década más tarde del estreno de su primera parte, tuve la suerte de descubrir la película de Franklin J. Schaffner en una de las habituales sesiones matinales de reestreno del Centre Parroquial d'Horta. Ver en pantalla grande un clásico por primera vez, sin tener ni idea del argumento, ni de su sorpresa final, era una sensación parecida a viajar en el tiempo. No había internet y tuve que interrogar a mi madre sobre la película para, sorpresa otra vez, descubrir que había varias secuelas. Poco a poco, fui grabándolas en VHS durante sus pases televisivos hasta poder ver la saga completa. Eran otros tiempos y la recolección de películas se basaba en un seguimiento exhaustivo de la programación televisiva.

Pasaron los años y, en 2001 se estrenó un remake dirigido por Tim Burton. Una de las películas de mi infancia rehecha por uno de (hasta entonces) mis directores favoritos. Jamás me había sentido tan estafado al salir de un cine. Tanto que, Tim Burton dejó de tener valor para mí, y olvidé la película. Ni la volví a ver ni tengo interés en hacerlo.

Durante la primera década del siglo XXI estalló el boom del DVD y las descargas de internet, en cuanto se pusieron a un precio asequible, me hice con las cinco películas originales para revisarles en v.o. y me descargué la serie de los 70 que jamás habría podido ver de no ser por la (mal llamada) piratería.

Llegamos a la segunda década del siglo XXI, se anuncia una nueva película sobre El planeta de los simios. A diferencia de la versión de Burton, no se escoge ningún director de fama mundial, ni se le da demasiada promoción previa. Las pocas informaciones que llegan hablan de una precuela y, lo mejor, obviando totalmente la versión de Burton.

Como si los mismos productores hubiesen aprendido de su error, El origen del planeta de los simios, encaja bastante bien con la película de 1968, aunque varía lo explicado en sus secuelas, donde una paradoja temporal era la artífice de que los simios llegaran a dominar al hombre, mientras que en esta trata de la experimentación científica de una empresa farmacéutica en busca de una cura para el Alzheimer. En la línea de los 'mad doctor' clásicos, tenemos a un James Franco experimentando más allá de los límites del hombre por una buena causa. Como es habitual, las consecuencias irán más allá de lo que podía esperar.

Llena de guiños a sus predecesoras. Desde los más visuales, como el jersey que lleva César y la ambientación del patio de la 'cárcel' que recuerda a la plaza de tierra de la película original. Pasando por los nombres de personajes de la saga clásica, el ya mencionado César, Cornelia (versión femenina del Cornelius que inmortalizó Roddy McDowall), Ojos brillantes (tal y como llamaba Zira a Taylor). Dodge Landon, el joven maltratador de simios que encarna Tom Felton (actor encasillado en personajes malvados tras interpretar a Draco Malfoy en las ocho películas de Harry Potter), es una combinación del nombre de los dos astronautas (Dodge y Landon) que acompañaban a Taylor en la película de 1968. Se reproducen frases míticas de la saga original como la del primer simio que dijo 'no', o el 'quítame las manos de encima simio asqueroso'. Y, para acabar de redondearlo, aparece la imagen de Charlton Heston en un monitor de televisión.

Dejando de lado todos estos guiños que, sumados a las sutiles pinceladas sobre un vuelo espacial perdido, ya harán la delicia de cualquier fan de la saga original, estamos ante un blockbuster alejado de lo habitual. Exceptuando el tramo final en el que la acción y los efectos digitales se desatan, el resto de la película se basa en una acertada construcción de personajes y argumento que dan coherencia a todo lo que vemos. Una película sólida que tiene en cuenta lo más importante: narrar bien una historia.

Lluís Alba

Green lantern

2011-08-04T19:44:00.003+02:00

La proliferación de personajes Marvel en el cine ha hecho despertar a los gerifaltes de DC para sacar provecho de su, también, rico universo de papel. Hace un par de décadas, la guerra en las librerías parecía ganada por Marvel, pero nadie hubiese dado un duro (recordad que hace un par de décadas todavía teníamos la peseta) por que Marvel le pasara la mano por la cara a DC también en el cine. Con la poderosa Warner a sus espaldas, era algo que no podían permitirse y, tras los éxitos cosechados por el relanzamiento de Batman y con la perspectiva futura del nuevo Superman de Zack Snyder, le toca el turno a Green lantern.

Para ello se decidió apostar fuerte y realizar una inversión de 200 millones de dólares de presupuesto, que parece haberse destinado en su mayor totalidad a la creación de efectos digitales. Pues si algo diferencia esta película del resto de adaptaciones superheroicas es la constante apariencia de película de animación por la que se pasean actores de carne y hueso. Nada que objetar, para representar fielmente el mundo de los Green lantern corps, parece esta la mejor opción. Ningún fan de los cómics podrá vociferar la recurrente queja de cambios de aspecto físico y uniformes, pues los personajes creados o retocados por ordenador son una copia calcada de los variopintos extraterrestres que aparecen en las páginas de Green lantern. Incluido el antifaz de Hal Jordan, elemento aprovechado para crear el gag más ingenioso de la película.

El mayor problema, más allá de lo económico, han sido las prisas por querer contar demasiadas cosas en un solo film. La buena narración de una historia queda relegada ante la inclusión del mayor número de elementos posibles en 114 minutos. Constantes idas y venidas de Hal Jordan entre La Tierra y Oa (planeta de los Guardianes del Universo, creadores del cuerpo de Green lanterns) hacen imposible desarrollar ninguna de las dos facetas del superhéroe. La historia de su padre y la relación familiar cuenta con un par de pinceladas que apenas guardan relación con el resto del film. El entreno y relación con el resto de Green lanterns es tan fugaz que anula cualquier grado de implicación emocional con ellos.

Parecía más indicado narrar en dos películas lo que se ha querido contar en una. Pero, Green lantern no tiene la fama mundial de Superman, Batman o, incluso, Flash. No se podía permitir la ausencia de aventuras espaciales que justificaran lo invertido en su presupuesto. En ocasiones como esta, es cuando hace falta aplicar el lema de los minimalistas: menos es más. Y no tiene porque ser aburrido.

Lluís Alba

La víctima perfecta

2011-07-28T21:08:00.001+02:00

El debutante Antti Jokinen da el salto al cine desde la experiencia que otorga la dirección de videoclips y capítulos de series de televisión. Y lo hace metido en la nueva etapa de la mítica productora Hammer que tan buenos recuerdos trae a los amantes del terror.

Desgraciadamente nos ofrece una película tópica de lo más vulgar. Cuesta creer que este guión haya pasado el filtro de cualquier producción media y todavía más en una película que cuenta con cierta repercusión internacional, la participación de Hilary Swank y el cameo de Christopher Lee (personaje metido con calzador, apuesto a que no existía en el guión original) para rememorar el retorno de la Hammer.

Sólo la dirección de fotografía de Guillermo Navarro y una pequeña acrobacia narrativa en el primer tercio del metraje son dignos de recordar. Los siguientes dos tercios del guión parecen escritos por el piloto automático de algún programa informático sin alma artística.

Lluís Alba

Paul

2011-07-28T20:42:00.003+02:00

La pareja formada por Simon Pegg y Nick Frost, están en las listas de seguimiento de cualquier aficionado al cine de género y a los cómics. Aquellos a los que ahora se denomina indiscriminadamente como "frikis".

Desde la serie de culto Spaced, formaban un trío inseparable con el director Edgar Wright. Mientras que este demostró su gran capacidad en solitario con la adaptación del cómic Scott Pilgrim contra el mundo (Scott Pilgrim vs. the World, 2010), ahora toca el turno de la pareja de guionistas y actores sin su habitual director.

Simon Pegg ya tuvo un tímido primer intento aliándose con uno de los actores de Friends, David Schwimmer, en labores de director de la película Corredor de fondo (Run fatboy run, 2007), sin llegar al éxito de sus comedias precedentes. Esta vez ha buscado un profesional más curtido, el director del éxito de la "nueva comedia americana" Supersalidos (Superbad, 2007) y de la excelentemente denostada Adventureland (ídem, 2009).

Greg Mottola conduce esta road-movie de dos británicos por tierras americanas. americana. Por ello no es de extrañar que el guión esté lleno de tópicos sobre los yankees. Igual que Woody Allen rueda sus películas europeas desde el punto de vista del turista neoyorkino, Pegg y Frost ofrecen la visión (formada a través del cine popular) que el europeo medio tiene de los norteamericanos: Abunda la mofa de policías pueblerinos amantes de las armas, homófobos de bares de carretera y negacionistas ultracatólicos.

Pero la verdadera particularidad de la película es cuando busca gustar a su público. Una muestra ininterrumpida de escenas y chistes sólo para "frikis". Visita a la Comic-con de San Diego, camisetas de comics, referencias a películas de ciencia-ficción etc... Por momentos evoca a las primeras películas de Kevin Smith.

Los que amamos la subcultura, andamos palideciendo todo el día delante de alguna pantalla (monitor del ordenador, televisor o pantalla de cine), nos encontraremos en nuestra salsa siguiendo el viaje de Nick Frost y Simon Pegg. Preguntándonos si no podríamos subir también en su caravana.

Lluís Alba

Harry Potter y las reliquias de la muerte -Parte 2-

2011-07-19T16:23:00.003+02:00

Para muchos (y cuando digo muchos, son millones) supone el fin de una era. Imagino, por encima de todo, a aquellos adolescentes que han vivido los libros y películas en una edad parecida a la de los protagonistas. Para estos fans en concreto, el final de Harry Potter significa un evento tan importante en sus vidas semejante o superior a la de cualquier acontecimiento en su familia.

Tal nivel de simbiosis con su público, permite decir que J.K. Rowling ha conseguido pasar a la historia para ser un referente en la literatura juvenil. Un público ampliado (todavía más) gracias a las adaptaciones cinematográficas. Que, vistas con frialdad, no son más que un complemento de los libros y que, como productos independientes, no tienen la entidad necesaria para haber creado tal fenómeno. Para el aficionado inquieto siempre quedará una (re)lectura de los libros, información genealógica en diferentes "wiki" sitios, y la espera del Pottermore que, inteligentemente, J.K. Rowling ha montado ahora para seguir alimentando la llama.

Sobre la película en concreto, poco más que añadir a lo dicho de las recientes adaptaciones dirigidas por Peter Yates. Es una lástima que las últimas cuatro películas hayan dado un bajón con respecto a las predecesoras dirigidas por Chris Columbus (dentro de lo que cabe, tenía el bagaje de los guiones de Los Goonies y de Gremlins), Alfonso Cuarón y Mike Newell.

Peter Yates ha sido el director títere para que la franquicia se terminara a tiempo sin causar mayores problemas. La separación en dos películas de la adaptación del último libro a supuesto un alivio al desaguisado vivido por sus anteriores películas, que deberían haberse presentado de la misma forma. Personajes que aparecen y desaparecen sin mayor explicación, ausencia de pasajes determinantes. Han dejado sin sentido gran parte de las películas.

El doble metraje que ha supuesto la adaptación del libro, ha permitido que se vislumbre parcialmente la doble lectura que enriquece la obra original de J.K. Rowling. Mientras que en la primera parte de Harry Potter y las reliquias de la muerte, el argumento era más pausado y melancólico, la segunda mitad se convierte en la película más dinámica y con más acción de toda la saga. Pero, negativamente, vuelve a carecer de la emoción suficiente que necesitarían escenas clave. Ejemplos claros son la omisión de la muerte de algunos personajes importantes o el frío final previo al epílogo.

Como he dicho antes, sólo queda la esperanza de gozar de una nueva lectura más intensa, con las ediciones domésticas de las películas a mano. Y, quién sabe si, cualquier día, J.K. Rowling se ve en la necesidad de escribir 7 novelas más como apunta su epílogo (cuya filmación debió hacerse el día que la maquilladora se fue de vacaciones) o 7 precuelas... o Warner decide emular a Sony con su Spiderman y rueda 7 reboots.

Lluís Alba

Convención en Cedar Rapids

2011-07-14T22:00:00.003+02:00

Miguel Arteta, director del interesante drama intimista The good girl (ídem, 2002), en el que se relataba la desidia de una mujer atractiva (Jennifer Aniston) abocada a un matrimonio con un marido desdeñado y grosero (John C. Reilly). Su única vía de escape era un affaire con un chico joven (Jake Gyllenhaal). Los personajes de The good girl tenían una vida reprimida en su interior y muchas ganas de convertirla en ralidad.

Convención en Cedar Rapids, la tercera película de Arteta (tras la inédita en España Youth in revolt), también se llena con personajes que esconden una doble faceta. Los más veteranos aprovechan la convención anual en Cedar Rapids como válvula de escape ante tanta represión. Mientras que el novato Tim Lippe, llega sin tan siquiera saber que necesita exteriorizar su personalidad oculta.

A diferencia de The good girl, la película se lee desde el prisma de la "nueva comedia americana", pero con la implicación en la producción de Alexander Payne (Entre copas) y su habitual guionista Jim Taylor. Cuyo cine tiene bastantes puntos en común con Miguel Arteta.

Por ello no es de extrañar que Tim Lippe, tome prestado el rostro de Ed Helms, una de las estrellas de Resacón en Las Vegas (The hangover, 2009) de Todd Phillips. Actor cómico que parece encasillado en repetir el mismo personaje en todas las películas en las que participa.

Tim Lippe llega a Cedar Rapids como un treintañero post-adolescente (puro retrato de la juventud inmadura actual), que vive una idílica relación con su antigua maestra de instituto (Sigourney Weaver), mientras que esta solo ve en él la posibilidad de un polvo semanal tras su reciente divorcio. El paso de Tim Lippe por Cedar Rapids supondrá un viaje iniciático hacia su nueva personalidad, sacará el demonio interior (igual que su personaje de Resacón en Las Vegas), se desmadrará y tendrá, por primera vez, personalidad propia.

El tono general de comedia es más contenido que en otras películas contemporáneas, el humor grosero existe, pero es más sutil. Sin embargo, estas pequeñas diferencias, no ocultan durante todo el metraje la sospecha de estar viendo la misma película por enésima vez.

Lluís Alba

Beginners (Principiantes)

2011-07-14T21:50:00.002+02:00

Segunda película de Mike Mills, con el lujo que supone poder contar con caras conocidas que siempre ayudan en la taquilla. A Ewan McGregor (Trainspotting) se le suma la veteranía de Christopher Plummer (Sonrisas y lágrimas) y la hipnótica belleza de Mélanie Laurent (Malditos bastardos).

La estructura narrativa alterna al alimón tres etapas importantes en la vida de Oliver. 1) La infancia que pasó más cercana a su madre. 2) Cuando su padre sale del armario a los 75 años y se le diagnostica cáncer. 3) Tras la muerte de este y el inicio de su relación con Anna.

Malabarismos temporales a parte, lo importante de esta película intimista es que toca bien (y no es fácil) todos los temas que desea tratar. Desde las relaciones de pareja (con alusión al maestro Ingmar Bergman a través de un libro sobre Liv Ullmann), la muerte, la homosexualidad, las relaciones paterno-filiales etc... Personajes bien dibujados (humanos y animales) y matizando convenientemente su estado psicológico según le afecte más o menos directamente cada situación.

Lluís Alba

Caballeros, princesas y otras bestias

2011-07-07T20:58:00.002+02:00

Hace más de 10 años, David Gordon Green conoció a Danny McBride en la Universidad de arte de Carolina del Norte. Durante su estancia, además de aprender su profesión como cineastas, pasaron noches encerrados en alguna pequeña habitación, viendo películas en VHS mientras fumaban porros. Entre las extravagantes ideas que se les ocurrió en su época estudiantil, surgió la idea de realizar una comedia en la que unos caballeros medievales fumaran marihuana.

