divendres, 28 de desembre de 2007

TRAILER - Monstruoso (Cloverfield)

Estreno el 1 de febrero de 2008


La búsqueda. El diario secreto

Una vez vista esta película dudo si se trataba de una secuela o de un remake. Pues prácticamente nos encontramos con lo mismo que su primera parte.

Es decir vemos a una mezcla de Robert Langdon e Indiana Jones, caracterizado por un Nicolas Cage con peluquín, en una especie de gincana por todo el mundo. En la que todo el metraje están buscando una pista que lleva a otra sin tiempo a parar ni para tomar un café.

Podrían decirle a Nicolas Cage que ser calvo no es tan malo, incluso hay muchos calvos jóvenes y sexys. Quizás siga llevando peluquín para poder aparentar la misma edad que las compañeras que le meten en sus películas, siempre 15 o 20 años más jóvenes que él.
Para equilibrar un poco las edades, está el personaje interpretado por Justin Bartha, que es una especie de Jar Jar Binks que le sirve de escudero fiel y ayudante resuelveenigmas.
En lo que a actores veteranos se refiere, esta secuela añade a un malísimo Ed Harris y a Helen Mirren como ex-esposa de John Voight. Que finalmente ayudan a hacernos felices durante el tiempo que vemos la peli y hacernos creer por unos momentos que todo lo bonito puede ser realidad.

Esta es una película que está hecha para pasar el rato, para verla sin pensar. Por eso obviamos algunos fallos (por la cara) de guión o la (extrema) facilidad con la que resuelven las pistas. Tanto podemos dejar de pensar, que si nos dormimos en el cine un rato, podemos seguir viendo la película sin perder el hilo.

Como todas las películas producidas por Jerry Bruckheimer encontramos acción sin parar, para tenernos entretenidos las 2 horas del film y evadirnos por unos momentos de una realidad que nunca resultará tan fácil y agradable como las aventuras de Nicolas Cage.

Lluís Alba

dissabte, 22 de desembre de 2007

Soy leyenda

Tercera versión cinematográfica de la novela de Richard Matheson. En la que el mismo personaje ha sido interpretado por actores tan dispares como Vincent Price, Charlton Heston y, ahora, Will Smith. Evolucionando (o involucionando) un personaje de maduro científico a joven militar (y científico también).

La novela y la primera versión cinematográfica sirvió como base para La noche de los muertos vivientes de George A. Romero. Cambiando a los infectados vampiros por muertos vivientes. En esta versión, son todo lo contrario a los cánones de muertos vivientes. Pues los albinos corren y saltan tanto o más que los zombies de El amanecer de los muertos. En esta ocasión las criaturas están hechas íntegramente por ordenador, algo que puede facilitar la realización de sus saltos acrobáticos, pero que evita que podamos relacionarlos con los seres humanos que fueron. Dudo que esta haya sido la mejor elección para representar a los infectados.


También pongo en duda la elección de Will Smith para el personaje principal, pues al no tener un director que sepa acotarlo a la justa medida del personaje, tiene alguna secuencia payasil absurda que nos recuerda que fue El príncipe de Bel Air, cuando interpreta “a capela” una canción de Bob Marley.


Hay una secuencia en la que Will Smith recita de memoria los diálogos de la película Shrek, que ha tenido que verla múltiples veces (algo incoherente con la historia, pues tiene un videoclub al que ha acudido a diario durante los 1.000 días que ha pasado sólo). Supongo que es un homenaje a todos los que vimos en Antena 3 más de 1.000 veces cada capítulo de El príncipe de Bel Air y éramos capaces de recitar los diálogos igual que hace Will con Shrek.


Otra de las cosas que perjudica a la película es el tufillo cristiano que la envuelve. Se aprecia en alguna secuencia de los flashbacks que nos ilustran cómo se separó Will Smith de su familia. Cómo de la aparición de un personaje que se convierte en una especie de mesías salvador. Sobretodo en la absurda secuencia final. Sin desvelar nada, sólo diré que un absurdo tatuaje de una mariposa que le recuerda a un juego con su hija es lo que provoca la resolución del film. Un final bastante innecesario.


