dilluns, 29 d’octubre de 2007

TRAILER - Deseo, peligro

Estreno el 14 de diciembre


diumenge, 28 d’octubre de 2007

El sueño de Casandra


Nos dirijimos Álex y yo a una sesión nocturna del cine Icaria a ver la penúltima película de Woody Allen. Acostumbrado a ir a las matinales, me sorprendió un poco ver el llenazo del cine, así que conseguimos entrar por los pelos en la segunda fila. No me extraña que se llenara, pues era una de esas salas del tamaño del comedor de mi casa.

En los cines en versión original suele haber poca gente o ninguna comiendo palomitas, pero tuvimos la suerte de que las únicas personas que lo hacían se sentaron detrás nuestro. Seguramente podríamos haber debatido entre los dos si era necesario matarlos para poder ver la película con tranquilidad, y uno de los dos pensara que sí y otro que no... Pero antes de llegar a eso, empezó el film. Y nos encontramos que los dos protagonistas debían enfrentarse a un dilema similar.

Sin querer chafar el argumento a nadie, lo que puedo decir es que esta película es similar a Match Point. Pero en esta ocasión vemos los dos puntos de vista del asesino, con y sin remordimientos. Y cómo un mismo hecho afecta de manera tan profundamente dispar a dos hermanos que han vivido toda la vida juntos y en ambiente similar.

En Melinda y Melinda, Woody Allen nos dijo que una misma historia puede ser una comedia o una tragedia. Y posteriormente las tres películas que ha rodado en Inglaterra han sido tragedia, comedia y tragedia. Tres historias con varios puntos en común, en la que vemos a un asesino sin escrúpulos, que mata por la necesidad y conveniencia de hacerlo. Y esto es lo único que se le puede achacar a esta película, parece que esta historia ya nos la han contado varias veces.

Desde hace unos años siempre corre el rumor por el público en general de que la película de Woody Allen del momento es mala o mediocre. Una posibilidad es que siempre la comparen con sus obras maestras, y eso es poner el listón muy alto. No diré que esta es la mejor película de Woody Allen, pero sí que es una película muy por encima de la media. Seguramente, si fuera de un director desconocido, estaría mejor valorada incluso se rumorearía que podría optar a los Oscars.

La suerte que tiene Woody Allen es que cualquier actor va a querer trabajar con él, sólo por tener en el currículum que ha salido en una película suya. Así que pude permitirse el lujo de contar con dos actores protagonistas por mucho menos sueldo de lo que acostumbran a cobrar. Un Colin Farrell y Ewan McGregor que casi representan las dos máscaras de la comedia y la tragedia el teatro clásico. Uno siempre angustiado, amargado y con remordimientos; mientras que el otro es la expresión máxima de la vitalidad y la alegría. También destaco a Tom Wilkinson, actorazo que sabe cambiar de registro en un momento, como en la secuencia clave de la película donde pasa de hablar tranquilo y amable a enfadarse enérgicamente. Actuación similiar, pero en clave de comedia, que hizo el propio Allen en La maldición del escorpión de Jade o en Un final made in Hollywood.

Y finalizando este repaso a los actores que suele usar, siempre aparece alguna chica espectacular. En este caso nos descubre a una Hayley Atwell que quita el hipo. Un personaje que encarna una actriz de teatro. Y, en una secuencia, nos deja para la reflexión de cómo Woody Allen consigue a estas actrices, cuando Ewan McGregor le pregunta si se acostaría con un director para conseguir un papel.

Lluís Alba

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dijous, 25 d’octubre de 2007

TRAILER - El sueño de Casandra

Estreno 26 de septiembre


dimecres, 24 d’octubre de 2007

Un funeral de muerte


Frank Oz, director de este film, es un polifacético autor. Fue marionetista con Jim Henson, codirigió la peli de culto Cristal Oscuro, marionetista y voz de Yoda en toda la saga Star Wars etc... Pero su carrera en solitario como director ha ido dirigida hacia la comedia. Una comedia para la que están especialmente dotados los británicos.