Poco después David Gordon Green, dirigió su primera película All the real girls (2003), en la que Danny McBride debutó como actor en un papel secundario. Una tragicomedia romántica, al más puro estilo del cine independiente estadounidense que consiguió llamar la atención del nuevo director emergente. Sus carreras tomaron diferentes caminos (pero no su amistad). Mientras Danny McBride comenzó a triunfar como actor en comedias, David Gordon Green iba lanzado hacia el prestigio que otorga rodar dramas de calidad.

Hasta que llegó un giro inesperado en la carrera del director. Para crítica y público, David Gordon Green estaba encasillado en el drama, pero él jamás pensó en dedicarse al cine para pasar por un solo género. Superfumados (Pineapple Express, 2008) supuso su primera comedia, dejando satisfechos a todos aquellos preocupados por seguir sus películas. Volvió a colaborar con Danny McBride, mientras seguían recordando sus tiempos universitarios. Juntos siguieron trabajando en la serie cómica De culo y cuesta abajo (Eastbound & down) de la HBO, emitida en España por Canal +.

Juntos de nuevo, se incrementó la nostalgia por los tiempos de universidad, aquellas habitaciones ahumadas, aquellos braimstormings bajo los efectos de las drogas. ¿Por qué no reemprender aquella idea de una comedia adolescente ambientada en la edad media? Con el reciente éxito de Superfumados, Universal no dudó en dar carta blanca al proyecto. No tardaron a unirse amigos y demás intérpretes de prestigio como James Franco, Natalie Portman, Toby Jones o Zooey Deschanel. Para aprovechar el tirón de su éxito (al menos en EEUU), Danny McBride se reservó el personaje principal de la película, además de dedicarse a escribir el guión.

A pesar de que Caballeros, princesas y otras bestias sea una película totalmente fallida, se puede intuir que, detrás del desaguisado, hay un buen cineasta. Está bien estructurada, las presuntas aventuras son dinámicas y, dentro del humor escatológico, se vislumbra un argumento coherente. Los homenajes a distintas películas de género, no caen en la estúpida caricatura de los Scary movies de turno. Hay referencias a títulos míticos como Mad Max, más allá de la cúpula del trueno (Mad Max beyond thunderdome, 1985) de George Miller y George Ogilvie, Furia de Titanes (Clash of the titans, 1981) de Desmond Davis o Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland, 1951) de Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske.

Probablemente ya sea mayor para estar receptivo a un reiterativo humor sobre drogas y onanismo. Pero tampoco escuché grandes carcajadas del público adolescente que ocupaba la sala.

Lluís Alba

Transfomers: el lado oscuro de la luna

2011-06-30T16:40:00.003+02:00

Michael Bay completa su trilogía de los famosos juguetes. Todo un éxito comercial aprovechando al máximo la unión de varias generaciones, desde los treintañeros que nos arrastramos solicitando un billete de vuelta a los 80 hasta los jóvenes actuales ensimismados por el poder del CGI y las 3D.

A pesar de los reparos que cualquier cinéfilo pueda tener ante Michael Bay, hay que reconocer que es un profesional que se toma en serio su trabajo. Después puede gustarte o no. Pero hay una coherencia en la trilogía que demuestra que él lo tiene claro. La tercera entrega de Transformers aporta más de lo mismo: efectos digitales espectaculares, movimientos confusos de cámara, exaltación del ejército yankee, de su tecnología, de las bondades del pueblo norteamericano etc... De no ser por el poderoso lobby judío, Megan Fox hubiese continuado. Pero Michael Bay no tiene problemas en sustituirla por una modelo sin experiencia en la interpretación, todo un mensaje que define lo único que le interesa en la comparsa femenina de la función.

No todo el holgado presupuesto que maneja Bay es destinado a los efectos digitales. Al menos tiene el detalle de contribuir en las poderosas cuentas corrientes de ilustres intérpretes. Al habitual John Turturro, se le unen John Malkovich y Frances McDormand. Solo faltan George Clooney y Jeff Bridges y esto podría pasar por una peli de los Coen.

En cuanto a las aportaciones nostálgicas, añade nuevos personajes del imaginario robot. Shockwave y Sentinel Prime. Del segundo apenas puedo escribiros, pero el primero se trata de uno de los juguetes míticos de la infancia de cualquier niño que vivió los 80. De aquel juguete que si no se tuvo, se quiso tener. Del robot que mataba a todos los Transformers en una portada de los cómics Marvel. De aquellos míticos primeros números en los que Spiderman se paseaba entre Bumblebee y compañía.

Para añadir algún grado más de nostalgia, parece que el cine mainstream le esté cogiendo el gusto a la utilización de la historia para adaptarla a sus guiones. Como ya sucedió en la reciente X-Men: primera generación (X-Men: First class, 2011) de Matthew Vaughn, se narran los hechos históricos de los 60 desde un nuevo punto de vista que involucra directamente a los Transformers.

Esta aportación histórica es el único atisbo de innovación en una saga que, guste o no, deberá ser la imagen que ilustre durante muchos años la definición de blockbuster.

Lluís Alba

Sólo una noche

2011-06-22T23:50:00.004+02:00

Massy Tadjedin debuta en la dirección con Sólo una noche. Su anterior película como guionista, The jacket (ídem, 2005) de John Maybury pasó injustamente desapercibida. Pero estas dos películas que han llegado por los cauces ordinarios a España, nos da a conocer una (pequeña) trayectoria que merece la pena seguir.

La película narra en paralelo la noche que pasan por separado los componentes de un joven matrimonio. Previamente se nos escenifica una pequeña crisis para que situarnos en el momento que vive la pareja. Él (Sam Worthington) pasará una noche junto a una tentadora compañera de trabajo (Eva Mendes), mientras que ella (Keira Knightley) se reencontrará con un ex-novio (Guillaume Canet) por el que todavía siente algo.

Tadjedin crea una obra intimista donde tan importante son los diálogos, como las miradas y gestos. Donde los personajes se pasean por un escenario minimalista, más propio de un catálogo de moda. El mismo en el que, las personas aburguesadas similares a los personajes del film, se sienten cómodas para realizar sus compras.

En ningún momento se opta por juzgar a las personas, si no que todas sus reacciones son mostradas con pura objetividad. Tadjedin no pretende darnos ninguna lección de moralidad y eso se agradece viniendo de un film norteamericano, aunque protagonizado por actores foráneos.

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Lluís Alba

Un cuento chino

2011-06-22T23:41:00.004+02:00

Esta es la primera película del director argentino Sebastián Borensztein que llega a España. Parece evidente que la presencia de la estrella argentina Ricardo Darín, ha sido la parte determinante para que Un cuento chino llegue a las salas españolas.

El film cuenta con un argumento original, aunque lleno de clichés. No es difícil ver una mezcla de diversas películas como Mejor... imposible (As good as it gets, 1997) de James L. Brooks, Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2001) de Jean-Pierre Jeunet o las diversas buddy movies que se popularizaron en los 80.

Vemos el extraño encuentro entre un ferretero amargado antisocial y un chino recién llegado a Argentina que no tiene ni idea de español. Para amenizar la película, transita por ella una joven alegre, enamorada del gruñón protagonista (toma cliché) que, al menos sirve para descubrirnos a la voluptuosa actriz Muriel Santa Ana (para entendernos, una Clara Segura a la argentina).

Toda esta amalgama forma una película simpática y fácil de digerir. No pasará a los anales de la historia del cine, pero tampoco hace falta cenar cada semana en El Bulli.

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Lluís Alba

Micmacs

2011-06-22T23:14:00.004+02:00

El binomio formado por Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro destacó en su primera (prácticamente) oportunidad con Delicatessen (ídem, 1991). Su estilo visual barroco dotado de ritmo sorprendió a crítica, público y cosechó diferentes premios europeos. Entre los cinéfilos corrió como la espuma que estábamos ante una obra nunca vista en la anterioridad, convirtiéndose rápidamente en obra de culto. En mis tiempos de adolescencia en que estos títulos corrían de copia en copia de VHS, con una calidad más lejana de las actuales descargas de internet (por si alguien piensa que la "piratería" comenzó con el ADSL).

Ambos directores repitieron, con similar estilo en La ciudad de los niños perdidos (Le cité des enfants perdus, 1995). Hasta que, Jeunet decidió dar el salto en solitario. Tentado por los dólares de Hollywood se marchó a hacer las Américas para dirigir Alien resurrección (Alien: Resurrection, 1997) que no tuvo el éxito deseado, incluso llegando a acabar momentáneamente con una franquicia lucrativa. De regreso a su Francia natal, tuvo un éxito inesperadamente desmesurado. Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2001) se convirtió en una de las películas más taquilleras de Francia y en fenómeno global. Catapultando a la, hasta entonces, desconocida actriz Audrey Tautou en estrella mundial. Poco después volvió a unirse con Tautou en una fábula similar, ambientada en la I guerra mundial: Largo domingo de noviazgo (Un long dimanche de fiançailles, 2004).

Pero la fórmula del éxito no es matemática pura. Jeunet se la jugó a lo grande con Micmacs. Al enorme presupuesto se le unió la participación protagonista de la estrella gala Dany Boon, en pleno éxito tras el estreno de Bienvenidos al norte (Bienvenue chez les Ch'tis, 2008). Pero de los 27 millones de euros gastados solo consiguió recaudar unos 10 millones en la taquilla global. Este último dato es la razón fundamental para que una película del director de Amelie llegue con dos años de retraso a España.

Probablemente, de no contar con este lastre económico, nadie hubiese tildado de fracaso la última película de Jeunet. Micmacs tiene preferencia por lo absurdo, algo que jamás ha sido del agrado de la taquilla. El argumento parece más próximo a comedias minoritarias como Louise-Michel (ídem, 2008) de Gustave de Kervern y Benoît Delépine. Incluso, formalmente, parece más cercano al cine de Javier Fesser, dando así un giro donde el maestro es quien copia al alumno.

La comedia absurda de Micmacs intenta generar cierta crítica social. Pero cualquier genialidad que se le pueda otorgar a la película no está presente en la crítica superficial e ingenua sobre los traficantes de armas. Aunque el estilo de la película, más cercano al slapstick y a los cartoons, no da pie a pensar que Jeunet buscaba algo más profundo en sus argumentaciones.

Micmacs es una obra tan hipnótica visualmente como vacía en su interior. Puro disfrute para los ojos amantes de la estética de Jeunet.

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Lluís Alba

Hanna

2011-06-16T14:18:00.004+02:00

La trayectoria de Joe Wright como director ha dado un giro con Hanna. Si algo ha conseguido la decepcionante acogida a nivel de público y premios de El solista (The soloist, 2009), es que el director británico se de un respiro en la búsqueda de un Oscar que nunca ha estado cerca de conseguir.

Hanna no es un film para contentar a nadie, más bien parece una búsqueda artística de lo que puede deparar el futuro del director británico. Pues Hanna es desconcertante. Mezcla de thriller de acción, fábula de cuento y metáfora de la pérdida de la infancia.

La amalgama de géneros, estilos y sensaciones convierten al espectador en un ser tan ajeno a la película como la joven Hanna enfrentada al mundo real. Lo poco convencional de la propuesta la convierte en difícil de digerir. Pero está llena de elementos objetivos que logran una película destacable. Como pueden ser una fotografía y música excelentes, personajes extravagantes, intérpretes de solvencia contrastada y escenas memorables (como varios planos-secuencia).

Más allá del cinéfago empedernido, es una película de difícil aceptación. Pues si la desnudamos de todo lo bueno que la adorna, nos queda un cuerpo tan delgado como el de Saoirse Ronan: un argumento manido y simple lleno de tópicos sonrojantes como la España del toro de Osborne y la fiesta gitana.

Lluís Alba

X-Men: Primera generación

2011-06-09T21:33:00.003+02:00

La fuga de Singer en medio del proceso de producción de X-Men: La decisión final (X-Men: The last stand, 2006) tuvo dos consecuencias graves que han tenido que ser corregidas con el tiempo: el bajón de calidad en la tercera entrega de la saga de los mutantes y una película fallida sobre Superman. En 2012, y de la mano de Zack Snyder, el hombre de acero verá un enésimo relanzamiento. Mientras que X-Men ha necesitado una precuela en la que Bryan Singer se ha visto obligado a tomar las riendas. Solo la falta de tiempo ha hecho que no dirija el proyecto pero, en cambio participó en el argumento y fue decisivo en la fase de producción.

A sabiendas que no podía ocuparse directamente del proyecto, Singer, al menos tuvo la sabia decisión de dejar la dirección en alguien que no fuera un mero comparsa como Brett Ratner. El escogido, Matthew Vaughn, ya demostró su talento con otras adaptaciones de cómics: Stardust (ídem, 2007) y Kick-Ass: listo para machacar (Kick-Ass, 2010).

X-Men: primera generación, se sitúa en los años 60. No es un decisión baladí. Es la década en la que nació la editorial Marvel. La ambientación argumental de la época es aprovechada en todos los aspectos. Visualmente recuerda mucho a las películas de James Bond de Connery, donde podemos asegurar que Michael Fassbender podría ser un perfecto sustituto de Daniel Craig como agente 007. El argumento aprovecha hechos históricos para llevarlos a su terreno de ficción, la crisis de los misiles de Cuba encaja perfectamente con los planes de Sebastian Shaw (Kevin Bacon). Se aprovecha para ofrecer ciertos guiños nostálgicos, como la presencia del Rat Pack de Sinatra o el diseño sesentero de los créditos finales. Y, como no podía ser de otra manera, encontramos el homenaje propio, el homenaje a los cómics Marvel de los 60, tanto los uniformes amarillos, como algún rasgo del argumento del primer número de Uncanny X-Men, están presentes en la película.

La afluencia de tantos personajes obliga a que algunos no se desarrollen en su totalidad. Pero el regreso de Singer, evidencia su influencia en el desarrollo de los personajes centrales, volviendo a la analogía entre los homosexuales y los mutantes. Pues gran parte de la película se centra en el conflicto de la elección entre mostrarse públicamente como mutantes o simular ser humanos como los demás.

Como una compleja maquinaria de engranaje, la película sabe combinar todos sus distintos atributos. Consiguiendo varias capas argumentales que permiten disfrutar tanto a los que buscan una mera película de acción como a los que desean ver algo más.

Lluís Alba

¡Qué dilema!

2011-06-02T20:01:00.003+02:00

Como decían en un capítulo de Los Simpsons, Ron Howard abandonó la interpretación para iniciar su carrera como director porque no era guapo. Tan trivial como la idea del chiste resulta su paso por las películas que dirige. Una película de Ron Howard puede ser mala, regular o buena, sin que su presencia destaque para mejorar o empeorar el producto.

En ¡Qué dilema!, Ron Howard vuelve a atacar la comedia. Un género que no tocaba desde hace más dos décadas con ¡Dulce hogar... a veces! (Parenthood, 1989). Para ello cuenta con Vince Vaughn, Kevin James (un exitoso cómico en EEUU que en España hemos podido ver en algunas comedias sin mayor gloria), Winona Ryder y Jennifer Connelly. Esta última siempre agradecida a Howard por propiciarle la posibilidad de conseguir un Oscar por Una mente maravillosa (A beautiful mind, 2002).

Así tenemos: un director que no molesta, unos actores famosos y competentes... Debería salir una peli decente... si no fuera por un guión tan poco trabajado, absurdo (en el sentido peyorativo del término) e incoherente. Una comedia que no tiene gracia, una parte dramática que resulta graciosa, unos personajes odiosos por el menosprecio del guión y, una serie de situaciones incoherentes, que se van aglutinando hasta llegar a la duración estándar de una película.

Si el argumento principal anodino no parece suficiente, se añade una subtrama coprotagonizada por Queen Latifah, que nada tiene envidiar al desatino del resto.

Lluís Alba

Piratas del Caribe: En mareas misteriosas

2011-05-26T13:58:00.002+02:00

Rob Marshall tuvo la fortuna de debutar en el cine (tras su paso por distintos telefilms) con Chicago (ídem, 2002). Un musical, cuyo éxito sobrepasó al director. Incluso llegando a ganar el Oscar a la mejor película, en una de esas incomprensibles decisiones de la Academia que, tras darle la estatuilla al guión y director de El pianista (The pianist, 2002), no hicieron lo mismo con la película de Polanski.