Lo único que aporta esta nueva versión es la tecnología punta en efectos especiales y la secuencia en la que nos encontramos por primera vez a los infectados.


El resto tiene muchas similitudes formales con Constantine. Saltos desde un edificio con la cámara siguiendo la acción del que cae. Y en los FX de criaturas, estamos en las mismas, cambiando murciélagos por pájaros, demonios por infectados etc...

Lluís Alba

dijous, 20 de desembre de 2007

Lejos de ella

Después de una serie de cortos y trabajos para televisión, Sarah Polley debuta en el largo cinematográfico con una película atípica para un director joven.

La canadiense actriz musa de Isabel Coixet, nos presenta una historia sobre una matrimonio de avanzada edad Grant y Fiona, en la que ella es atacada por el alzheimer.

La historia parece la típica de un telefilm de un sábado por la tarde. Formalmente también parece un trabajo hecho para televisión. Pero eso sería quedarse solamente en la superficie, pues encontramos muchas diferencias entre un telefilm y Lejos de ella.

Para empezar, actuaciones creíbles. Tanto la pareja protagonista, como un Michael Murphy, interpretando sin hablar a Aubrey de alzheimer avanzado.
Una dirección artística muy cuidada, en la que vemos un contraste marcado entre la casa dónde viven Grant y Fiona, y la residencia. Mientras que en la casa vemos cantidad de objetos, el típico desorden de cualquier casa, colores oscuros etc... La residencia contrasta por estar todo en perfecto orden, colores claros y planos para las habitaciones.

Encontramos algunos flashbacks (pero no se trata de ninguna pirueta narrativa, la película tiene un desarrollo narrativo lineal) que nos muestran algunos momentos del pasado en el que Grant le fue infiel a Fiona en la época hippie. Ella le recuerda este hecho cuando van a ingresarla a la residencia, pero diciéndole que no le guarda ningún rencor. Al llegar a la residencia les informan que una de las normas es que el primer mes no podrá visitar a la paciente para que se acostumbre mejor. Lo que sigue con una despedida en la que Fiona le pide que le haga el amor y se vaya. Sí, esta es una película en la que se demuestra que puede haber sexo en la tercera edad.

Lo que ocurre en este mes no lo sabemos ni Grant ni el espectador. Y, al volver a la residencia, volemos con Grant a ver a su mujer. Y nos encontramos con que Fiona no recuerda a Grant y a empezado a tener una relación con Aubrey, un interno de Alzehimer avanzado que no habla ni puede caminar.

Fiona parece otra persona, para enfatizar eso también comienza a usar ropa que antes jamás se pondría. Y tanto Grant como nosotros estamos ante la duda si realmente se ha olvidado de él, o es una forma de venganza por el adulterio que sufrió en los 70.

Esta historia que hubiera sido mostrada como un drama de lágrima fácil, aquí incluso tiene algunos detalles de comedia: La ironía de Fiona cuando lee un libro sobre el alzehimer y cada línea le recuerda a su relación con Grant. O uno de los internos que había sido locutor deportivo, y va narrando todo lo que ocurre en la residencia.


Lluís Alba

diumenge, 25 de novembre de 2007

[·REC]

Desde que vi Darkness me sentí tan estafado que me negué a ver jamás una película de Jaume Balagueró. Y en estos tiempos en el que hay una sobredosis de películas de terror ni Frágiles, ni su telefilm Para entrar a vivir, creaban la suficiente expectativa para pensar que me estaba perdiendo algo imperdonable en la industria del cine de terror. Y sobre Paco Plaza no tengo nada que decir, pues esta es su primera película que veo.