Un funeral de muerte sería como un capítulo largo de Hotel Fawlty o Allo Allo! en la que una situación cotidiana va enredándose poco a poco hasta convertirse en un festival del humor.

Las teleseries de la BBC se caracterizaban por tener un personaje principal que se llevaba toda la gloria del capítulo, arropada por unos grandes personajes secundarios. Aquí notamos la ausencia de ese personaje principal histriónico, y tenemos a un hijo del difunto como soso personaje principal, correctamente interpretado por Matthew Macfadyen. Seguramente buscado para que el espectador medio se identifique con él (contra menos se define a un personaje, a más perosnas se puede parecer).
Así la película se sustenta en una serie de situaciones paralelas entre personajes secundarios.

Entre los secundarios tenemos a un Alan Tudyk, visto en la reivindicable serie Firefly, especialmente dotado para la comedia, bastante pasado de vueltas a causa de tomar unos alucinógenos accidentalmente.

Y otro de los personajes que se lleva la palma es la persona pequeña (eufemismo de enano) Peter Dinklage, que junto a los alucinógenos será lo que mueva todos los hilos que provocan que esto sea una comedia y no la situación cotidiana y dramática de un funeral.

A costa del veterano Peter Vaughan, nos llega el humor escatológico, pero correctamente comedido, sin llegar a los extremos de la época gloriosa de los Farrelly.

Lluís Alba

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The ugly swans


Atmósfera inquietante

The Ugly Swans (cuyo título original es Gadkie lebedi) es la última propuesta del director ruso Konstantin Lopushansky, autor poco conocido en nuestro país que cuenta en su haber con otras producciones de corte fantástico como Dead man’s letter o The museum visitor. La película en una de esas rarezas que difícilmente pueden encontrarse fuera de un festival de cine y que recompensan al espectador por su atrevida elección.

La historia, adaptación de la novela que los hermanos Arkadi y Boris Strugatsky escribieron en 1966, cuenta el viaje de Victor Banev, un escritor enviado por las Naciones Unidas a una sombría ciudad llamada Tashlinsk que ha sido tomada por unos seres mutantes. Su misión es investigar el caso junto con la comisión que le acompaña, pero Victor tiene otras motivaciones ya que, su hija, se encuentra en la ciudad retenida en una extraña escuela controlada por los mutantes. Allí enseñan a los niños del pueblo a menospreciar a los seres humanos en beneficio de una supuesta inteligencia superior.

Inquietante y opresiva la película debe gran parte de su aciertos a una puesta en escena cruda y desconcertante. El aire apocalíptico se respira desde la primera imagen en que vemos a Victor viajando en tren mientras mira por la ventana un bosque ardiendo. El único medio contra el fuego es un impotente camión de bomberos que nada puede hacer contra el fuego (en clara alusión a la limitada inteligencia del ser humano y su total menosprecio por la naturaleza). Es una puesta en escena austera pero de gran fuerza visual digna del maestro Tarkovski que marca el desarrollo de toda la película. La ciudad, Tashlinsk, esta inundada casi por completo debido a una incesante lluvia (no en vano los mutantes son llamados Los Acuáticos) y una luz roja tiñe los edificios y las calles que desprenden oxido y humedad.

El desarrollo de la película se debate entre las dos líneas antes mencionadas, el estudio de los extraños seres y la búsqueda de Ira, la hija de Victor. Es entonces cuando el argumento pierde un poco el rumbo y hace gala de una ambigüedad en la que el espectador no sabe donde agarrarse, nada grave pero hace que el relato deambule entre las dos tramas sin profundizar del todo en ninguna dando una sensación de historia incompleta. Sin embargo, la intensa secuencia final (que no explicaremos) equilibra parte de las dudas y se torna dramática e intensa y el sentido de la película queda brillantemente cerrado.


Alex Martínez Ruano

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Brave Story


Animación menor

Es duro comprobar que el esfuerzo y los recursos utilizados en Brave Story (que goza de una dirección artística y de animación excelentes) quedan tan drásticamente desaprovechados en una cinta como esta producción japonesa cuyo destino natural parece ser el DVD.