El prestigio de Marshall creció desmesuradamente, hasta demostrar con Nine (ídem, 2009), que todavía está lejos de ser algo más que un director de estudio competente. Así, parece coherente que su camino se haya cruzado con el relanzamiento de una saga mainstream que parecía finalizada con una trilogía que cerraba el relato.

Tras las acusaciones de un guión poco elaborado en las secuelas de Piratas del Caribe, la maldición de la perla negra (Pirates of the Caribbean: The curse of the Black Pearl, 2003) se decidió tomar como fuente una novela de piratas: En costas extrañas (On stranger tides) de Tim Powers, publicada en 1987. Desconozco la novela, pero la fama que le precede, me hace pensar que poco más allá de la inspiración del argumento es lo que ha acabado traspasando a la gran pantalla.

La cuarta entrega de Piratas del Caribe, no se entretiene en escenas aleatorias excesivamente alargadas como ocurría en su predecesora, pero eso no significa que el guión esté mejor elaborado. La crisis hace mella y, apenas contamos con los asombrosos efectos digitales de la trilogía original, dotándola de un aspecto pobre más propio de un telefilm. El personaje de Penélope Cruz, metido con calzador, no acaba de tener química alguna con Johnny Depp. Quién nos iba a decir que tan importante era Jack Sparrow como Will Turner y Elizabeth Swann. Un triángulo amoroso al que acabamos echando de menos en esta película.

Lluís Alba

Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos

2011-05-26T13:35:00.002+02:00

Habituados a los remakes norteamericanos de películas de todo el mundo, lo extraño es encontrarnos un remake chino de una película estadounidense. Este es el curioso caso de Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos.

Zhang Yimou, reputado director chino, se dio a conocer cuando su primera película, Sorgo rojo (Hong gao liang, 1988), ganó el Oso de Oro en Berlín. Sus últimas películas se han caracterizado por un estilo visual propio coreográfico otorgándoles un sello particular. Una combinación de artes marciales, historia y leyenda en las que se reconocen una estética unitaria como son: Hero (Ying xiong, 2002), La casa de las dagas voladoras (Shi mian mai fu, 2004) y La maldición de la flor dorada (Man cheng jin dai huang jin jia, 2006). Parecen películas poco relacionadas con el universo de los hermanos Coen y, menos aún, con su primera obra, Sangre fácil (Blood simple, 1984). Puro cine negro, sin demasiada comicidad, aunque no exento de una ironía clave en el relato.

La versión de Yimou comienza con un humor grotesco autóctono, filtrado por la estética de ópera china clásica para irse decantando poco a poco hacia el tono de suspense de la película original. En ningún momento está claro el sentido propio del film, que funciona más como curiosidad comparativa con la película original que como producto independiente.

La comicidad de la película es una intención declarada desde que Yimou opta por el actor Xiao Shen-Yang, un conocido cómico de la televisión china, para protagonizarla. Este actor, imitador y cantante fue discípulo de otro popular cómico chino, Zhao Benshan, quien tiene un cameo en el inicio humorístico del film.

Lluís Alba

Tournée

2011-05-19T17:36:00.004+02:00

Mathieu Amalric, ganó el premio a la mejor dirección de Cannes con esta película. Habitual actor fetiche del cine de autor francés, también se pasea sin tapujos por grandes producciones norteamericanas como Munich (ídem, 2005) de Steven Spielberg o 007: Quantum of solace (ídem, 2008) de Marc Forster. Ahora parece que su carrera como director puede tomar un impulso definitivo.

Interesado en rodar una película que mostrara lo que ocurre entre bambalinas de un espectáculo de Music-Hall, Amalric se topó con un artículo que hablaba sobre una actuación en Zèbre, un cabaret parisino. Ahí vio las imágenes de las que, finalmente, acabaron por protagonizar su película. Fotos de vedettes con distintos tipos de físico, no necesariamente dentro del canon actual de belleza, pero igualmente sensuales.

A partir de esa idea, crea dos películas en una. La que habla del productor televisivo (interpretado por el propio Amalric) que tuvo que abandonar su Francia natal para triunfar en un espectáculo New Burlesque en los EEUU, y regresa a su país con la excusa de una gira que debiera acabar en París. El espectáculo caótico, libre, divertido y provocativo que forman las chicas, tanto en el escenario como en los hoteles, se alterna con el reencuentro del pasado del productor francés. Enfrentarse con antiguos compañeros de profesión, sus hijos y alguna que otra amante, le hará descubrir amargamente que volver a Francia no es lo mismo que viajar atrás en el tiempo.

Lluís Alba

Sin identidad

2011-05-19T17:28:00.002+02:00

En la época dorada de Hollywood había una serie de directores llamados artesanos. No eran considerados autores, pero ejercían su labor con profesionalidad, creando obras de gran calidad. En las últimas décadas, los directores afincados en Hollywood que podrían entrar en la categoría de artesanos, no parecen tener la calidad distintiva necesaria para compararlos con sus predecesores. Aunque siempre hay excepciones, y parece que Jaume Collet-Serra, barcelonés afincado en Hollywood, sea uno de los directores que vuelve a elevar la categoría del denominado artesano.

A veces sólo son matices, como saber elegir un plano, un movimiento o una mirada de un actor. O poder contar con actores de la talla de Liam Neeson o los veteranos Bruno Ganz y Frank Langella. Serían películas distintas de haber escogido a cualquier actor de acción para protagonizarla, o no acertar en la contratación de actores secundarios, pero tan definitorios para expresar lo que se desea.

El esquema básico de la película, no deja de ser el habitual de muchas películas recientes, con su giro final que replantea todo lo visto hasta entonces. Pero en manos de Collet-Serra, se define poco a poco lo que nos depara el final, sin llegar a ser tan evidente como para vaticinarlo, pero suficiente para que, una vez sucede el cambio, no nos parezca tan inverosímil como a lo que estamos habituados.

Lluís Alba

Midnight in Paris

2011-05-19T17:15:00.002+02:00

Esta vez sí. Esta vez vuelve a tocar un Woody Allen brillante. Desde que sus películas comenzaron a oscilar desde obras maestras a simplemente buenas, cada año temo por ver que me encontraré. No espero volver a ver al Woody Allen en su punto álgido de creatividad, pero sí a ver películas como Midnight in Paris.

Se entiende perfectamente la rapidez con la que se ha estrenado, la misma semana de su presentación en Cannes. Pues toda la promoción, tráiler incluido, se reserva comentar explícitamente la sorpresa principal del argumento.

Woody Allen rinde homenaje al París que fue centro cultural del mundo hasta que Nueva York, su ciudad natal, la desbancó. Se nota que, a pesar del compromiso publicitario con la ciudad de París, Allen también se siente emocionado por poder narrar parte de su historia artística. Consigue introducir el tema nostálgico por el pasado y por un mundo ficticio, de un modo similar a La rosa púrpura del Cairo (The purple rose of Cairo, 1985), mezclándolo a la perfección con su habitual análisis de las relaciones sentimentales. Siempre abiertas al cambio, y muy poco estables.

Owen Wilson ejerce del personaje habitual que hubiese interpretado el propio Allen unos años atrás. Pero lo hace de forma natural, sin caer en la imitación como ocurrió en las películas de Allen protagonizadas por Kenneth Brannagh (Celebrity, ídem, 1998) o Jason Biggs (Todo lo demás, Anything else, 2003). Mientras el elenco de secundarios sigue reuniendo a estrellas famosas que rebajan sus ingresos para aparecer en las películas de un director único.

Lluís Alba

El último exorcismo

2011-05-05T20:28:00.004+02:00

La ficción basa su poder en sugestionar al posible receptor de tal manera que, consciente o no, sienta empatía con lo narrado. Los más de 100 años de historia del cine y una cultura visual imperante, dificultan engatusar al espectador para que crea en la posibilidad de que lo mostrado en pantalla sea real. Conseguir que la ficción pase por realidad es un logro tan difícil como estimulante. Más si nos centramos en el género de terror, donde la sugestión del miedo se ve directamente proporcionada por la capacidad de realismo del relato. Para conseguir ese logro, vemos como se ha iniciado, en la última década, una recreación para simular el documental de las películas de terror: El proyecto de la bruja de Blair (The blair witch project, 1999) de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, [REC] (ídem, 2007) de Jaume Balagueró y Paco Plaza, Paranormal activity (ídem, 2007) de Oren Peli y, ahora, El último exorcismo.

Al igual que [REC], esta película comienza como si se tratase de un documental que sigue a un predicador en un acto cuotidiano de su trabajo como exorcista. Pretende demostrar la falsedad de las posesiones demoníacas. Nos enseña como, mediante trucos de magia y, la sugestión de sus palabras, puede llegar a engañar a quién desee. Enfatizando en todo su prólogo que puede hacer pasar por real cualquier discurso, siempre que el espectador desee ser engañado. Por lo que se genera un juego de paralelismos en la película que va desde el espectador consciente de ver una ficción, presentada como si fuera real, hasta los personajes de la película que creen en la posesión demoníaca y los personajes que no creen en el diablo pero se ven envueltos en una historia que podría ser real.

La interesante idea de jugar a dos bandas basada en la autenticidad de la posesión demoníaca, acaba diluyéndose en un final demasiado convencional. Incluso demasiado abierto para la posibilidad de generar una secuela que, de momento, no parece real aunque cualquier día lo podría ser.

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Lluís Alba

Thor

2011-05-05T20:11:00.004+02:00

¿Existiría esta película de no haber un proyecto para realizar Los Vengadores? No lo sé, pero seguro que no se hubiese hecho de esta manera.

A Thor le falta la entidad suficiente para poder analizarla como película indivdual. Tiene momentos mejores, como todo lo que ocurre en Asgard, en los que se plasman perfectamente las viñetas del cómic, con un Thor usando su martillo como cualquier aficionado al superhéroe de Marvel deseaba ver. También construye bien al villano de la función, dotando de credibilidad la personalidad manipuladora de Loki. Así que, los dos personajes principales dan el pego suficiente para verlos aparecer en la película que reunirá a la mayoría de superhéroes Marvel que hemos visto en los últimos años en el cine.

Pero... cuando caen del mundo fantástico y se topan con la realidad de la Tierra, todo se supedita a ordenar los elementos de manera que Thor llegue a formar parte de Los Vengadores. Nada más parece demasiado importante, por lo que la sensación de estar viendo el capítulo piloto de una serie es la que queda al salir del cine.

No sé si, para satisfacer el apetito del aficionado marvelita serán suficientes los guiños que aparecen en la película: los cameos de Stan Lee o J. M. Straczynski, la presencia de El ojo de Agamotto del dr. Extraño, el cubo cósmico o la fugaz aparición de Ojo de halcón, una antesala más de lo que se nos ofrecerá el año próximo con la película de Los vengadores de Joss Whedon. Lo que sí espero es que tal supeditación al "supergrupo" haga que se note la personalidad del creador de Buffy la cazavampiros y no ocurra como en Thor, donde Kenneth Branagh pasa por aquí como un Brett Ratner cualquiera.

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Lluís Alba

El amor y otras cosas imposibles

2011-04-28T19:20:00.002+02:00

Había perdido la pista de Don Roos, o más bien no había tenido demasiado interés en seguirla. Mi condición de fan de Christina Ricci hizo que, casualmente, estuviera en el cine el día del estreno de Lo opuesto al sexo (The opposite of sex, 1998). Una peli independiente que cosechó buenas críticas, pero no tuvo una continuidad regular en el resto de su trayectoria.

De no ser por el reciente Oscar de Natalie Portman, posiblemente esta película no hubiese llegado a nuestras salas para pasar directamente al mercado doméstico o en televisión. Este último medio parece el más indicado para un melodrama típico de telefilm de la sobremesa de fin de semana. Tampoco creo que se la deba etiquetar así, por tener un sentido excesivamente peyorativo, pues se trata de una película más que correcta sobre como afectan los cambios de pareja en nuestra sociedad monoparental. Lo muestra desde todos los puntos de vista posibles: la amante, el marido, la cornuda, el hijo del anterior matrimonio... Incluso se ofrece un paralelismo con la situación similar por la que pasan los padres de Emilia, el personaje interpretado por Natalie Portman con el que engrandece la película.

Un tema interesante sobre el que reflexionar tratado con superficialidad y representado con demasiados estereotipos. Algo determinante que diferencia una peli ordinaria de las obras de maestros como Ingmar Bergman.

Don Roos vuelve a contar con la colaboración de Lisa Kudrow en un papel secundario importante, a quién me cuesta verla lejos de la surrealista personalidad de Phoebe y, hasta en un puro melodrama como este, sigo riéndome con ella.

El conjunto gustará a todos aquellos aficionados a la ponderación de temas dramáticos, a quién le guste ver vidas sufridas en pantalla. Un gusto tan respetable como el de los criticados aficionados del torture-porn.

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Lluís Alba

Scream 4

2011-04-20T20:30:00.001+02:00

No parece que nadie estuviera pidiendo a gritos (risas) el retorno de la saga Scream. Pero tampoco creo que moleste la "revisitación" de la trilogía 11 años después de su última entrega.

Scream nació como película slasher que, al mismo tiempo hablaba sobre el género que tanto se popularizó a finales de los 70 y 80. Una idea metafísica sobre la que Wes Craven ya había experimentado en La nueva Pesadilla (New nightmare, 1994). Por lo que el guión de Kevin Williamson parecía perfecto para unir ambos interesados.

¿Qué aporta la nueva entrega? Pues más de lo mismo, adaptado a los nuevos tiempos. Referencias a Facebook y Twitter, a las películas de la primera década del siglo XXI (terror japonés y la saga Saw), algo más de gore en sus escenas y un inicio ingenioso. También demuestra la importancia del guión de Williamson, pues la calidad de la película es mucho más cercana a las dos primeras entregas, que a la floja tercera parte donde él no participó.

Probablemente lo que más controversia creará es el final escogido. Tiene todos los visos de dividir a los seguidores entre conservadores y renovadores.

Lluís Alba

Código fuente

2011-04-20T20:07:00.001+02:00

Cuando Duncan Jones debutó en el cine con Moon, se apostillaba insistentemente que era el hijo de David Bowie. Su mayor conquista ha sido que, ahora, se refieran a él como el director de Moon.

El guión de un tal Ben Ripley (con un currículum poco destacable de TV movies y secuelas olvidables de Species) tiene ciertas similitudes con la historia de Moon, por lo que debió parecer lógico que Duncan Jones fuera elegido para tomar las riendas de Código fuente. Ambas tienen a un personaje principal como absoluto protagonista de una historia de ciencia-ficción, que descubrirá junto al espectador lo que está viviendo y será el único capaz de resolver su situación.

Pero el minimalismo de Moon deja paso a una película de mayor presupuesto con una premisa que mezcla Atrapado en el tiempo (Groundhog day, 1993) de Harold Ramis y la serie A través del tiempo* (Quantum leap, 1989-1993) de Donald P. Bellisario.

El resultado es una más que entretenida película, en la que el aparente argumento principal pasa a un segundo término cuando se centra más en las paradojas temporales, algo que los aficionados al género agradecerán por encima que cualquier atención a la trama inicial sobre un ataque terrorista sin demasiada miga.

Lluís Alba

*En Catalunya fue conocida como "El salt" en sus primeros pases y, posteriormente, como "El viatger del temps".

Inside job

2011-04-07T12:30:00.002+02:00

Como en su anterior documental, No end sight (2007), Charles Ferguson vuelve a relatar unos hechos de sobra conocidos por todos que, a pesar de ser reiterativos, siguen siendo necesarios.