Así cuando se anunció el estreno de REC en Sitges no tuve ningún motivo para ir a verla. Pero todos los comentarios, de aficionados y críticos, surgidos tras su pase en Sitges han creado una espectativa cada vez mayor y esperaba con ansia su estreno.

Así que la diferencia entre los que la vieron en Sitges y los que la hemos visto después radica entre la sorpresa de los que no saben que van a ver y los que esperamos ver una de las películas más revolucionarias del cine. Por lo tanto, vi una buena película, pero seguramente la hubiera gozado y vanagloriado más de haberla visto antes de que se hablara de ella.

No es que la idea de la película sea algo original, pero sí que resulta efectiva para crear la atmósfera claustrofóbica y barata de producir. Ya se hizo algo parecido en su momento con El proyecto de la bruja de Blair, y recientemente tenemos dos películas más que se aproximan a esta manera de presentar la película: Redacted y El diario de los muertos de George A. Romero.

No son películas iguales, pues REC sólo utiliza una cámara, mientras que las otras dos mezclan todo tipo de cámaras para reflejar el momento en el que vivimos en el que casi todo el rato estamos rodeados de cámaras, sean de seguridad, digitales, móviles etc... (que diría George Orwell si supiera que El gran hermano somos nosotros mismos). Pero dejo de divagar, pues este no es el tema de REC.

REC principalmente es una película de terror, aunque pueda haber cierta crítica a los programas de telerrealidad. Ofreciéndonos a una presentadora a la que odiamos desde el inicio. También puede verse en los momentos más cotidianos de la película en la que conocemos a los vecinos de la escalera, en la que van contando sus interioridades a la cámara, algo que parece una mezcla de El diario de Patricia y Escenas de matrimonio. Ofreciéndonos unos variopintos vecinos, desde Chinos, Argentino, Colombiana. (Curiosamente los chinos hablan en su idioma entre ellos, mientras que los catalanes lo hacen en castellano. Los productores deben creer que si hablarán en catalán asustarían demasiado al resto de españoles). Aunque para contrarrestar esta ausencia del catalán está la parte en que el culpable de todo lo que les ocurre en el edificio es de un madrileño.

Pero es no es más que la anécdota, esto es una película de terror que funciona perfectamente y nos adentra en una atracción de El túnel del terror, en la que no entendemos que pasa pero la cosa se va complicando cada vez más. Así nos adentramos junto a los personajes en un in crescendo de angustia y sustos. Hasta llegar a una parte final que queda algo forzada, al darnos una explicación de todo lo que ha sucedido, cuando ni el espectador ni el tipo de film lo pedía.

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Lluís Alba

dimecres, 21 de novembre de 2007

3 agujas

Con 2 años de retraso nos llega a las carteleras esta película compuesta por tres historias con el SIDA como hilo conductor.

Se estrenó en el festival de Toronto del 2005 con buena acogida por parte de la crítica. Su director, Thom Fitzgerald, nacido en Nueva Jersey pero afincado en Canadà, donde suele tener buenas críticas y cierto prestigio. Pero fuera de ahí su repercusión, es casi nula.

3 agujas es su película más conocida hasta el momento. Ha conseguido reunir a un reparto de caras conocidas gracias al tipo de proyecto. Pues han tenido que rebajar su caché para poder participar en el film: Chloë Sevigny (la musa indie por excelencia desde Kids), Lucy Liu, Shawn Ashmore (Bobby Drake en X-men), Olympia Dukakis, Sandra Oh (vista en la, primero, sobrevalorada y, después, vilipendiada Entre copas), Stockard Channing (inmortalizada para siempre por ser Rizzo en Grease).