Brave Story es un conglomerado mal mezclado de diferentes sagas que todos conocemos. El argumento, un niño que ha de reunir unas piedras mágicas en un mundo de fantasía para recomponer su estabilidad familiar en el mundo real, suena a un pastiche resultante de combinar El mago de Oz con Bola de drac con La historia interminable con El señor de los anillos con El viaje de Chihiro. No en vano el fantasma de Miyazaki planea sobre Brave Story adoptando parte de sus temáticas habituales y confiriendo una personalidad a sus personajes similar a los del maestro japonés. Pero el resultado final es mucho más impreciso, más infantil, menos denso, sin carga de profundidad, una aventura que no transmite emoción y sí una profunda sensación de deja vú .

Aparte del tópico argumento observamos un guión acelerado y con fallos tremendos que consiguen por si solos distanciarte de la historia. Por ejemplo, Wataru, el protagonista, abandona a su madre en el hospital al principio de la película sin saber a ciencia cierta cual es su estado. Además durante el desarrollo de la película aparecen personajes completamente desdibujados cuya función en la historia es todavía hoy un misterio.

Es interesante también observar como los productos infantiles tienden a obviar cualquier ayuda por parte de los adultos, haciendo el papel habitualmente de obstáculos cuando no de abierto enemigo, y obligando así al protagonista niño a soportar todo el peso de la responsabilidad (como sucede también en Harry Potter).

La parte final de la película es quizá la más pesada y retórica de la función. Como sucede en algún que otro anime todo empieza a estallar sin mucho sentido y la moraleja de la película se repite de forma tan obscena que ríete tú de Disney. Eso sí, el 3D está muy bien integrado en el 2D.

Alex Martínez Ruano

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dilluns, 22 d’octubre de 2007

Josep Mauri. La dictadura de la raó



Desde el pasado 6 de octubre podeis ver en BTV (Barcelona TV) la serie: Josep Mauri, La dictadura de la raó.
Se emite todos los sábados a las 00:30h.
También podeis verla a través de internet:
http://www.xtvl.tv/do/programes/dictadura.html
Y seguir algunos trailers por aquí:
http://es.youtube.com/lospionerosdel2000

zumbarte

TRAILER - Persépolis

Estreno el 31 de octubre.


CLIP - Persépolis

Estreno el 31 de octubre


dissabte, 13 d’octubre de 2007

I'm a cyborg, but that's ok

Una vez finalizada la trilogía de la venganza, Park Chan-wook nos ofrece una película en el que el romance y la fantasía tiene mayor protagonismo.

Es la historia de una chica que se cree un cyborg y es internada en un psiquiátrico. Y vemos a los diferentes enfermos y cómo se relacionan entre ellos formando un interesante microcosmos. Algo parecido a Alguien voló sobre el nido del cuco.

La presentación de los personajes es genial. Nos la hace una enfermera mientras le va explicando quienes son cada uno a nuestra joven cyborg al hospital, para descubrir finalmente que la enfermera no es más que otra interna. Que se inventa historias, por lo que lo que nos ha explicado de ellos difiera un poco de la realidad.

Entre los personajes del hospital, encontrará a un joven con una máscara de cartón en forma de conejo que se dedica a ayudar a todos los de su alrededor. Y empezará una romántica historia entre los dos. Y cómo este es el único capaz de ayudar realmente a que nuestra cyborg sobreviva.

La película es entretenida y divierte a todo momento. Pues la serie de locos personajes y sus interrelaciones es también algo a destacar de la película. Con muchos momentos de risas y aplausos durante su proyección en El auditori de Sitges.

Cómo siempre, las películas de Park Chan-wook, son de las de más imaginación visual que podemos ver actualmente. Con unos créditos interactuando con los elementos que vemos en pantalla (¡El título del film se presenta dentro de la uña del dedo gordo del pie de la presunta cyborg!). Y con imágenes oníricas en la que la cyborg se nos presenta como tal y de sus dedos salen balas.