Probablemente no sirva para cambiar la situación, pues se trata de un mal endémico propio de nuestra especie. El poder y la ambición hacen que todo valga, hasta pisotear al resto de personas, con tal de conseguir lo que se desea. En el documental se muestra como, los mismos que han provocado la crisis de manera consciente, han sido los mayores beneficiados. Y, además, siguen ocupando los mismos puestos de poder en el gobierno de EEUU. Todo sigue igual, e incluso mejor para ellos.

El tipo de propuesta se asemeja a las realizadas por Michael Moore. Ambos atacan al poderoso (disparan hacia arriba, como diría Monegal) y dejan en evidencia a sus invitados, incluso llegando a ridiculizarlos si es necesario. Por el contrario, Ferguson, se muestra menos egocéntrico, evita su imagen en pantalla y escoge a un actor profesional como Matt Damon para la narración en off.

El nivel de comprensión también es más alto, la cantidad de datos técnicos que aporta, dificulta que el espectador medio pueda comprender la totalidad del documental. Aunque, estratégicamente, las ideas se van aclarando, de manera que hacia el final todo se hace más inteligible para que, hasta los menos instruidos en materia económica, podamos salir con la sensación de haber sacado algo en claro.

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Lluís Alba

Mademoiselle Chambon

2011-03-31T17:08:00.004+02:00

Sandrine Kiberlain y Vincent Lindon, los intérpretes de la pareja de amantes que protagonizan Mademoiselle Chambon, están casados, aunque ya separados. Por si fuera poco, la encargada de prestar el rostro a la esposa de la película, Aure Atika, fue amante de Vincent Lindon durante su matrimonio.

Podría seguir relatando el currículum de las amantes de Lindon, entre las que destacan Chiara Mastroianni y Carolina de Mónaco, pero lo curioso es ver el cambio de roles que efectúan en esta película. La que fue su esposa, es su amante y viceversa. Evidenciando que no hay demasiado mal rollo entre el trío y que son unos grandes profesionales. O el director, Stéphane Brizé, es un cachondo.

Más allá que el físico de Aure Atika sea más propio del de la amante, como sucedió en la vida real, es cierto que el de Sandrine Kiberlain es el más apropiado para interpretar a la fina profesora que altera la vida mundana del rudo obrero de la construcción. Al mismo tiempo que él provoca en la profesora una vía de escape para su insustancial vida que la lleva a cambiar de ciudad por toda Francia en busca de una nueva plaza como maestra.

Como se puede deducir por el argumento, esta es una película que trata sobre sentimientos escondidos que afloran en un momento inesperado. Y, lo mejor que tiene es que, tanto el director como los intérpretes, están en estado de gracia cuando se trata de recrear los momentos clave en los que, sin mediar palabra son capaces de transmitir lo que sienten. La música de violín sirve tanto de canalizador para que ellos demuestren sus sentimientos, como para que la esposa se de cuenta de lo que ocurre.

En conjunto, la película no alcanza la sensibilidad de esos momentos más profundos. Pero no todos los días vemos una obra media que aporte secuencias destacables sobre las propias expectativas creadas.

Lluís Alba

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Robert Pattinson en el remake de Akira

2011-03-22T17:45:00.002+01:00

Según informa la web deadline.com, la versión americanizada en carne y hueso de Akira, que preparan Warner bros y Legendary pictures, podría comenzar a rodarse el próximo mes de agosto.

Steve Kloves, guionista de la saga Harry Potter y del reboot de Spider-man, ya tiene finalizado el guión que ha sido visto con buenos ojos por el director Albert Hughes que, junto a su hermano Allen, fue el responsable de Desde el infierno y El libro de Eli.

El guión ha sido enviado a diversos actores para ofrecerles el papel de Tetsuo, entre los que destacan Robert Pattinson (Crepúsculo), Andrew Garfield (The amazing Spider-man) y James McAvoy (X-men: First class). Mientras que, para interpretar a Kaneda se barajan los nombres de Garett Hedlund (Tron legacy), Michael Fassbender (Centurión), Chris Pine (Star Trek), Justin Timberblake (La red social) y Joaquin Phoenix (I'm still here).

Andrew Lazar, Leonardo DiCaprio y Jennifer Davisson Killoran serían los productores. Si tras recuperaros del susto de algunos nombres del casting os percatáis de la ausencia de actores japoneses, la información de la web también habla sobre un traslado de la acción, que ya no transcurriría en Nueva Tokyo, si no en Nueva Manhattan.

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Lluís Alba

Nunca me abandones

2011-03-17T21:06:00.002+01:00

En 2002 se estrenó Retratos de una obsesión (One hour photo), una película de la que se destacó injustamente más las dotes dramáticas de Robin Williams que cualquier otra consideración artística. Mark Romanek, ha esperado ocho años para volver a hacer cine y demostrar que aquello no fue casualidad.

El argumento es similar a La isla (The island, 2005) de Michael Bay, pero sustituyendo las escenas de acción por una reflexión moral sobre el uso de clones para nuestro beneficio personal. Así, Nunca me abandones, se puede catalogar dentro del cine de ciencia ficción más preocupado por las repercusiones éticas que del interés científico que pueda sugerir el tema.

Científicamente es indiferente que se debata sobre si un clon tiene alma. Obviamente si se crea un clon al que se le ha anulado su voluntad y capacidad de decisión, es natural que deje de ser humano. Por lo que, vista desde un interés científico, la película no puede captar nuestra atención.

Una vez se acepta este enfoque, el guión de Alex Garland (basado en la novela de Kazuo Ishiguro), tiene el discurso moral de mostrarnos un ser humano tan evolucionado hasta la deshumanización que, son los clones, sin voluntad, los únicos capaces de expresar sentimientos.

La dirección de Romanek acentúa acertadamente la intención del guión. Mostrando siempre desde el punto de vista del clon lo que ocurre a su alrededor, con los humanos pululando sin apenas intervenir en sus acciones ni mostrar interés. Y, cuando lo hacen se expresan de la misma fría manera que lo haría una máquina, como se evidencia en la imagen de los cirujanos extirpando velozmente los órganos de un clon.

Lluís Alba

Incendies

2011-03-17T21:03:00.003+01:00

Gracias a la monstruosa maquinara de los Oscar, llega el momento del reconocimiento mundial para Denis Villeneuve. Incendies, nominada a mejor película de habla no inglesa, aunque no haya sido premiada, ya ha conseguido suficiente renombre para estrenarse en nuestros lares. Podemos recurrir a la tecnología actual que internet pone a nuestra disposición para indagar en su anterior filmografía, como la curiosa Polytechnique, y descubrir que siempre se puede hacer una versión más independiente de una película independiente como Elephant (ídem, 2003) de Gus Van Sant.

Incendies no deja de ser un culebrón bien filmado. Con una historia que alterna, a base de flashbacks, la durísima vida de una madre en El Líbano durante su guerra civil con la de su hija mientras investiga que ocurrió en esa época. Bien escrita y dirigida, logra con dinamismo mantener el suspense hasta el final.

Por un lado, esta película suple superficialmente la ausencia de nuestro sistema educativo que, si no tenía interés por explicarnos la guerra civil española, menos lo iba a hacer con la de un país que nadie sabe colocar en el mapa. Y, por otro, se encarga de mostrarnos las atrocidades de ambos bandos de una guerra, para acabar permitiéndose el lujo de encontrar una solución tan simple como ingenua del conflicto entre religiones. Perdonar y olvidar.

Lluís Alba

En el centro de la tormenta

2011-03-10T15:51:00.004+01:00

Tras una trayectoria profesional de más de 45 años, Bertrand Tavernier cruza el charco para embarcarse en una nueva aventura cinematográfica en EEUU. Para sentirse más cómodo adapta una novela de James Lee Burke ambientada en Nueva Orleans, aunque el (idioma) francés brille por su ausencia en la película. In the electric mist with confederate dead, pertenece a una serie de libros protagonizados por el detective policial Dave Robicheaux, que ya tuvo otra incursión cinematográfica con el rostro de Alec Baldwin en Prisioneros del cielo (Heaven's prisoners, 1996) de Phil Joanou.

Además de adaptase al medio cinematográfico, la novela, publicada en 1993, también se ajusta cronológicamente al 2009 para aprovechar el efecto devastador que todavía perdura del huracán Katrina. Como ya hizo otro director europeo, Werner Herzog, en su versión de Teniente corrupto (The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans, 2009), también incluye una afectación alucinógena al detective protagonista. Si el tópico de los estupefacientes era una norma habitual de cualquier película ambientada en la zona de Nueva Orleans, parece que, desde 2005, también se le deba añadir el paso del huracán Katrina.

En esta escenografía concreta se mueve Dave Robicheaux, a quién Tommy Lee Jones se encarga de prestarle su físico, detective encargado de investigar dos asesinatos cometidos con 40 años de diferencia. Esta primera premisa ya nos advierte de la dualidad en la que se mueve la película. En una zona en la que conviven negros y blancos, en las que ambos deben tener una doble faceta para ocultar más de lo que pueden mostrar. Para no ser menos, el detective Robicheaux también mantiene una dualidad personal: la del alcohólico que ha dejado de serlo, la del policía honesto que usa métodos deshonestos, la del personaje que vive entre las alucinaciones y la realidad.

Una dualidad que no solo incide en el carácter de todos los personajes, si no que afecta al conjunto, cuando descubrimos en el plano final que las alucinaciones pudieron ser tan reales como el resto de la película.

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Lluís Alba

Mañana, cuando la guerra empiece

2011-03-03T15:47:00.002+01:00

John Marsden es el autor de la novela en la que se basa esta película. Publicada por Molino este mes en España, a remolque del estreno cinematográfico, bajo el título de Mañana, cuando empiece la batalla. Es la primera de una serie de 10 novelas (hasta el momento) que narra la hipotética invasión de Australia por algún país asiático, desde el punto de vista de unos adolescentes que deberán hacerse cargo de la resistencia.

La película está protagonizada por adolescentes y su público potencial también son los de la misma edad. Pero, mientras que las pelis de animación de Pixar, tienen varios niveles de lectura que pueden interesar tanto a niños como a adultos, la película de Stuart Beattie, tiene poco interés para los que salimos del perfil adolescente.

Lo único destacable es su buen ritmo que combina bien las secuencias de acción con las más pausadas y, a pesar del poco interés que pueda tener el argumento y los personajes, consigue un entretenimiento básico para una tarde aburrida en casa. Y digo en casa, porque más que una película parece el episodio piloto de una serie juvenil con un final tan abierto que hace imposible valorarla por sí sola sin haber visto las secuelas que ya se están produciendo.

Apenas se profundiza en el misterio del conflicto que mueve a la película. Y, cuando se pretende profundizar en otros temas, como la moral católica, los niños en las guerras, la inmigración, el colonialismo británico o los sentimientos adolescentes, se hace con brochazo gordo y de manera plana. Casi tan plana como representan a los personajes adolescentes, actuando de forma inverosímil en demasiadas ocasiones. Eso sí, (casi) todos ellos guapos para que el joven público masculino y femenino se deleite. Como ocurre con la actriz Phoebe Tonkin, vista en la serie H2O (H2O: Just and water), que enfatiza, un poco más si cabe, que estamos ante una película del mismo nivel de exigencia que la serie de las sirenas.

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Lluís Alba

Secuestrados

2011-03-03T15:38:00.002+01:00

No es algo demasiado halagüeño que el mejor elogio que se pueda dar a una peli española sea decir que no parece española. Este es el caso de Secuestrados, pues de haber venido con el renombre de algún cineasta de género estadounidense, seguro que hubiese tenido mayor repercusión.

La segunda película de Miguel Ángel Vivas, ha tenido mayor éxito en los festivales especializados que en taquilla y, como es natural, se prepara el remake yankee. Probablemente el argumento no sea demasiado original, ni supere en intenciones al Funny Games de Michael Haneke, pero sí que está muy por encima de películas similares americanas como la reciente Los extraños (The strangers, 2008) de Bryan Bertino.

Narra, con la crudeza requerida, la noche de una familia burguesa madrileña cuando es retenida por unos albano-kosovares en su propia casa mientras les extorsionan para sacarles todo sus bienes. Técnicamente está construida a base de 12 planos secuencia, una particularidad que puede parecer gratuita, pero que ayuda meternos en una atmósfera real al parecer que todo esté filmado con una sola cámara siguiendo a los personajes. Una decisión técnica que complica aún más el rodaje para tener a todos los actores sincronizados al momento. Además, hay un par de secuencias en los que se usa la polivisión para mostrar dos acontecimientos que ocurren al mismo tiempo.

Puede que nada de esto sea una noveda, ni siquiera en el cine español. El sorprendente ganador de un Goya, Jaime Rosales, suele hacer uso habitual de la polivisión. Pero cuesta ver una película española tan cruda y de género, que incluso se permite cierta licencia para criticar la telebasura como elemento de tortura por parte de los secuestradores, cuando estos obligan a la familia a ver Sálvame Deluxe.

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Lluís Alba

Los chicos están bien

2011-02-23T20:38:00.006+01:00

Cada año se cuela una película independiente en la gala de los Oscar. Pero habría que matizar esa acepción cuando hablamos de una película protagonizada por Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo y Mia Wasikowska (la reciente Alicia de Tim Burton). No vendrá respaldada por un gran estudio, pero sí tiene el suficiente reclamo para atraer al público general. Por lo que, tranquilos, es una peli protagonizada por lesbianas que podríais recomendar a vuestra madre sin que salga escandalizada del cine.

Más allá de los cuatro retrógradas de Intereconomía, no creo que a nadie escandalice ver una película protagonizada por una familia formada por un matrimonio de dos mujeres con dos hijos nacidos por inseminación artificial. Este es un toque de "modernidad" que toda película indie debe tener.

Cierto que contar con una pareja de lesbianas facilita la introducción de la inseminación y la búsqueda de los hijos por conocer a su padre biológico. Lo curioso es ver como la película hace una defensa moral de la familia a partir de unos elementos tan poco tradicionales. Como, en la reciente (y también nominada) The fighter, también veíamos a una familia poco convencional que también servía del mismo ejemplo.

Parece que los tiempos están cambiando y, hasta los países más tradicionales como los EEUU, se están dando cuenta que los tipos de familia son cada vez más extensos y, si no pueden luchar contra ello, por lo menos intentan encauzarlos en un camino moral.

Curiosamente, y este es el toque pedante de la crítica (que me permito el lujo de añadir, pues Los chicos están bien, también tiene estos toques), recientemente he estado viendo películas de Ernst Lubitsch. Resulta curioso ver películas de los años 30, como Una mujer para dos (Design for living, 1933), con una moral mucho más abierta y avanzada que las pelis actuales. Aunque estas también sean películas recomendables para vuestras madres.

Lluís Alba

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Cisne negro

2011-02-23T20:28:00.002+01:00

Escribir sobre una película siempre tiene la dificultad de intentar interpretar algo que solo se puede plasmar en imágenes. Más en el caso de Cisne negro, cuyo poder visual traspasa cualquier intención del guión.

Aronofsky y Portman nos introducen de tal manera en el terreno personal de la bailarina Nina Sayers que es fácil dejarse engañar por algunas trampas de guión. Incluso deseamos vendernos a él en pos de un mayor disfrute de la película.

No es cuestión de atacar un guión, que emplea bien sus trucos para avanzar en la historia. Pero navega bordeando esa fina línea que separa la posibilidad de estar ante una obra maestra o metidos en un desastre, sin que el guión sea culpable de una cosa u otra.

Es fácil ver los paralelismos entre El luchador y Cisne negro. Incluso hay cierta estructura que las asemeja todavía más, llegando hasta tener un final prácticamente calcado. Ambas películas hablan de la obsesión por un oficio que imposibilita una vida más allá de su arte.