Podría decirse que es similar a Babel, pues nos muestra un mundo globalizado, esta vez por una enfermedad mundial. Aunque aquí sus tres historias son independientes. Primero vemos la protagonizada por Lucy Liu en la China rural, dónde interpreta a una mujer embarazada que va comprando sangre por los pueblos. Y como una aguja infectada es la responsable del contagio masivo en uno de los poblados. Después está la historia protagonizada por Shawn Ashmore, en la que es un actor porno en Canadá afectado de SIDA y tiene que hacer trampas para pasar los controles. Y, finalmente, la protagonizada por Chloë Sevigny en Sudáfrica, una monja que se sacrifica para cuidar a niños y enfermos.

El gran mérito de esta película es volver a poner el SIDA en primer plano en los tiempos actuales. Una enfermedad de la que no se paraba de hablar en los 80, pero poco a poco a quedado diluida en los medios de comunicación, y casi parece que no exista. Por eso es importante que haya películas como esta, aunque, desgraciadamente, no tendrá una gran repercusión en el público en general al ser una película minoritaria, de las que la gente rehuye porque prefiere el cine como evasión y no como reflexión.

Lluís Alba

dimecres, 14 de novembre de 2007

Don Miki. Especial serie negra

Después de varios años sin publicarse en España vuelve la mítica colección Don Miki. Los que tenemos ya una edad la recordamos como una de las revistas de cómics que nos acompañaban a todas partes. Crecimos y aprendimos a amar el cómic con Don Miki.

Planeta DeAgostini en su búsqueda por seguir siendo uno de los estandartes de la publicación de cómics en España (después del duro golpe de quedarse sin Marvel), ha conseguido los derechos para la publicación de una línea Disney.

De momento empezarán por una serie de recopilatorios por temas. Leyendo este primer recopilatorio bajo la temática de serie negra, vemos que el nivel sigue siendo igual de bueno que cuando lo leía en los 80, buenas historias y buen dibujo. El que he cambiado he sido yo, pues ahora veo lo infantil que puede ser un cómic, sobretodo por sus chistes fáciles y bobalicones. Pero de eso se trata, es un cómic pensado para el público infantil. Por lo que es una excelente noticia que se publique en España, para que la generación de niños actual puede aficionarse al cómic con Don Miki.

También hay que agradecer a esta edición de Planeta, que no nos plante el cómic sin más. Hay varios artículos sobre los autores y de la línea editorial que piensan seguir. Algo que siempre favorece a que el lector se interese por seguir coleccionando.

Este número presenta cuatro historias hechas íntegramente en Italia, con guiones de Tito Faraci y dibujos de Giorgio Cavazzano, para las primeras tres historias y de su alumna, Silvia Ziche para la última.

Sobre el dibujo, hay poco que decir pues siguen ambos una misma línea al tener que hacer seguir el estilo Disney. En el caso de Giorgio Cavazzano se nota tanto que cuando dibuja los personajes creados en EEUU, como el propio Mickey Mouse, se nota que ha llegado a ser tan perfeccionista y hacerlo tan idéntico al estilo Disney, que contrasta mucho con el resto de personajes creados en Italia para la ocasión.

Para acabar comentaré que las cuatro historias que lleva son:
Anderville, protagonizada exclusivamente por Mickey Mouse, y la historia que más se asemeja al género negro.
La larga noche del comisario Cirílez y El inspector Cirílez al filo de la navaja. Son historias protagonizas por el inspector Cirílez y el resto de policías secundarios.
Y, la última, Mickey y el genio en la sombra que, a pesar del título, está protagonizada por Goofy.

Lluís Alba

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diumenge, 11 de novembre de 2007

Fascinación

Esta es una de las primeras películas que empezó a darle fama a Brian De Palma. Una fama como homenajeador o imitador de Hitchcok que empezaría con esta Obsession (título original).

Brian de Palma y Paul Schrader fueron juntos a ver Vertigo de Hitchcok. En una cena tras el visionado, pensaron que sería maravilloso rodar una película como esta. Así que tras hablar de unas ideas del argumento, Schrader hizo el guión en pocos días.

El título pensado para esta historia era Déjà Vu, pero pensaban que el público no entendería este concepto o que creerían que era una película francesa (con lo negativo que hubiera sido para su distribución en los EE.UU.)