PARK CHAN-WOOK EN SITGES

Estuvo el director del film en la presentación de Sitges. Fue muy condescendiente con el festival. Dijo que esperaba terminar a tiempo su próxima película de vampiros, Bakjwi (Evil live), para poder presentarla en Sitges el próximo año. Que estaba muy orgulloso de venir a Sitges otra vez. Y para que viéramos la importancia que tiene este festival en Corea nos dijo que un director coreano de películas dramáticas quería hacer una película fantástica sólo para que le invitaran a venir a Sitges.

Lluís Alba

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Los cronocrímenes

Primer largo de Nacho Vigalondo. Nominado al Oscar por su divertido corto 7:35 de la mañana. Se había convertido en un icono popular en internet. Por Sitges circulaban camisetas de MONDO VIGALONDO.

Es una película sencilla. Con sólo 4 actores (y uno de ellos es el propio Vigalondo), rodada en pocos escenarios. Una historia de ciencia ficción sobre los viajes en el tiempo de Héctor (Karra Elejalde), personaje que va evolucionando, a la vez que el espectador, mientras descubre el argumento.

Cuesta un poco hablar de esta película sin desvelar nada. Aguanta bien el suspense y engancha a todo momento. Seguramente es demasiado sencilla (y no hablo de efectos especiales, ni escenas espectaculares) para los acostumbrados a ver películas o leer sobre ciencia ficción. Seguramente algo comedido para poder agradar a todo el público y no sólo a los 4 frikis que apreciaríamos más paradojas temporales y tramas complicadas bien hilvanadas.

Cómo gran acierto visual está el hombre con las vendas rosas. Destinado a ser un próximo icono popular entre los aficionados al género.
Incluso podemos verle los pechos a Bárbara Goenaga, una imagen en apariencia gratuita, pero que no lo es una vez descubrimos parte de la trama.

Un buen debut, con una película de ciencia ficción (poco habitual en España), esperemos que sea el inicio de una interesante carrera.

Nacho Vigalondo en Sitges

Nacho Vigalondo estuvo en la premier europea de la película en Sitges. Se le vio un tipo animado y excitado por la situación. Explicó con cierta ironía que está esperando a ver si alguna vez se estrena en España y acto seguido empezó a llamar uno por uno a todo el equipo a que subiera al escenario, alargando así la presentación de la película en un mar de aplausos. Estaba contento con el estreno y nos dejó la frase en agradecimiento al público: Siento que en la película no vayais a ver una imagen cómo la que estoy teniendo yo ahora.

Incluso tuvo un momento de participación freak. Al inicio de la película, el público iba aplaudiendo y jaleando la aparición de cada productora y nombre que salía en los créditos (con algún leve silbido a la comunidad de Madrid y al Ministerio de cultura de España). Y cuando salió Comunidad de Cantabria, fue el propio Vigalondo el que gritó y aplaudió más alto que nadie.

Lluís Alba

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Aachi y Ssipak

Película de dibujos animados Coreana.

Nos presenta una demencial historia en un futuro en el que se tiene que controlar los excrementos de la gente. A través de unas piruletas adictivas se crean unos mutantes que han perdido la capacidad de cagar y que, como yokis, sólo buscan chupar más y más piruletas. Un cyborg policía les dará caza. Mientras que los nombrados en el título Aachi y Ssipak son dos delincuentes que trafican con estas piruletas.

La película es bastante divertida, aunque algo difícil de seguir. También el estado en que la vi no era el mejor, y el cine Casino Prado de Sitges no sería el más cómodo para ver una película. Pues el ángulo visual de los subtítulos es bastante malo y sólo se pueden apreciar si no se sienta nadie delante, algo imposible en este festival.

Lo mejor es el concepto visual del film. Mezcla imágenes reales para las texturas de los fondos, con unos personajes totalmente caricaturizados. Así vemos personajes en apariencia 2 D en un escenario 3 D.