La obsesión de la bailarina es plasmada en la pantalla con imágenes fruto de su subconsciente, con la transformación física a cisne negro, con secuencias imaginadas que pudieran ser reales. Además de las escenas más evidentes, existe la duda en cada plano de la película por saber si algo ha sido real o viceversa. El viejo obsceno en el metro es claramente producto de la imaginación de Nina, pero no sería tan raro que hubiese ocurrido de verdad. Mientras que la decoración del piso que comparte con su madre, se nos antoja real, pero pudiera ser una recreación psicológica de cómo lo ve Nina. Un piso oscuro, con espejos fracturados, mientras que su habitación queda ajena y mantiene la pureza e inocencia de la infancia. Cuando Nina quiere librarse de esa parte que le imposibilita ser el cisne negro, es en la habitación donde rompe su inocencia, mantiene sus relaciones sexuales y hace desaparecer los peluches que la decoran.

Extraña un poco el próximo proyecto de Aronofsky, una nueva película sobre Lobezno. Donde no podrá libremente hacer todo lo que desee, pero sí supone un reto para demostrar su talento dentro de una gran maquinaria sin que parezca un engranaje más.

Lluís Alba

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127 horas

2011-02-10T17:33:00.002+01:00

Recientemente se estrenó Buried, una película con premisa similar a 127 horas, donde también veíamos a un tipo aislado y atrapado durante todo el metraje. Las comparaciones terminan ahí pues, situaciones argumentales a parte, no tienen nada que ver entre ellas. Buried es un thriller comercial con un ejercicio estilístico que pudiera haber ideado el mismo Hitchcock, mientras que 127 horas es una historia real de un excursionista que Danny Boyle lleva a su terreno personal.

Lo que importa de 127 horas es lo que cuenta, y cómo se cuenta. No hay suspense posible en una película en la que todo el mundo conoce su final. Boyle, con su habitual ritmo frenético a base de golpes de videoclip, combina imágenes reales con las grabadas por el propio excursionista (situación real que facilita la buena interpretación de James Franco), con flashbacks, sueños y demás delirios.

La historia real de Aron Ralston se usa para crear una película de tintes intimistas que nos habla de la necesidad de aislarnos en un mundo globalizado y tremendamente conectado. De otra forma no es posible entender que alguien, en pleno siglo XXI, se vaya de excursión en mitad del desierto sin posibilidad alguna de contacto. Cuando la mayoría de mortales no nos atrevemos a salir para comprar el pan sin nuestro móvil.

El aislamiento voluntario del protagonista se convierte en forzado cuando su brazo queda atrapado por una pesada roca. Eso le obliga a ir más allá sus intenciones, a reflexionar sobre su propia vida. Pasado, presente y un futuro que no debería llegar. Cae en la obvia desesperación de la situación. Pero, ojo a la moralina estadounidense, resiste la tentación de masturbarse, pues a pesar de todo, continúa con la ética intacta.

Por lo que, solo una persona tan íntegra como Aron Ralston, es capaz de mutilarse el brazo con una navaja de los chinos (no lo digo yo, lo dice el tipo de la película). Y Danny Boyle aleja esa escena del espectáculo gore, demostrando que lo sugerido causa un dolor psicológico mayor que lo evidente.

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Lluís Alba

The fighter

2011-02-03T17:59:00.002+01:00

No soy muy aficionado a los biopics. Suelen ser películas que basan su interés en atraer público al cine por motivos ajenos a la obra. Tampoco creo que en España haya mucho interés por ver en imágenes la vida de un boxeador desconocido. Por suerte para Tripictures, la película cuenta con un elenco de actores conocidos y la agraciada promoción de los Oscars.

David O. Russell construye una buena y eficaz peli ambientada en el mundo del boxeo. Incluso tan buena como para que las (pocas) secuencias en el ring sean totalmente prescindibles para disfrutar de ella. Pues el mayor interés está centrado en la vida personal de los hermanos Ward, en la historia de superación de uno que desperdició su talento por las drogas y el otro que debe buscar su oportunidad desde un humilde barrio obrero.

Si Rocky usaba el boxeo para ensalzar el patriotismo yankee, The boxer lo usa para alimentar la idea de la familia como elemento aglutinador necesario para lograr los objetivos de la vida. Incluso en los peores momentos y con una familia tan deplorable como la que se ve en la peli, finalmente hay que recurrir a ella para poder conseguir el triunfo.

A pesar de los aspectos negativos, que toda manipulación venida del poder, llegue a afectar nuestra conciencia, yo me quedo con el buen guión y con los buenos actores que se esfuerzan en interpretar a personajes creados para acercarse al Oscar.

Lluís Alba

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La trampa del mal

2011-02-03T17:51:00.004+01:00

Tras los últimos fiascos que han supuesto La joven del agua (Lady in the water, 2006) y El incidente (The happening, 2008), M. Night Shyamalan tomó la decisión más inteligente para dar un vuelco a su carrera. Primero dirigió una película totalmente ajena a lo que nos había acostumbrado: Airbender, el último guerrero (The last airbender, 2010). Criticada igualmente pero con una recaudación poderosa para centrarse en lo que viene a continuación: crear una serie de películas bajo el sello The Night Chronicles (con su apellido bien visible).

Las riendas en la dirección de La trampa del mal (o Devil, si prefieren su título original) las toma John Erick Dowdle, quién ya fuera responsable de otra peli de terror de encargo como Quarantine (2008), el remake de REC (2007). Como en una serie de televisión, poco importa el director, siempre hay múltiples manos que pasan por ella sin que afecte demasiado al conjunto. Pues estamos ante una peli de serie B que podría ser un capítulo cualquiera de La dimensión desconocida (The twilight zone, 1959-1964) o de Masters of horror (2005-2007).

Una pequeña película que el guión de Brian Nelson resuelve bien (si no nos tomamos demasiado en serio el argumento), aunque sin nada que llame demasiado la atención visualmente. Exceptuando, eso sí, los créditos iniciales de una ciudad filmada boca abajo con la música de Fernando Velázquez o la eterna pregunta que siempre nos surge al ver a Geoffrey Arend: ¿Cómo habrá logrado casarse con Christina Hendricks?

Lluís Alba

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Red

2011-01-27T11:54:00.001+01:00

Red es uno de esos proyectos que nace en un cómic con la idea de que acabe convirtiéndose en película, y ambos productos puedan retroalimentarse el uno del otro.

El cómic original de Warren Ellis y Cully Hamner es una miniserie de tres números sobre un agente de la CIA apaciblemente retirado hasta que le tocan las pelotas. Regresa a la actividad y se venga. Una historia corta, correcta, no demasiado original, pero sin mucho argumento para la duración estándar de una película. La solución encontrada es ampliar el espectro de personajes con otros agentes retirados para mayor gloria de actores veteranos que acompañan a Bruce Willis en el reparto: John Malkovich, Helen Mirren, Morgan Freeman, Richard Dreyfuss y, el simpático cameo, del nonagenario Ernest Borgnine.

El resultado no es ni mejor ni peor que el cómic. Simplemente es otra cosa. La historia ruda y seca se convierte en una agradable comedia de acción que, salvando las distancias, recuerda al Space Cowboys de Eastwood. Aunque el talento de Robert Schwentke todavía no es equiparable al de maestro californiano, sí que comienza a ser un director a tener en cuenta tras su anterior (y reivindicable) película: Más allá del tiempo (The time traveler’s wife, 2009).

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Lluís Alba

Más allá de la vida

2011-01-27T11:47:00.003+01:00

Como leo en la crítica de Carlos Díaz Maroto, Más allá de la vida no es la primera incursión de Eastwood en el género fantástico. Pero sí es la primera vez que lo hace explícitamente.

El esquema de varias historias cruzadas en un mundo globalizado, nos retrotrae en una primera instancia al cine de Iñárritu y, concretamente, a Babel. Pero el estilo clásico de Eastwood no tiene nada que ver con el del director mexicano. Llamo estilo clásico a aquel en el que cada secuencia, cada plano, cada imagen tienen un motivo pensado y justificado para aparecer en pantalla. Eastwood logra una gran película con un material que, en manos de otro director, podría haber resultado una ñoñería inaguantable.

Las tres historias contadas en paralelo sirven para explicar la misma experiencia desde ángulos distintos. La protagonizada por Matt Damon en la que sus dotes psíquicas ya han sido alcanzadas, la de Cécile de France encarna la persona que se debe enfrentar al descubrimiento de una vida después de la muerte y la de los gemelos George y Frankie McLaren en la búsqueda de que exista esa posibilidad.

El habitual rigor en el guión de Peter Morgan nos enfrenta ante un tema fantástico de la manera más respetuosa posible. Aunque, como lo que quiere explicar el personaje de Cécile de France, la película se decanta sin tapujos por convertir en real un tema fantástico, está narrado con tal solidez que agradará a creyentes y escépticos.

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Lluís Alba

El demonio bajo la piel

2011-01-19T21:12:00.001+01:00

Michael Winterbottom es un director difícil de clasificar. Cada película toma un género diferente. Ciencia ficción, drama, documental, experimental, adaptaciones imposibles etc…

El demonio bajo la piel es genuino cine negro, ambientado en los 50, una época en el que todavía el género tenía algo que decir en los EEUU. Pero con la salvedad de estar filmada en 2010, y las sádicas escenas de tortura se muestran explícitamente y no fuera de plano como mandaban los antiguos cánones. Tampoco hay para asustarse, dichas muestras de sadismo y violencia física nada tienen que ver con el torture porn de Saw o similares, a pesar de que se haya querido incidir en ello.

Como toda película de cine negro, la acción suele cambiar dinámicamente entre los diversos escenarios de un mismo lugar. Incluye múltiples referencias a un pasado que el espectador debe ir recolocando como un puzle, al mismo tiempo que se citan un sinfín de nombres yankees que sólo logran que nos perdamos más en su argumento. Salvo que vayamos ataviados de boli y papel, parece imposible seguir el 100% de sus recovecos.

Tampoco importa demasiado conocer todos los detalles, eso se deja para un segundo ocasión en la que se pueda enriquecer el primer visionado. La esencia del film es el personaje encarnado por Casey Affleck (quién robó toda la capacidad interpretativa de su hermano), descubrir su demonio (o asesino, si leemos el título original) interior, su trauma infantil que justifica a todos los asesinos en serie de la realidad o ficción.

Si toda esa introspección del personaje no resulta lo suficientemente interesante, por lo menos, puedes llevarte grabada en la retina la imagen de los culos desnudos de Jessica Alba y Kate Hudson. Hay películas que no dan ni para eso.

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Lluís Alba

The green hornet

2011-01-19T21:03:00.002+01:00

Michel Gondry da el salto al cine mainstream con la adaptación del serial radiofónico y, posteriormente, más conocida como la serie de televisión que catapultó a Bruce Lee al estrellato estadounidense: The green hornet.

Para el que busque algún referente, The green hornet es más parecido a las comedias juddapatowianas de Seth Rogen, su actor principal y guionista, que al cine de autor de Gondry. Curiosamente el cineasta francés rechazó al protagonista de Lío embarazoso para protagonizar ¡Olvídate de mí! Y, ahora, es el propio Rogen quien solicitó a Gondry para dirigir su proyecto. Demostrando que el actor y guionista estadounidense no es nada rencoroso y sí muy conocedor de sus limitaciones.

The green hornet no tiene el presupuesto de otras sagas de superhéroes recientes, por lo tanto no es la más espectacular, ni está llena de gráficos generados por ordenador. Pero sí que es una de las películas más solventes del género, un guión bien construido, buenos personajes y una dirección eficaz que deja las escenas más espectaculares para el final. Convirtiéndose en una película que dignifica el género y logra su principal objetivo: entretenimiento puro para una tarde de cine.

No es que se salga de los tópicos habituales, pero por lo menos sabe aportar detalles infrecuentes. Como el anti-triángulo amoroso no formado por Reid, Kato y Leonore, los chistes auto-paródicos sobre la edad de Cameron Diaz, o el malvado Chudnofsky que, empeñado en no resultar burlesco, consigue todo lo contrario.

Mención especial para el doblaje. Si ya, por norma, tiende a empeorar la película original, cuando se trata de imitar acentos, es para que desear que una infección vírica deje mudos a todos los dobladores. Todavía no sé si el que presta la voz a Christop Waltz pretendía simular acento ruso, alemán o catalán.

Sin olvidar tampoco a nuestros amigos los traductores. Habitualmente ya hacen el ridículo en sus particulares interpretaciones de los títulos de las pelis. Aquí dejan para el recuerdo (de la vergüenza ajena) unos diálogos entre los empleados del periódico, que debaten entre los nombres de The green hornet o El avispón verde, para referirse al nuevo enmascarado que recorre las calles nocturnas de la ciudad.

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Lluís Alba

Animal Kingdom

2011-01-13T18:34:00.001+01:00

David Michôd debuta en el largo de ficción con una thriller de familia mafiosa narrado para los amantes del cine “indie”. Aplaudida y premiada en pasado festival de Sundance, una muestra más de por dónde van los tiros de una película enmarcada en el género negro sin querer aparentarlo formalmente.

Narrar buenas historias de forma eficaz como en la época dorada del cine negro de Hollywood parece algo imposible en la actualidad. Con una sola película, no puedo deducir si Michôd no se cree capaz de ser un buen narrador clásico o simplemente no le interesa y busca una nueva visión del género. Si se trata de lo segundo (como es de suponer), aplaudo su opción, parece más necesario buscar nuevas fórmulas que recrear (por muy bien que se logre) las pasadas. Siempre podremos recurrir al DVD, Blu-ray, Divx, mkv, Utraviolet o el siguiente formato que surja para poder recrearnos en un pasado que siempre nos parecerá mejor.

Animal kingdom sigue algunos cánones del género negro dentro de los clanes mafiosos. Trata sobre unos criminales, tienen conflictos internos en la familia, hay venganzas, asesinatos, trepas. Aparecen polis corruptos, también los honestos (gran Guy Pearce) que siempre van a rebufo de los “malos”. Pero, para tomar distancias, para innovar, para ser diferente, esta película no nos explica jamás a que se dedica la familia mafiosa, no vemos lógica a sus asesinatos, ni motivaciones, ni sabemos por qué la policía los persigue de tal manera. Entramos en la película con una historia ya comenzada, entramos en la familia como el joven protagonista que se muda a casa del clan mafioso. Él tampoco sabe que ocurre, aunque sabe que ocurre algo.

Los espacios en blanco que una película clásica se hubiese encargado de narrar magistralmente, aquí sirven para que el espectador más receptivo a las películas de autor esté más atento para tratar de seguir la narración. Mientras que el resto, aburridos por la espera de que alguien les explique que está pasando, podrán dormir una buena siesta.

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Lluís Alba

Twelve

2011-01-13T18:28:00.002+01:00

Joel Schumacher parece un tipo descarado. Se atrevió a evidenciar la homosexualidad de Batman y Robin en sus dos películas sobre el superhéroe. Lo único que logró fue acabar con una franquicia multimillonaria iniciada por Tim Burton. Ahora, a sus 71 años se atreve con una película sobre la juventud pija norteamericana de hoy en día.

Cierto es que en los 80 ya trató un tema parecido con St. Elmo, punto de encuentro (St. Elmo's Fire, 1985) y, por qué no, en Jóvenes ocultos (The lost boys, 1987). Sin embargo, la enésima película sobre pijos neoyorkinos que van de fiesta en fiesta, follan sin parar, toman drogas de diseño (el título de la película toma el nombre de una de ellas) y acaban autodestruyéndose, no tiene visos de captar el interés del gran público. Ni siquiera podría especificar a qué público se dirige.

Schumacher parte de la base de un libro escrito antes que la serie Gossip Girl, sin embargo parece que se haya fijado demasiado en ella para dirigir esta película. Si los puntos en común entre la serie y la película pueden ser casuales, ya no lo es tanto que escoja como protagonista a Chace Crawford, uno de los intérpretes principales de Gossip Girl. Eso sí, para la voz en off del narrador recurre a su actor fetiche: Kiefer Sutherland, casi un guiño a sus funciones interpretativas en Última llamada (Phone booth, 2002).