Fascinación está protagonizada por Cliff Robertson (actualmente más conocido por ser el tío Ben en los Spiderman de Sam Raimi). Fue escogido por Brian de Palma porque daba esa imagen de protagonista clásico como lo eran los protagonistas de las películas de Hitchcok (Cary Grant, Gregory Peck, James Stewart...). Además de porque necesitaban a un actor conocido para poder vender la película, dado que entonces ni De Palma ni Schrader tenían la fama actual.

Para el resto de protagonistas se escogió a Geneviève Bujold por ser extranjera y tener un físico capaz de aparentar diversas edades. Mientras que para el papel del socio se escogió a un joven casi desconocido de la época: John Lithgow, a quien De Palma había conocido al verlo en una obra de teatro.

El director de fotografía de origen húngaro, Vilmos Zsigmond, comenta que la película usa todo el rato una luz difusa porque era el efecto que escogieron para las escenas del pasado. Y decidieron usarla (aunque menos acentuada) durante toda la película para que no se notara tanto el truco. Algo que le da al film un aspecto de estar viviendo un sueño.
En el film se nota las obsesiones de Brian De Palma de usar siempre la cámara en movimiento. Algo característico del director que le da un toque personal a sus películas, a pesar de que siempre se diga que son meras copias de Hitchcok. Estos movimientos los usa para no cortar planos y dar un aire más dinámico al film. Así en algunas escenas en las que hay un cara a cara de dos personas hablando la cámara se balancea lateralmente entre un personaje y otro, sin tener que cortar con el típico plano y contraplano.

Usa giros de cámara de 360º en un par de escenas para representar el paso del tiempo. Tanto en la secuencia del cementerio, en la que la cámara empieza mirando a Cliff Robertson mientras vemos las obras de la tumba, hasta que vuelve la cámara a él, y vemos que han pasado 15 años. Lo mismo se usa en una secuencia en la que Sandra está en la habitación de Elizabeth leyendo su diario. También está el giro de 360º en el plano final, aunque esta vez no es para enfatizar el paso del tiempo.

Otro de los recursos utilizados en el film es uno muy típico de Hitchcok, en el que la cámara hace un zoom mientras que esta se aleja hacia atrás. En una de las ocasiones es usada para cambiar la perspectiva de Sandra y verla en un picado para simular que es una niña en uno de los flashbacks.

La iglesia de San Miniato en Florencia, es uno de los iconos del film. Pues es ahí donde Michael (Cliff Robertson) conoció a Elizabeth y después a Sandra. Sin embargo no pudieron rodar más que en sus exteriores. Pues cuando ya tenían todos los permisos para rodar en el interior, alguien rodó una película porno en una iglesia italiana diciendo que iba a ser una película “normal”. Por lo que El Vaticano les denegó el permiso de rodaje. Finalmente De Palma encontró la iglesia de San Gimignano en un pueblo vecino, dónde pudo rodar los interiores.

Para la residencia de Michael, alquilaron la casa de una familia, los Favreau. Estaban muy contentos porque vinieran a rodar una película en su casa. Pero al pasar los días empezaron a preocuparse por si ensuciaban o malograban la casa. Como el rodaje se alargó algo más de lo pactado, no pudieron acabar las escenas interiores de la casa. Así que acabaron rodando en una vieja casa de Pasadena los interiores del piso de arriba.
Entre las escenas más conseguidas de la película está la de los flashbacks que vemos en la mente de Sandra. Hacia el final cuando es llevada a la fuerza por Robert (John Lithgow) a través de los pasillos del aeropuerto, con la cámara siempre en movimientos siguiendo a los dos personajes, De Palma aprovecha que el pasillo está lleno de ventanas, y entre ventana y ventana se produce la oscuridad por el contraluz. Así vemos como en una ventana es Robert, en la siguiente es el secuestrador de cuando Sandra era niña, después vuelve a ser Robert etc...