No sé si por parodiar, pero el diseño de personajes es poco original. El protagonista, es igual al pelirrojo de las gafas de los Rugrats. De hecho poco tiene que ver estos diseños con lo que tenemos acostumbrados del cine de animación oriental, se parecen más a lo s personajes underground del EEUU o a los diseños de Jaime Hewlett para Tank Girl o Gorrillaz. También encontramos motos iguales a las de Akira. Y un sinfín de parodias, sobretodo de los iconos populares estadounidenses. Mickey Mouse, Superman, Batman y Robin, Alien. Incluso hay una referencia a Misery.

Lluís Alba

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Glory to the filmmaker

Este film de Takeshi Kitano sigue, en la línea de su predecesora Takeshis’, reflexionando sobre su cine.

En esta ocasión nos topamos con la parte más humorística (y probablemente televisiva) de Kitano. Empieza con un chequeo médico de Kitano, o mejor dicho de su alter ego, una especie de muñeco hinchable que le acompañará durante todo el film, sustituyéndole en los momentos más embarazosos. Al salir de la consulta reflexionará junto con una voz en off sobre su cine y nos mostrará parodias de los géneros más populares en Japón.
Yasujiro Ozu, yakuzas, robots gigantes, románticas, de espadas, ciencia ficción, terror. Hasta llegar a un segmento en el que el propio Kitano es el protagonista y forma parte de una empresa que se dedica a repartir dinero para hacer el bien, mientras que un par de chicas insolventes (en apariencia madre e hija) intentarán casarse con él para poder vivir en un palacio que no existe.

Se ríe de sí mismo, diciendo que es tonto porque prometió no hacer más películas de yakuzas que eran un éxito y ahora no sabe que tipo de película hacer. Y, cuando hace una obra de encargo, cómo Zatoichi, se convierte en su mayor éxito. Algo que le dejó muy descolocado

La mayor parte del film es una serie de gags de humor absurdo (siguiendo más o menos un hilo argumental), en ocasiones parecido a Monty Phyton. Imágenes propias del manga, en el que las personas se caen al suelo cuando alguien suelta una parida u ocurre un hecho similar. Incluso parodia elementos fuera del cine, cómo el cabezazo de Zidane a Materazzi. Y lleva a la exageración chistes malos (al más puro estilo Mortadelo y Filemón) cómo en el que queda con unas chicas en el bar Arco del triunfo de Tokio y él se va al auténtico Arco del triunfo en París.

Entre las imágenes absurdas vemos efectos especiales hechos por ordenador, pero todo lo contrario a lo que vemos en el cine americano. Con efectos poco realistas, que se parecen más a la animación tradicional (otro punto en común con Monty Python). Algo parecido a lo que vemos en las propuestas más surrealistas de Takashi Miike.

Finalmente, Kitano aparece de nuevo en el médico tras su chequeo, y le pregunta al doctor que cómo se encuentra. Y este le responde mostrándole una radiografía de su cerebro en el que se aprecia una cámara partida por la mitad: -Está roto.

Así cómo Fellini y Woody Allen hicieron este tipo de ejercicio en un solo film, Kitano ya lleva dos explorándose a sí mismo. Esperemos que pronto se encuentre. Y si no seguiremos disfrutando de propuestas originales y divertidas como esta.

Lluís Alba

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Halloween

Halloween es otro de los enésimos remakes que se están haciendo de películas de Carpenter. Esta vez, por suerte, ha caído en manos de un director competente, Rob Zombie. Director de La casa de los 1000 cadáveres, que era una versión libre de La matanza de Texas.

La primera sorpresa de este Halloween es que el sentido del humor que aparecía en las precedentes películas de Rob Zombie brilla por su ausencia. Amplificando la parte más dura, sangrienta y cruel de una película de estas características.
Normalmente, en el festival de Sitges, cuando aparece la primera escena de un asesinato es aplaudida y jaleada por el público de la sala. Sin embargo, esta vez todo la sala se quedó en silencio ante la brutalidad de un joven Michael Myers matando sin piedad a su primera víctima.