Salvo que alguien sea muy fan del género (si es que hay un género que defina a este tipo de películas), no es una película demasiado imprescindible, más bien lo contrario.

Lluís Alba

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Balada triste de trompeta

2010-12-21T18:38:00.001+01:00

Se ha dicho que esta es la peli más personal de Álex de la Iglesia. Será por la ausencia de un argumento ordinario, en el que el espectador controle la situación y no se sienta perdido. O que es su peli más tarantiniana. Yo me lo tomaría como un elogio, pero ese es un adjetivo automático que aparece cuando Tarantino te premia en Cannes.

Tiene elementos que podemos haber visto en el resto de su filmografía, sin ir más lejos, la época y el argumento podría emparentarla con, la que a mi parecer es su mejor película, Muertos de risa. Sin embargo, la pelea continua entre estos dos payasos se mueve en todo momento por el mundo de lo absurdo. Y nos ofrece una sucesión de secuencias que, como los protagonistas hacen con sus rostros, desfiguran siniestramente la imaginería cartoon.

La ambientación en los últimos años del franquismo, acentúa esa doble lectura con las dos Españas luchando entre sí. Y cómo la mayoría de españoles vivieron como los secundarios de esta película, sin influir en ninguno de los dos payasos ni pintar nada en el argumento.

Dos payasos de rostro desfigurado, dos caras de una misma moneda, como la dualidad entre los héroes y villanos de los cómics de superhéroes a los que de la Iglesia homenajea con esa versión tétrica del Batman de Burton. Emulando el nacimiento de El Joker o visualizando una imposible Batcueva en el interior de El valle de los caídos.

De la Iglesia parece sentirse a gusto con Carlos Areces, su nuevo actor fetiche, e influenciado por el humor absurdo de Muchachada Nui. Incluso, en algunos momentos, me parecía que era Joaquín Reyes el que interpretaba al otro payaso, en lugar de Antonio de la Torre. Pero puede que sea yo el que añore al payaso que interpretaba Joaquín Reyes en La hora chanante y quiera verlo donde no está.

La peli está llena de guiños y pequeños homenajes a la cultura televisiva que debió mamar de la Iglesia en los 70. Pero, el que más me llegó, fue la oportunidad que brinda la película a Fofito para enfundarse, por primera vez, la piel del payaso listo.

Lluís Alba

Franklyn

2010-12-16T22:53:00.002+01:00

Con dos años de retraso, llega a nuestras pantallas Franklyn, la opera prima de Gerald McMorrow.

Una película que combina, sin tapujos, fantasía gótica con el melodrama más intimista que aborda las relaciones afectivas con las personas ausentes. Una idea bastante ambiciosa y difícil, que solo al final cobra sentido. El problema es lo que ocurre mientras llegamos a ese final, pues la falta de un hilo común entre las diferentes historias no se compensa con un interés autónomo de cada una de ellas.

Con una estructura es similar a la de un thriller de Agatha Christie, donde el final sirve de explicación de la película, salvo que no llega a enganchar por la ausencia de suspense. En términos comparativos, sería como la antítesis de Perdidos, que se basaba más en entretener mientras duró que en otorgar un final donde encajaran todas las piezas.

Cabe destacar el logrado mundo de fantasía en la ciudad de Meanwhile, toda una referencia al mundo de los cómics, protagonizada por una versión del Rorscharch de Watchmen. Curiosamente, más de una secuencia de acción parece copiada de la película de Zack Snyder… salvo que Franklyn se estrenó un año antes.

La película gana en el recuerdo del espectador, que debe enfrentarse a sí mismo contra el “yo” pasado que todavía no ha visto el final de la película para decidir si vale la pena o no.

http://www.zumbarte.com/cine/cinevista/criticas/franklyn.html

Lluís Alba

Biutiful

2010-12-10T11:50:00.002+01:00

Biutiful es el primer largo que rueda el mexicano Alejandro González Iñárritu sin la colaboración de Guillermo Arriaga, quién ya debutó en solitario con Lejos de la tierra quemada.

Vistas ambas películas, se puede deducir fácilmente que la atracción por las historias cruzadas nace de Arriaga. Pues Biutiful mantiene el mismo tipo de historia, llena de gente y situaciones desgraciadas, pero manteniendo el eje en un protagonista principal: Uxbal (Javier Bardem, pidiendo otro Oscar). El resto de personajes, siguen estando bien trazados, pero sin profundizar en su vidas, por supuesto también miserables.

Uxbal es un drogadicto que se gana la vida haciendo de intermediario con la inmigración ilegal, vive en un piso cochambroso (¡Por favor! ¡Que alguien le obligue a sacrificar esas polillas moribundas!), su mujer es bipolar, pega a sus hijos y se acuesta con su hermano. Nada más empezar la película descubrimos que tiene cáncer terminal. Su padre murió cuando era un crío. Y, por si fuera poco, (como diría Carlos Marañón) es del Espanyol.

No sé si González Iñárritu filma estas películas para demostrarnos que, a pesar de lo que pensemos de nuestras vidas, siempre hay alguien más desgraciado. Pero lo que sí sé es que no busca ningún realismo, como demuestra la extraña utilización del catalán, similar al spanglish que los inmigrantes hablan en EEUU.

Lluís Alba

Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas

2010-12-10T11:37:00.001+01:00

No hay nada como ver esta película en la sesión de las 16:00 sin haber dormido una siesta. Pues El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, es una película sin coherencia argumental por la que desfilan diversos pasajes como si fuera un sueño.

Entre cabezada y cabezada pude observar que la película tiene la virtud de evocar las mismas sensaciones de recordar un sueño mientras despertamos. La diferencia es que los sentimientos que han acechado sobre uno mismo son difíciles de explicar y mucho menos de hacerlos sentir a los demás.

Esta película tailandesa ha tenido la eficacia de introducirse en los sueños del jurado de Cannes, para así facilitar su estreno mundial, al cual solo acudiremos los cuatro matados de siempre. Los que defendemos y apoyamos que, también, cualquier propuesta personal debe tener la oportunidad de exhibirse públicamente.

Lluís Alba

Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba

2010-12-09T12:29:00.002+01:00

La crisis mundial también afecta al cine mainstream, incluso a una saga poderosa como Las crónicas de Narnia. Tiene todo para triunfar: adapta unos libros conocidos, está destinada al público infantil (el que más llena las salas) y es respaldada por el lobby cristiano. Los resultados económicos de El príncipe Caspian no fueron lo suficientemente aceptables para Disney que renunció a continuar adaptando los libros de C.S. Lewis. Fox acude al rescate, disminuyendo presupuesto y metraje (a menor duración, más sesiones para rentabilizar la película).

Lamentablemente todos esos problemas externos afectan a la película. Los resultados artísticos están muy por debajo del alto listón dejado por El príncipe Caspian. Lo que podría haber sido una de las mejores adaptaciones de la saga: una aventura marítima al más puro estilo de Simbad, Ulises o Jasón y los argonautas, acaba convirtiéndose en una serie de secuencias inacabadas sin un hilo conductor consistente.

El metraje, ajustado a los estándares del cine convencional, lejos de dotarla de un mejor ritmo, lo único que consigue es que cada episodio sea visitado con superficialidad y se obvien las motivaciones para que un rey emprenda un viaje de tales características, se deje de indagar en los paralelismos históricos con las provincias lejanas a la capital de Narnia o que se omita cualquier explicación profunda sobre la expulsión de los 7 lores (a fin de cuentas, el macguffin de la película).

Los gráficos generados por ordenador también se ven afectados por el presupuesto, aunque le dan cierto aire añejo a película de serie B. Pero, claro, esa no era la intención.

Lo único que queda bien patente es el persistente mensaje cristiano de los libros. Algo que puede sesgar a un público infantil cuyos padres deseen educarlos lejos de cualquier fundamentalismo religioso.

Lluís Alba

Chloe

2010-12-02T17:59:00.001+01:00

Chloe es el remake de Nathalie X, una película francesa que pasó desapercibida tanto para crítica como para público. Por lo que es difícil comprender los motivos que han llevado a la ejecución de este remake, y aún más en las manos del reputado director Atom Egoyan.

Por desconocimiento no entraré a valorar ni la película francesa ni la trayectoria de Egoyan. Y todos los indicios me recomiendan no extrapolar ninguna opinión general sobre este director basándome en Chloe. Una película que parece prometer mucho a partir de la interesante premisa de una esposa que contrata a una joven prostituta para saber si su marido la engaña. Incluso se perdona la impotente (por obvia) trampa de guión, gracias al cambio de rumbo de la historia, centrándose en una relación lésbica que saca lo mejor de las dotes (interpretativas) de Julianne Moore. Y, sumado a lo visto en Jennifer’s body, comienza a encasillar a Amanda Seyfried en escenas lésbicas.

Todo lo bueno que puede tener la película acaba diluyéndose en un penoso final, al más puro estilo de los thrillers basados en hechos reales de la sobremesa dominical de Antena 3. Inapropiado por estar metido con calzador, por no interesar a los que les guste el inicio y por interesar a los que no lo verán.

Lluís Alba

Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 1

2010-11-26T11:33:00.002+01:00

La saga cinematográfica de Harry Potter fue asesinada por los responsables de la misma cuando decidieron ponerla en manos de David Yates. Una marioneta sin alma artística al vil servicio de una producción que parece funcionar con piloto automático desde Harry Potter y la Orden del Fénix.

La incapacidad de Yates por adaptar las partes importantes de las anteriores novelas no parece haber sido la razón principal para duplicar el metraje de la adaptación del séptimo y último libro de Harry Potter. Más bien ha sido una manera de exprimir un poco más la gallina de los huevos de oro. Una maniobra comercial que (y sin que sirva de precedente) ha ayudado a mejorar la calidad expuesta en las anteriores películas de David Yates.

Es difícil valorar esta película sin haber visto su continuación. Pues se asemeja más a una miniserie televisiva que a un producto cinematográfico con inicio y final. Se nota que se han centrado más en los personajes principales Harry, Ron y Hermione, antes que en Voldemort y los Mortífagos. Dejando así sus escenas para el desenlace de la saga que veremos el próximo verano.

Como he dicho, la saga de presupuesto millonario funciona con el piloto automático, por lo que la larga duración beneficia a los fans que buscan una mayor fidelidad a la historia original. Las más de dos horas y media se hacen cortas. Entran deseos que, tras los créditos y una visita al lavabo, se proyecte consecutivamente la segunda parte. Harry Potter y las reliquias de la muerte, se convierte en la mejor peli de la saga dirigida por David Yates, incluso tiene momentos brillantes como una espectacular animación para explicar una leyenda, recurso inédito hasta el momento en las demás películas de Harry Potter.

No todo podía ser perfecto pues, a pesar de duración extra, se siguen obviando detalles fundamentales de la novela, como el flashback que narra el pasado de Dumbledore. Aunque todavía mantengo la esperanza de que lo hayan reservado para la continuación.

Como fan de los libros, espero que en unos años algún productor avispado se digne a producir una serie de televisión de calidad que adapte fielmente la saga de principio a fin. Más que nada para no tener que volver a leerme los libros.

Lluís Alba

Cyrus

2010-11-26T11:25:00.001+01:00

Películas como esta demuestran que la clasificación por géneros cinematográficos es un lastre antiguo al amparo del cine comercial, para que el público pueda entrar en la sala sin necesidad de informarse de su contenido. Cyrus puede clasificarse como comedia, como drama o, incluso, como cine de autor.

A partir de tres personajes principales magistralmente definidos, la película se aleja de situaciones habituales de la comedia convencional, y no busca el humor con situaciones inverosímiles. Sin forzar situaciones al extremo se consigue narrar una película con personajes atípicos, pero que podemos reconocerlos en la realidad. La realización formal de la película, casi documental, refuerza la visión realista de esta comedia. A la vez que la asemeja (dicho con toda precaución) a Maridos y mujeres de Woody Allen.

Esta credibilidad logra que veamos con naturalidad al actor adolescente con sobrepeso de Supersalidos como hijo de Marisa Tomei, o que esta pueda llegar a enamorarse de John C. Reilly.

Lluís Alba

Scott Pilgrim contra el mundo

2010-11-11T20:52:00.003+01:00

¿Y si la vida fuera un videojuego? Scott Pilgrim contra el mundo responde a la pregunta. Basada en el cómic homónimo del canadiense Bryan Lee O’Malley, una obra personal bajo las influencias del manga, los videojuegos y la música independiente.

Adaptar los seis tomos, en una sola película, no es tarea fácil, ni siquiera para un director de talento como el británico Edgar Wright quien, en 2007, nos regaló Shaun of the dead (titulada Zombies party en España). La película adapta, casi literalmente los primeros tres tomos, para luego acelerar y transmutar la parte final, ciñéndose a la estricta duración que marcan los cánones cinematográficos.

Como obra aparte y complementaria del cómic, la película evidencia en cada plano el talento visual de Wright, que llena la pantalla de una iconografía visual no vista anteriormente en el cine. Una convivencia perfecta entre los videojuegos y el cómic de O’Manley. El talento cómico también está presente, aunque los diálogos y situaciones son calcados al cómic, por lo que cuesta percibir dónde acaba O’Malley y dónde empieza Wright.

Para enfatizar que la película bebe de la fuente de un cómic, vemos como pasan por la película actores relacionados con otras adaptaciones: Brandon Ruth (Superman returns), Chris Evans (La antorcha humana, Capitán América) y, en un pequeño cameo, Thomas Jane (The punisher).

La excentricidad de la propuesta es tal que las expectativas recaudatorias de la Universal (recordemos siempre, lo único que les importa a las majors) no han sido las deseadas en los EEUU. Por lo que su estreno en España llega tarde, sin promoción y sin copias en versión original. Desde el 9 de noviembre se encuentra a la venta en los EEUU, los interesados en verla ya habrán podido agenciarse una copia en buena calidad. Mientras que el resto de mortales que acudan causalmente al cine, saldrán decepcionados por no entender la propuesta cinematográfica.

Lluís Alba

Retornos

2010-11-04T22:51:00.000+01:00

Buen debut, estrenado de tapadillo en nuestras salas, del cineasta Luis Avilés, colombiano de nacimiento y gallego de adopción. No debe ser casual su condición de inmigrante para explicar las sensaciones que pueden tener varios personajes de la película. Desde el protagonista, un gallego emigrado a Ginebra por un hecho turbulento de su pasado, con el que tiene que enfrentarse nuevamente. O con la prostituta cubana que acaba convirtiéndose en el macguffin de la película para acabar hablándonos de otras muchas cosas que no tienen nada que ver con la trama de suspense.

Como se ha podido leer, este es un thriller rural que deja las mismas buenas sensaciones de las películas del género que abundaban en el Hollywood de los 40 y 50. El guión acaba dando más importancia a las relaciones familiares del protagonista que convulsiona con su llegada el aparentemente tranquilo pueblo. Por lo que se le perdona que la trama de suspense principal avance a base de artificios en el guión (¡Esa enciclopedia de medicina con las hojas arrancadas!).

Aparentemente sin un presupuesto demasiado holgado, Luis Avilés consigue eludir las partes más costosas de la producción con buenas elipsis narrativas para que los accidentes automovilísticos estén en la película sin que se vean en pantalla. Esperemos que el ahorro presupuestario haya sido suficiente para que la película recupere la inversión en taquilla y los productores sigan manteniendo la confianza en el director.

Lluís Alba

Copia certificada

2010-11-04T22:48:00.000+01:00

Mi única aproximación al cine de Abbas Kiarostami hasta Copia certificada, había sido una de sus películas premiadas en los 90. En un pase del Canal +, no recuerdo si fue A través de los olivos, El árbol de las cerezas o El viento nos llevará (podrían buscarlo en Google, pero no creo que sea demasiado relevante). Lo que sí recuerdo es que no me apasionó demasiado para seguir su carrera.