Del guión original hubo que cambiar varias cosas. Una de ellas fue para que se pudiera vender mejor el film, puesto que en el original padre e hija se acostaban juntos. Finalmente quedó como una escena de un sueño en la que no se sabe si es un recuerdo de Elizabeth o la propia Sandra la que está con Michael en la cama.

Otra de las cosas que se eliminó fue un tercer acto que ocurría unos años después. De Palma lo eliminó para que la película no durara casi tres horas, y también por influencia del autor de la música del film: Bernard Herrmann.

Bernard Herrmann, fue escogido personalmente por Brian De Palma. Mientras que el productor George Litto quería a un jovencito desconocido llamado John Williams. Por supuesto De Palma prefería a Herrmann por ser uno de los músicos que ha trabajado en más películas de Hitchcok. Cuya última obra antes de morir fue esta Fascinación.


Lluís Alba

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dilluns, 5 de novembre de 2007

Resident Evil: Extinction

Seguramente en uno de los peores cines de una gran capital es donde tuve la desgracia de ver Resident Evil: Extinction. Este cine es el multisalas de Los Arcos en Sevilla. Sala cutre, donde no apagan todas las luces necesarias, un público de lo más intolerante: no callan, contestan al móvil y se ponen ha hablar campechanamente. También hay quien come pipas haciendo todo el ruido posible para abrirlas. Incluso estaba el hermano de Farruquito en nuestra sala, por suerte no dejan entrar en coche al cine.

En esos momentos es cuando desearía tener los poderes de Milla Jovovich y enviarlos todos fuera para que nos dejaran ver la película tranquilamente.
Esta tercera entrega es entretenida, pero no aporta ninguna novedad. De hecho es un pastiche (bien hecho) de numerosas películas de culto: Los pájaros de Hitchcock, Mad Max, El día de los muertos. Incluso, hacia el final del film, podría tener algo en común con Alien Resurrection (aunque esta película no la catalogaría como “de culto”).

Todo debido a su guionista y creador de la saga cinematográfica, Paul W.S. Anderson (pareja de Milla Jovovich con un hijo a punto de nacer si no lo ha hecho ya) un fan del cine de género.
Russell Mulcahy (director de Los inmortales) firma esta tercera entrega. Por suerte es un director que tiene algo de gusto clásico y sabe filmar escenas de acción que se entienden. Situando esta película de acción muy por encima de otras contemporáneas.

Parece ser que a los fans del juego no le ha gustado algunos cambios con respecto a los personajes, pero eso es algo habitual en estas adaptaciones. Aparece como novedad el personaje de Claire Redfield (repitiendo por unos altavoces su nombre hasta la saciedad para que todos sepamos que sale en la película) interpretado por Ali Larter (Héroes, Destino final). Pero es un personaje que no aporta nada al film y tal como viene se va sin dejar huella.

En definitiva, es un film que se deja ver, sin demasiadas pretensiones (o eso creo...) y que permite pasar una hora y media entretenida. Con un final tan abierto como sus predecesoras, por lo que seguramente veamos una cuarta parte. Y si gusta, una quinta, sexta etc...


Lluís Alba

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INVASIÓN

No era mi intención ver este film, pues tal y como ha ido la historia de su creación, parecía que el resultado iba a ser tan desastroso como El exorcista: el comienzo. En resumen, Joel Silver, el productor de Matrix, contrata a Oliver Hirschbiegel (El experimento, El hundimiento) para que ruede un innecesario tercer remake de La invasión de los ladrones de cuerpos. Una vez visionado por algunos tipos de Warner, coleguitas y demás conejillos de indias, resulta no gustar a casi nadie. Por lo que llama a sus amigos, los hermanos Wachowski, para que le arreglen el film y estos lo ponen en manos de James McTeigue (director de la segunda unidad de la saga Matrix y director titular de V de Vendetta). Rodando nuevas escenas de acción y rehaciendo la mayor parte del film para darle más importancia al personaje de Daniel Craig.