La película empieza obviando la famosa banda sonora de Halloween, sustituyéndola por unas guitarras eléctricas. Primera muestra de que vamos a ver algo diferente. Así, primero nos encontramos con una especie de precuela de Halloween. Lo que Carpenter resume en pocos minutos, aquí dura más de media hora (no miré el reloj, así que esta cifra es aleatoria). Y nos muestra a un Michael Myers de 10 años que empieza matando a pequeños animales. Hasta el momento en el que aparece la música original de Carpenter, y sabemos que ya va a encargarse de su primera víctima humana.
También vemos parte de su terapia en el psiquiátrico con el dr. Loomis, esta vez encarnado por Malcolm McDowell. En este primer segmento, también explora en la obsesión por las máscaras de Michael Myers. Y podemos ver algunas máscaras originales para esta película. Cómo una de color naranja, parecida a la calabaza de Halooween.

El resto de peli ya es más parecida a la versión de Carpenter. En el papel de Laurie, esta vez tenemos a Scout Taylor-Compton, una especie de Lindsay Lohan. En esta parte es dónde se apreciaron los primeros aplausos por una muerte. En la escena en la que Michael Myers clava en una pared a una de sus víctimas con un cuchillo y también en la que Myers se disfraza con una sábana con las gafas de su víctima por encima de esta. Estas imágenes cogidas del original de Carpenter, tienen algo más de humor y originalidad. Algo que siempre aprecia el público friki del festival.

También hay que destacar en el film a los dos actores escogidos para hacer de Michael Myers. El niño de 10 años, Daeg Faerch, con un rostro característico y mirada de psicópata. Y Tyler Mane, no por su rostro, pues no se le ve. Si no por su presencia física, de más de 2 metros, algo que ya hace intimidar por sí solo. Recordemos que fue Dientes de sable en X-Men.

En definitiva, una versión mucho más dura que la original. Y, para mi gusto, espero que Rob Zombie explore más la faceta humorística (que se le daba muy bien) de La casa de los 1000 cadáveres o Los renegados del diablo.

Lluís Alba

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dissabte, 6 d’octubre de 2007

George Romero's Diary of the dead

Presentación en Sitges de la nueva película del maestro George A. Romero. A sus 67 años relanza la saga con un nuevo inicio ambientada en la actualidad. La era de la información multimedia y la comunicación inmediata.


Así no encontramos una continuación de sus saga comenzada en 1968 con La noche de los muertos vivientes. Es un nuevo comienzo, y vemos lo que pasaría hoy en día si de repente los muertos volvieran a la vida.


Y lo vemos a través de unas grabaciones que realizan esa noche unos estudiantes de cine. Mientras están rodando un film de terror para la universidad, los muertos empiezan a levantarse. Con lo que acabarán filmando realmente algo que sólo esperaban encontrar en ficción.


La película se nos muestra como si fuera el montaje de las grabaciones de las dos cámaras que llevan, junto con las aportaciones de otras cámaras que aparecen en nuestra vida cotidiana, el móvil, cámaras de vigilancia etc... Y se nos presenta cómo si fuera el film de un estudiante titulado Death of dead (Romero se cachondea de sí mismo con este título, algo muy sano).


Seguramente la idea no sea muy original, ya no lo era cuando se nos mostró en El proyecto de la bruja de Blair, y en este mismo festival podemos ver algo parecido con [REC]. Pero Romero sabe utilizarlo para crear una atmósfera de terror, sin olvidar nunca el sabor a los clásicos westerns que siempre han tenido sus obras sobre zombies. Cuidando a los personajes y dotándolos de entidad con sólo cuatro pinceladas.


Entre los protagonistas, se incluye un viejo profesor de la universidad que hace de contrapunto y aporta su experiencia. Primero con sus enseñanzas cinematográficas y después con su experiencia en la guerra. También tiene cierta afinidad con el alcohol, algo que nos trae a la memoria al clásico viejo pistolero de los westerns.