El enterarme que se estrenaba una peli suya ambientada en Italia y protagonizada por Juliette Binoche, fue motivo suficiente para volver a interesarme por el director iraní. Copia certificada no tiene nada que ver de lo que recordaba vagamente de la otra peli que vi del director, en la que pasaban horas sin diálogos y un hombre subía y bajaba una montaña en su furgoneta. En esta ocasión los diálogos abundan y llenan casi todo el metraje. Lo que empieza con una conversación entre Juliette Binoche y William Shimell sobre arte acaba entrando en lo personal hasta que, un confusión en una pequeña cafetería les hace adoptar los roles de marido y mujer. Hasta tal punto que ambos personajes son tanto los originales como las copias que han decido adoptar.

Cuando voy al cine a ver una peli de autor, lo que deseo es encontrarme con una obra como esta. Más allá de la impecable factura visual, ver una peli tan interpretable sólo me permite afirmar con rotundidad que no he entendido ni entenderé jamás todo lo que quisiera transmitir su director. Pero sí que ha conseguido una serie de sensaciones ausentes el cine más convencional, además de permitirme que la película continúe creciendo en mi mente al salir del cine. El que no desee que le agiten la mente o le provoquen sensaciones tiene el 95% de películas de la cartelera a su disposición con guiones modélicos de inicio, nudo y desenlace.

Lluís Alba

The town. Ciudad de ladrones

2010-11-04T22:10:00.001+01:00

Permítanme que les recuerde un chiste de Eugenio. Un joven aprendiz entra a una ebanistería para hacer una prueba. El dueño le da un tronco de madera y le pide que saque de ahí un Sant Pau. El muchacho se pasa dos horas encerrado tallando madera, cuando regresa el dueño de la ebanistería ve que del tronco de madera sólo queda una astilla del tamaño de un palillo. El dueño de la ebanistería le pregunta dónde está el Sant Pau, a lo que el joven responde: Si el Sant Pau está aquí dentro, le juro que sale.

Seguramente no haría falta que alguien esculpa tanto en la película de Ben Affleck para ver que hay un pequeño Clint Eastwood dentro. Todavía es pronto para comparar ambos cineastas, aunque tienen en común haber sido denostados por sus interpretaciones y alabados generosamente por su labor tras las cámaras.

The town es una película modélica de género negro. Si la época dorada del cine clásico de Hollywood todavía estuviera en auge, esta sería una peli más. Pero, en los tiempos que corren, es de agradecer una pequeña joya como esta. Se le puede achacar algunas fases inverosímiles del guión o dudar de si el personaje principal no hubiese lucido más de estar interpretado por un actor decente (pero claro, para eso Ben Affleck escribió el guión pensando en sí mismo como protagonista). Quizás así, el contraste con su compañero de reparto, Jeremy Renner, le facilite a este último una nominación al Oscar.

Me gusta encontrar en el guión claros detalles de la afición de Affleck por los cómics (esa misma afición que le llevó a protagonizar Daredevil a cualquier precio). Pues es fácil ver detrás de esta historia los habituales conflictos por la identidad secreta de los superhéroes enmascarados. Eso sí, modificada convenientemente para que, el superhéroe, sea en esta ocasión un ladrón que no puede revelar a su enamorada su tendencia a enmascararse con un grupo de amigos y atracar bancos.

Lluís Alba

Paranormal activity 2

2010-10-26T23:36:00.004+02:00

Oren Peli, nacido en Israel, rodó con cuatro duros (12 céntimos para las nuevas generaciones) Paranormal activity, aprovechando una premisa argumental para rodarla con una sola cámara. Tuvo la suerte que Spielberg se fijara en el film y, más allá de sospechar de un lobby judío, se dedicó a promocionarla para encontrar una buena distribución.

Tres años después, el nombre de Oren Peli sólo aparece en la producción de esta secuela, que tiene todos los visos de convertirse en una saga tan longeva como lo está siendo Saw.

Con más dinero en la producción, los responsables de esta secuela han ideado la manera de continuar con el mismo estilo de filmación ampliando el número de cámaras. Como recientemente se pudo ver en El diario de los muertos (Diary of the dead, 2007) de George A. Romero, se usa como elemento de vouyerismo del espectador las filmaciones de las cámaras de seguridad de la casa. Lo que otorga más posibilidades en el montaje, bajo el mismo estilo de película casera.

Conscientes que la sorpresa de la primera parte era uno de sus puntos fuertes, los responsables de distribuir esta secuela, ocultaron su argumento, incluso omitiendo los habituales pases de prensa. Esta promoción se sitúa en las antípodas del resto de cine comercial, cuyos trailers suelen ser un resumen de principio a fin, sin dejar nada nuevo que contar al espectador que se gastará un dinero en la entrada. Gracias a este secretismo descubrimos, a medida que avanza la película y no antes, las conexiones que tiene con su primera parte.

Todo ello consigue que Paranormal activity 2 sea una buena secuela, aunque en ningún momento llega a superar la primera película. Pero sí logra hacer que se caguen de miedo aquellas personas sensibles a lo paranormal, tal y como lo hace un programa de Iker Jimenez.

Lluís Alba

Louise·Michel

2010-10-20T20:25:00.001+02:00

Curiosa película de comedia negra, en la que pululan una serie de personajes surrealistas. Hilvanando momentos delirantes como si de un programa de Muchachada Nui se tratara.

Igual que en los programas de Joaquín Reyes, no todo causa la misma gracia, ni a todos causa gracia, y cuesta digerir de un tirón. Pero sus altibajos no son nada comparado con la expectación ante la siguiente idea que se les puede ocurrir a los responsables de la peli. Empezando con la negra premisa de 20 mujeres despedidas por el cierre de una fábrica, que deciden juntar sus finiquitos para contratar a un asesino que mate al patrón.

Bajo la crítica de las grandes multinacionales en las que nadie sabe quién es el jefe, ni mucho menos dónde está, la película se convierte en una road-movie europea absurda en la búsqueda de alguien a quién matar. Por el camino se tocan todos los temas tabú de la sociedad occidental: se hace humor del cáncer y de otras enfermedades terminales, del atentado de las Torres gemelas, de Jesucristo, de los ecologistas, incluso hay una escena en las que se asesina a un bebé para que se calle. ¡Menos mal que Jordi Basté y Concha García Campoy no se han enterado!

No es una película fácil de digerir, en ocasiones causa risa por los gags ingeniosos, a veces por ver algo tan absurdo y sin sentido. Por cierto, si os decidís a verla y os gusta lo suficiente para aguantar hasta el final, merece la pena esperar para ver una última escena tras los créditos.

Lluís Alba

La red social

2010-10-20T20:21:00.000+02:00

Como en Zodiac, David Fincher vuelve a rodar una peli basada en hechos reales. Si en el biopic de Robert Graysmith, las secuencias de diálogos prevalecían sobre las de acción, en La red social, todavía predominan más. Algo normal si tenemos en cuenta que el guión es de Aaron Sorkin, uno de los responsables de El ala oeste de la Casa blanca.

Sin llegar al nivel de In the loop, la velocidad de los diálogos hace que cueste entrar en el ritmo frenético de la película. Sobre todo en el arranque inicial en el que se muestra la ruptura amorosa de Mark Zuckerberg a la par que nos explican su problema de concentración mediante una conversación imposible que contiene dos temas al mismo tiempo.

Como en todo biopic norteamericano, tiene que haber una historia de amor como hilo argumental y, en esta película, se usa como excusa una casual ruptura amorosa como la causante del origen del Facebook. Algo que va bien para enfatizar el carácter de Mark Zuckerberg y conseguir una efectiva escena final que resume todo lo visto.

No sé hasta que punto es verdad, pero resulta curioso ver que en el entorno de estos “nerds” (y no frikis como se pretende traducir erróneamente) no hay ni una persona normal. Zuckerberg se nos muestra como un rencoroso vengativo, Eduardo Saverin el co-creador de Facebook tiene problemas de celos que acaban por volverse en su contra a través de una novia más enfermiza con unos celos que acaban transformándose en una conducta compulsiva agresiva (si es que esto significa algo) y, Sean Parker, el creador de Napster, es un paranoico obsesionado con estar espiado a todas horas por la industria musical.

Aunque no sea una película aparentemente hecha para mostrar grandes alardes visuales ni efectos digitales, Fincher no puede dejar escapar la ocasión de marcarse una escena a ritmo de (su etapa de) videoclip durante una competición de regatas. En la que intervienen los gemelos Winklevoss (demandantes de Zuckerberg y participantes olímpicos en Pekín), ocasión que aprovecha Fincher para marcarse otro reto digital y convertir a un solo actor en dos personajes que aparecen juntos durante toda la película.

El libro en el que se basa la película no parece decantarse por ninguna de las personas que entraron en litigio por la creación del Facebook. Pues aunque Zuckerberg acaba pagando indemnizaciones a sus demandantes, se hace de forma amistosa para no alargar un proceso. Total, ¿Qué son 65 millones de dólares para alguien que posee una empresa con valor de 25.000 millones?

Lluís Alba

A serbian film

2010-10-20T20:05:00.001+02:00

Es una película.

Lo escribo por si a alguien no le quedó claro, por si alguien no sabe diferenciar realidad y ficción.

Como cada cierto tiempo, aparece una película de tales características: Saló o los 120 días de Sodoma, Holocausto caníbal o la más reciente Martyrs. Todas ellas tan diferentes entre sí.

A serbian film parece dar un paso más allá, pues trata explícitamente un tema tan tabú como el de la pederastia. La película es una provocación frente a todos los que opinarán en su contra, sin diferenciar realidad y ficción. Eso parece querernos decir su director con la solución narrativa para mostrar las escenas gore, siempre a través de flashbacks o a de filmaciones dentro de la misma película. Las únicas muertes que aparecen en la línea narrativa principal, ocurren fuera de plano.

Es una película que busca ser desagradable desde su interior hasta lo que se diga en el exterior. Estéticamente sucia, desde su fotografía, pasando por sus personajes (el protagonista va mal afeitado, tiene el pelo grasiento usa ropa sucia y arrugada), la música aparece para molestar y crear mal rollo en nuestros cerebros.

Probablemente haya que relacionarla con el contexto del país en el que está realizada. Con una guerra tan reciente, en la que debieron suceder atrocidades de la magnitud representada en la película.

Lluís Alba

Monsters

2010-10-20T20:03:00.001+02:00

Con la premisa fantástica de una invasión alienígena de monstruos gigantes como telón de fondo, la película narra las vicisitudes de un par de norteamericanos que deben atravesar la zona infectada de alienígenas para regresar desde México a su país natal.

Puede suponer una decepción a quién espera una película de ciencia ficción al uso, pero una vez alejados dichos prejuicios se puede vislumbrar una interesante película sobre la incomunicación entre las parejas, entre las personas de distintos países, crítica a la política de inmigración y, con unos alienígenas primitivos que les (nos) enseñarán a amar.

Lluís Alba

Amphibious 3D

2010-10-20T20:02:00.002+02:00

Película total de serie B, pero no de la actual si no de la que se hacía hace 30 años.

Quizás por ello me ha encantado retrotraerme a mi infancia en las sesiones matinales del Centre Parroquial d’Horta, en la que nos tragábamos sesiones dobles que podían mezclar sin orden ni concierto películas de Jackie Chan, Bud Spencer y Terence Hill, Star wars, El planeta de los simios, dibujos clásicos de Disney, Star trek, los hermanos Marx, películas japonesas de monstruos o producciones españolas de serie B como Serpiente de mar de Amando de Ossorio.

En Amphibious 3D tenemos una pequeña historia de ¡atención! un escorpión gigante que sale del mar de Sumatra. Mezclamos la esclavitud de niños indonesios en una plataforma de pesca y ya tenemos película. El 3D no deja de ser mero artificio en toda la historia, salvo por el plano final de la película en la que Brian Yuzna se marca un efectivo momento imposible de recrear sin una sala llena de gente con gafas estereoscópicas.

Lluís Alba

Outrage

2010-10-20T20:01:00.002+02:00

El retorno de Kitano al cine de yakuzas, tras un par de películas surrealistas que le tuvieron ocupado en una búsqueda interior de personalidad y creatividad.

La relación que presenta entre los diferentes clanes mafiosos, no deja de ser un paralelismo violento de las puñaladas que ocurren en las grandes (y no tan grandes) empresas. Engaños, torturas, asesinatos y más asesinatos nos muestra lo que se debe hacer para escalar posiciones.

No deja de haber cierta auto-referencia con la situación actual de Kitano, pues su personaje siempre acata las órdenes del jefe más poderoso sin rechistar para acabar apartado del clan. Algo así debió sentir cuando tenía éxito con sus películas de yakuzas y el rechazo posterior por sus obras más personales.

Lluís Alba

Insidious

2010-10-20T20:00:00.002+02:00

Insidious es la visión del director de Saw a partir de mezclar los conceptos de Poltergeist y Paranormal activity. Como dijo en Sitges el propio James Wan, es un homenaje a las películas de terror de los 80.

Tiene un primer tramo que engancha, lleno de truquitos para asustar más que dignos y un guión que va soltando información a cuentagotas para que la historia evolucione y mantenga el interés del público. Una pequeña dosis de comedia (a partir de la introducción de dos parapsicólogos en la casa) separa la película para llegar a una parte final montada a base de viajes astrales que marcan la diferencia con el realismo de Poltergeist.

Una película entretenida de terror, mucho más cercana a Silencio desde el mal que a Saw o a Sentencia de muerte.

Lluís Alba

Vanishing on 7th street

2010-10-20T19:58:00.001+02:00

Al finalizar el pase de la película, con el director Brad Anderson en la sala, tuve la sensación de que el público aplaudió por pena. De no estar Anderson, me temo que se hubiese escuchado una sonora pitada en contra de la película. Pues de un director reputado, con películas como Session 9 o El maquinista y responsable de un buen número de capítulos de Fringe, se espera algo mejor.

Una buena premisa, basada en el miedo a la oscuridad, en la que todos los habitantes de una ciudad desaparecen menos los que se encuentran bajo un foco de luz, se va diluyendo en una repetición de situaciones, de incoherencias ininteligibles y, lo peor, aburrimiento y hastío por parte del público. Esta película viene a ser como El incidente de Shyamalan, una idea cojonuda que acaba destruyéndose por el ego de su creador.

Otros directores de género como Jaume Balagueró, ya usaron la oscuridad como personaje principal. Darkness supuso que me negara a ver jamás una peli de Balagueró (hasta que la insistencia de todo el mundo por REC me hizo rectificar). Con Anderson trataré de no cometer el mismo error, aunque costará que me anime a volver al cine por su reclamo.

Lluís Alba

Dream home

2010-10-20T19:57:00.001+02:00

La respuesta gore a la burbuja inmobiliaria nos viene desde China. Con una película sobre una psicópata que organiza una matanza para poder devaluar el precio de la vivienda que desea comprar.

Una interesante estructura narrativa, que combina dos líneas temporales. Una a tiempo real y otra, montada a base de flashbacks que, cual capítulo de Perdidos, nos revela las motivaciones sangrientas de la protagonista.

No falta el espectáculo gore, con extirpaciones de ojos, intestinos colgando, sangre mezclada con sexo y una búsqueda original del asesinato que cumple las delicias del agradecido público de Sitges.

Lluís Alba

Woochi

2010-10-20T19:55:00.001+02:00

Película coreana que combina con éxito fantasía, acción, humor y romance. Lo más parecido que he visto a, la ya clásica, Una historia china de fantasmas.

Son más de dos horas de peli a un ritmo frenético, con saltos temporales en la historia y en la narración. Escenas mostradas desde dos puntos de vista, diálogos, situaciones y personajes divertidos. No es que sea demasiado original, pues toma elementos tan populares como la saga Matrix y su conocida secuencia de la autopista, pero sabe mezclarlo para ofrecernos un producto original y divertido.