Cómo el mismo Romero nos ha dicho en la charla que ha tenido al finalizar el film, esta película quiere mostrar cómo es la sociedad hoy en día en contrapunto de cómo era en 1968. Antes uno tenía que esperar para ver una película a la hora y día que era programada en la tele, actualmente se puede ver cuando quieras, dónde quieras. En internet, en un móvil, en televisión etc... Esto se muestra en el film cómo las noticias de la tele engañan a la gente montando al revés unas imágenes de zombies, para parecer que es fácil derrotarlos. Pero los jóvenes estudiantes pueden colgar su vídeo en myspace y mostrar a la gente lo que realmente está sucediendo.


Con esto, Romero nos dice que es más fiable la información que aporta la gente anónima a través de los nuevos medios de comunicación, que la prensa oficial. Y nos lo muestra con una película de bajo presupuesto y actores desconocidos para que el mensaje sea más creíble.


La película también muestra una serie de secuencias de humor mezcladas con gore que han hecho las delicias del público y provocando su aplauso. El uso del desfibrilador en la cabeza de un zombie, el suicidio de un personaje apunto de convertirse en zombie con una guadaña o una clara referencia a la velocidad de los zombies en el remake de Zack Snyder.



Al finalizar el film, George A. Romero ha tenido la deferencia de contestar a las preguntas del público:

Con una altura considerable y andando lentamente cómo si fuera un zombie de sus películas, George A. Romero ha subido al escenario dónde se ha proyectado su film. Después de que una multitud de fotógrafos (oficiales y frikis aficionados) se retirase empezó un turno de preguntas con un traductor clónico a David Meca, que por el camino iba saltándose algunas palabras, haciendo más surrealista esta rueda de prensa con aficionados.


En resumen, Romero ha comentado que ha empezado de cero su obra de zombies, porque le interesaba contar cómo actuarían hoy en día más que seguir con la evolución de la historia en la que humanos y zombies convivían, y ya habían aprendido y evolucionado. Así que tiene intención de hacer una continuación de esta película más que retomar la historia de sus anteriores films. Y seguir haciéndolo con este bajo presupuesto.


Se le ha preguntado si la referencia en Diary of the dead sobre que los muertos deben andar lentamente iba por las películas de zombies actuales de 28 días después y 28 semanas después. A lo que Romero a dicho que estas películas no son de zombies, con el consiguiente aplauso y jaleo (de jalear, se entiende) del público. Y que realmente la referencia iba por el remake de Dawn of the dead que hizo Zack Snyder. Según él es un buen director, pero estos remakes no aportan nada nuevo al cine de zombies.

Seguidamente a esto ha dicho que él tampoco fue original cuando hizo La noche de los muertos vivientes. Pues copió la idea de la novela I am legend de Richard Matheson, aunque ahí mostraba el final de una catástrofe similar, en la que quedaba un solo hombre y el resto eran vampiros. Mientras que él mostró el inicio de esa catástrofe, cambiando los vampiros por zombies.


Finalmente una chica le ha preguntado que haría él si se encontrara en la situación de una de sus películas, rodeado de zombies. Romero se ha reído y ha dicho que realmente no sabría que haría, pero que lo último sería dispararse a si mismo en la cabeza.


También ha comentado que esta película la ha rodado en Toronto, en lugar de en Pensylvania dónde había rodado sus otros films de muertos vivientes porque ahora vive en la localidad canadiense y para rodar un film de bajo presupuesto era mejor no moverse de su lugar de residencia. Y ya no rueda en Pensylvania porque los productores que antes vivían ahí están todos en Nueva York.


Durante la entrevista hemos visto a un Romero muy agradable y divertido con la gente. Y si su mente estaba perfectamente lúcida, desgraciadamente hemos podido comprobar que para beber un vaso de agua necesita las dos manos para que no se le derrame. Este temblor y el hecho de su lento andar espero que no le cause muchos problemas de salud y pueda seguir rodando más films de zombies.


Lluís Alba


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dijous, 4 d’octubre de 2007