Una cartelera como la española dominada por el cine norteamericano, dificulta la presencia de cine de calidad de otros países. Lo poco que nos llega debe ser seleccionado por las pequeñas distribuidoras que deben escoger entre lo mejor que pueden, por lo que la llegada a nuestra cartelera de directores reputados coreanos como Bong Joon-ho, Park Chan-wok o Kim Ki-duk, parece asegurada. Así que, cuando en un festival como Sitges vean aparecer una cinta coreana, no lo duden, la calidad está asegurada.

Lluís Alba

Colorful

2010-10-20T19:53:00.001+02:00

Curtido como director en las películas de Shin Chan, Keiichi Hara presenta con Colorful su segunda película alejada del popular personaje.

Se trata de un anime distinto al estereotipo habitual de la animación japonesa. No tanto formalmente; pues el estilo de dibujo, la animación y la ambientación en un instituto de secundaria es de lo más habitual; si no más bien en un tratamiento adulto y sin tapujos del argumento.

A partir de una premisa tan manida como la de El cielo puede esperar, vemos como un recién fallecido debe volver a la vida en el cuerpo de otra persona que se ha intentado suicidar. Esto nos servirá para analizar las relaciones (familiares y de amistades) de un joven japonés de hoy en día. Por lo que sorprende ver una película más bien intimista, que nos habla de la ausencia de diálogo entre personas que viven bajo un mismo techo, del consumismo adolescente o del aislamiento social.

Lluís Alba

The ward

2010-10-20T19:51:00.000+02:00

Nueve años separan The ward de Fantasmas de Marte, la última película de John Carpenter. Parecen excesivos, solamente justificados por su implicación en la serie Masters of horror y por rumores sobre una enfermedad.

Esta larga espera es la causante de la gran expectación por el regreso del maestro. A primera vista, lo más alarmante es que se haya dignado a dirigir un guión tan sobado que podría estar escrito un ordenador programado para tal fin.

John Carpenter otorga dignidad al producto: presenta bien a los personajes, hace creíble la historia, combina bien los recursos de terror explícito con el psicológico y crea un ritmo in crescendo que capta nuestra atención.

Una de las características del cine de serie B es su expresa falta de originalidad, lo que justifica que Carpenter haya escogido este guión para volver a dirigir. Quizás nos quejemos por vicio y, la ausencia de referentes anteriores en nuestra infancia, conseguía que la serie B nos resultara original. Ahora nos ocurre lo contrario, vivimos en tal abundancia de pelis con finales sorpresa que, paradójicamente, ya no sorprenden.

Lluís Alba

Wall street: El dinero nunca duerme

2010-10-14T20:33:00.001+02:00

Lo primero que le viene a uno a la cabeza cuando escucha que Oliver Stone va a realizar una secuela de su mayor éxito comercial, Wall street, 23 años después, es que se trata de un director en horas bajas que se aferra al recuerdo de un pasado glorioso para resurgir. Un caso similar, si se me permite comparar a ambos directores, al que sucedió con Kevin Smith y Clerks 2.

Sus documentales sobre mandatarios de la izquierda en America latina, le han servido para complicar más las cosas en la búsqueda de financiación en los EEUU. Su última película de ficción, W. (biografía de George W. Bush) apenas contó con capital norteamericano, y se estrenó a toda prisa para coincidir con las últimas elecciones de su país. En España, apenas se ha podido ver en algunos pases televisivos a horas intempestivas.

Pues, a pesar de todo lo que se pueda pensar, la verdadera razón de realizar este proyecto, no parte de ningún (posible) mal momento de Oliver Stone, si no de un encargo de la Fox que, en 2006 ya trató de realizar sin éxito esta secuela. Si en ese momento, Stone, no parecía entusiasmado con el proyecto, la actual crisis financiera parecía un escenario perfecto para volver a dar vida a uno de los villanos clave de la década de los 80, Gordon Gekko.

Sin embargo la crisis sólo es un telón de fondo sobre el que se sustenta una película más centrada en las relaciones familiares de los protagonistas. La relación de Gekko con su hija y con el prometido de esta. La relación del prometido con su madre, su mentor en Wall Street y con quién le traicionó. Ubicar la historia en Wall street no es más que un escenario y no requiere ningún conocimiento previo de economía para seguir la historia personal de la familia Gekko.

Un guión bien estructurado (para los estándares hollywoodienses), y la siempre magistral narración de Stone, cuenta con la ayuda de unos extraordinarios actores, si bien la maestría de Frank Langella y Michael Douglas ya estaba más que demostrada, sorprende ver a Shia LaBeouf (en un papel alejado de sus habituales correrías en Transformers) ganarse con solvencia el crédito de hasta el mayor de sus detractores. Lo único que traiciona a la película es un final demasiado blando que resta credibilidad a lo que uno se espera de un cabrón como Gekko.

Lluís Alba

Machete

2010-10-08T18:14:00.002+02:00

El éxito combinado de crítica y público cosechado por Planet terror no suele ser algo habitual, y mucho menos, en un cineasta como Robert Rodriguez, quién parece vivir siempre a la sombra de Tarantino. Por lo que, tras su habitual alternación con el cine infantil, su siguiente película ha vuelto a tomar las riendas del estilo que encontró con su parte del proyecto Grindhouse. Y que mejor manera de adentrarse nuevamente en dicha tarea que coger su falso trailer de Machete y hacerlo realidad.

Sin ser tan redonda como Planet terror, Machete continúa con el homenaje visual a las sesiones dobles de los 70, mismos guiños a celuloide gastado con ausencia de fotogramas, guión supeditado a sus secuencias de acción y humor sangriento de brochazo gordo.

Tanto el trailer, como el grandioso prólogo del film (que resume en unos minutos todo lo que Rodriguez nos quiere mostrar), están por encima del mismo. Pues el caótico y reiterativo argumento consigue que el espectador se evada demasiadas veces de la película, en lugar de lograr un entretenimiento sin pausa para evadirse del triste mundo que le espera fuera una vez se abran las puertas del cine y sea expulsado de la sala para recordarle amargamente que los últimos 105 minutos de su vida no eran más que una fantasía.

Pero las bizarradas que presenta el film son tantas que cualquier recuerdo del film será más disfrutable que el rato pasado en la sala viendo la película. Pues todos comentaremos a nuestros colegas que es impagable ver a Danny Trejo, cuál atractivo James Bond, tirándose a Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Lindsay Lohan y su madre. O el atrevimiento de Robert Rodriguez por proponer unos papeles autoparódicos a Robert De Niro, Steven Seagal, Don Johnson y, por supuesto, Lindsay Lohan.

Para comprobar si nuestro recuerdo mejora la peli, no dudaremos en comprarnos el DVD o el Blu-ray para volver evidenciar que cualquier recuerdo subjetivo de nuestra memoria siempre será mejor que la realidad.

Lluís Alba

Astro boy

2010-09-30T20:00:00.001+02:00

Producción estadounidense que adapta el personaje más icónico de la historia del manga y anime. No en vano, su creador, Osamu Tezuka es considerado padre del cómic japonés. La relación entre el personaje y los EEUU no es nueva, pues la imagen de Astro boy fue creada por Tezuka, basándose en la de Mickey Mouse. Posteriormente la empresa fundada por Walt Disney le devolvería la jugada robándole su personaje Kimba para la película El rey león.

El nivel de animación denota que la producción no tiene el presupuesto de las recientes películas de Dreamworks o Pixar, pero, afortunadamente, mantiene el espíritu de entretenimiento de esta última. Por lo que se convierte en una perfecta película de aventuras, rica en variaciones y entretenida tanto para niños (cuyo humor infantil delata cuál es el target principal de la película) como para mayores.

El bajo nivel de críticas llegadas desde el otro lado del Atlántico han provocado que nos llegue con casi un año de retraso y bajo el amparo de la distribuidora española DeAPlaneta. Un claro ejemplo que delata el poco caso que se debe hacer a los críticos de cine.

Lluís Alba

Carancho

2010-09-30T19:56:00.000+02:00

Pablo Trapero continúa en su estilo semi-documental con el acercamiento a la figura del Carancho. En Argentina, reciben el nombre de ese ave rapaz (similar a un buitre), aquellos que se dedican aprovecharse de los accidentes automovilísticos.

Ricardo Darín, con su solvencia habitual, encarna a un maduro abogado que perdió su licencia y debe trabajar para un buffet de abogados que se dedica a estafar a la gente y sacarles la indemnización de sus accidentes. Como en El bonaerense, en el que retrataba la corrupción de la policía de Buenos Aires, aquí ofrece la denuncia de estos personajes, así como su colaboración con el resto de personal relacionado con los accidentes automovilísticos: enfermeros, médicos y conductores de ambulancia.

Entre primerísimo y primerísimo plano, Pablo Trapero, cámara en mano, tiene tiempo para incluir una historia de amor entre el personaje de Ricardo Darín y el de Martina Gusman (su musa, su esposa). Narrada en dos capítulos, vemos como estos personajes éticamente opuestos acaban encontrándose en su soledad.

Aunque el final quede algo atropellado por la búsqueda de un impacto (con frivolité visual narrativa incluida), no empaña el conjunto del siempre interesante director argentino.

Lluís Alba

El gran Vázquez

2010-09-30T19:52:00.002+02:00

Óscar Aibar y Santiago Segura, antes que cineastas fueron fans y creadores de cómics. Sólo así se entiende que se haya llevado a cabo un proyecto tan poco popular (ironías de la vida, al hablar de un autor de cómics) como la vida de Manuel Vázquez.

Conocido sobre todo por sus personajes de la etapa Bruguera: Las hermanas Gilda; Anacleto, agente secreto; Angelito, La abuelita Paz, La familia Cebolleta y, Los cuentos del tío Vázquez. La película narra la época que tuvo que vivir bajo el yugo de la esclavitud de una editorial de cómics de estructura franquista. Nada que objetar, era la época en la que le tocó vivir, lo triste de la historia de España es que 35 años después de la muerte del dictador, muchas empresas (como El corte inglés, por poner un ejemplo al azar) sigan igual.

Lo admirable de la película es la plasmación de la lucha eterna entre una persona idealista y su anquilosado entorno. Mezclando realidad y ficción, vemos el día a día de Vázquez, que vive sin pagar por nada, sableando dinero a Bruguera, casándose que diversas mujeres, teniendo varios hijos, huyendo de acreedores y de la policía. Aunque no menos ladrones fueron los mandamases de Bruguera, que obligaban a sus creadores de historietas a renegar sobre cualquier derecho de la obra.

Mientras Vázquez entra y sale de la editorial, vemos al resto de dibujantes aplicadamente dibujando en pupitres, cuál galera de esclavos de la época romana. En la que se puede reconocer a profesionales como Raf, Purita Campos (de la que se hace hincapié su bajo sueldo solo por el hecho de ser mujer), Jaume Rovira o Francisco Ibáñez. La ascensión en la fama de este último se utiliza como contrapunto en la decadencia de Vázquez en Bruguera.

Se podrá decir que el retrato de la época no es fiel, que la biografía de Vázquez esté mezclada con su leyenda, incluso que cueste dejar de ver a Torrente en este personaje (pero ese es un mal que, para bien de Segura, siempre le perseguirá). Pero esto es una película, que rinde homenaje a uno de los grandes de la historieta de España. Uno de esos profesionales que la incultura de nuestro país, logra que no tenga el reconocimiento merecido. Por suerte están Óscar Aibar y Santiago Segura para enmendar tal agravio.

Lluís Alba

El americano

2010-09-23T18:59:00.001+02:00

El fotógrafo y director de videoclips Anton Corbijn saltó al cine para dirigir Control, película que adaptaba el libro de Deborah Curtis, viuda de Ian Curtis, vocalista de Joy Division. Anton e Ian se conocieron cuando este rodó varios videoclips de la banda y su salto al cine se hizo de forma natural, como un tributo a la amistad que ambos profesaban. Así pues, El americano es su primera película sin relación aparente con sus anteriores profesiones, salvo que tengamos en cuenta que el personaje de George Clooney se hace pasar por fotógrafo.

Como en su primer film, también El americano está basado en un libro, A very private gentleman de Martin Booth, cuyos derechos llevaban años pululando entre diferentes pequeñas productoras hasta que Anton Corbijn pudo tomar las riendas del film. Por suerte o desgracia, Booth no podrá ver la adaptación de su obra, pues murió, esta vez sí, solamente por desgracia, en 2008.

Digo por suerte o desgracia porque tras ver la película cuesta definir una única opinión positiva o negativa. Mi primera impresión sería decir que cuenta con un apático guión que contrasta con la estudiada dirección de Corbijn y la, siempre solvente, interpretación de Clooney. Sin embargo, hay tantas inverosimilitudes en el guión que parece imposible creer que esto lo haya escrito un guionista profesional a no ser que fueran pretendidas explícitamente. Situaciones como la de que un asesino a sueldo americano vaya a “pasar desapercibido” a una pequeña población italiana, o que los tiroteos a media noche no alerten a los vecinos ni los cadáveres requieran investigación alguna por la policía.

Para disfrutar de esta película lo mejor es verla como el clásico western donde un forastero es siempre abordado por un turbulento pasado que le impedirá tener una vida apacible. Las referencias explícitas a las películas de Sergio Leone, parecen querernos recordar que los spaghetti western se rodaban en Italia (además de en Almería) a pesar de transcurrir en un pasado reciente de los EEUU. El americano obvia esto último, y tanto el rodaje como la ficción ocurren en Italia en pleno siglo XXI.

Lluís Alba

Spider-man: diario de Peter Parker

2010-09-16T18:44:00.002+02:00

Un nuevo libro sobre cronología de superhéroes editado por Alberto Santos Editor. Esta vez le toca el turno a Spider-man. ¿Cómo? ¿Este libro no lo había escrito ya Julián M. Clemente? Sí y no.

El libro de Julián era una cronología editorial, dónde podíamos saber qué número USA correspondía con las diversas ediciones españolas. Algo muy útil para los coleccionistas empedernidos. Mientras que este es un resumen de todos y cada uno de los cómics en los que aparece Spiderman desde los inicios hasta 1990 (Amazing Spider-man 339).

No sólo tiene que resumir todas las colecciones arácnidas, si no todos los crossovers y apariciones del trepamuros en el vasto universo Marvel. Lo cual abarca más de 1.000 cómics ordenados cronológicamente.

Dividido en 10 capítulos, ordenados por la edad que debería tener Peter Parker en los comics. Empezando por un primer capítulo que va desde antes del nacimiento hasta los 15 años. Avanzando año a año, hasta que el bueno de Peter cumple los 24.

Seguramente es un libro válido sólo para los coleccionistas de cómics. Aunque no necesariamente de los enfermos que tenemos todo lo publicado de Spider-man, si no también para los que tienen diversas etapas y pueden leer fácilmente los resúmenes de lo que pasa entre un número y otro.

Un libro que debería ser enviado a todos los guionistas del cabeza de red (creo que ya he usado todos sus apodos), para que no tuvieran fallos de continuidad.

Según cuenta el propio Francesc Martínez en este libro la idea fue de Francisco Calderón, quién ha hecho una obra similar con Conan, el bárbaro. Francesc Martínez se puso en contacto con él para ayudarle, pero al no disponer de tiempo suficiente, la tarea fue llevada a cabo finalmente por el propio Francesc.

El único inconveniente que le veo al libro es la portada ilustrada Pedro Delgado, no por ser una mala ilustración, si no porque el estilo de dibujo no tiene nada que ver con el de los cómics comentados en su interior. Lo cual hace perder una coherencia en el conjunto.

Pero no por ello voy a dejar de recomendar este libro, sólo de pensar en el curro que debe haber tenido ya estoy cansado. Así que todos los que coleccionáis cómics de Spidey (ups, me faltaba esta apodo), ya vais de cabeza a comprarlo. Y los que no... también, así en unos pocos (o muchos) días os hacéis una idea de lo que ha sido la historia de uno de los iconos más importantes del cómic.

Lluís Alba