Posiblemente algún día lleguemos a ver en DVD la versión original del film, y podremos comprobar su nivel. Pero de momento no nos queda más remedio que aguantarnos con esta.

Lo más positivo del visionado fue que en la sala del cine Nervión de Sevilla se exhibía una copia en digital, con una imagen de gran calidad y definición.

La película empieza bien (sin exagerar) pero va avanzando torpemente. Y sin saber exactamente que secuencias son de un director u otro, sí que se nota que están montadas con calzador. Se nota en alguna como en la que Nicole Kidman (que parece todo el rato un anuncio de la moda otoño de El corte inglés), se va de la embajada para intentar encontrar a su hijo, dejando a Daniel Craig y compañía esperándola. Después de pasar una serie de infortunios, regresa a la embajada y todos están en la misma situación que antes, como si apenas hubiesen pasado unos minutos.

Y poco a poco, la cosa se va desmadrando. Como en una secuencia que debería ser terrorífica, en la que Nicole es rodeada por unos extraterrestres en el supermercado. Pero se libra de ellos de una forma bastante ridícula y nada más huir a la calle se encuentra con un coche en marcha con las llaves puestas, para que se inicie una persecución por las calles de Washington que no venía a cuento.

Por desgracia toda la película carece de la tensión que debería crear una historia como esta. Tensión que sí tenían sus tres predecesoras. Y de las cuales siento especial predilección por la de Philip Kaufman, seguramente por la temprana edad en la que la vi por primera vez.

Lo único que tiene en común con las otras es la doble lectura. En la de Don Siegel, la amenza comunista. Philip Kaufman con el Watergate. Y Abel Ferrara con el sida. Esta nos aporta una comparación con los conflictos bélicos mundiales (en los que EEUU siempre tiene algo que ver), algo inherente en la condición humana. Una reflexión que se acentúa en una de las pocas secuencias que se salvan de la película, en una conversación de un diplomático ruso con Nicole Kidman.

Lluís Alba

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dilluns, 29 d’octubre de 2007

TRAILER - Deseo, peligro

Estreno el 14 de diciembre


diumenge, 28 d’octubre de 2007

El sueño de Casandra


Nos dirijimos Álex y yo a una sesión nocturna del cine Icaria a ver la penúltima película de Woody Allen. Acostumbrado a ir a las matinales, me sorprendió un poco ver el llenazo del cine, así que conseguimos entrar por los pelos en la segunda fila. No me extraña que se llenara, pues era una de esas salas del tamaño del comedor de mi casa.

En los cines en versión original suele haber poca gente o ninguna comiendo palomitas, pero tuvimos la suerte de que las únicas personas que lo hacían se sentaron detrás nuestro. Seguramente podríamos haber debatido entre los dos si era necesario matarlos para poder ver la película con tranquilidad, y uno de los dos pensara que sí y otro que no... Pero antes de llegar a eso, empezó el film. Y nos encontramos que los dos protagonistas debían enfrentarse a un dilema similar.

Sin querer chafar el argumento a nadie, lo que puedo decir es que esta película es similar a Match Point. Pero en esta ocasión vemos los dos puntos de vista del asesino, con y sin remordimientos. Y cómo un mismo hecho afecta de manera tan profundamente dispar a dos hermanos que han vivido toda la vida juntos y en ambiente similar.

En Melinda y Melinda, Woody Allen nos dijo que una misma historia puede ser una comedia o una tragedia. Y posteriormente las tres películas que ha rodado en Inglaterra han sido tragedia, comedia y tragedia. Tres historias con varios puntos en común, en la que vemos a un asesino sin escrúpulos, que mata por la necesidad y conveniencia de hacerlo. Y esto es lo único que se le puede achacar a esta película, parece que esta historia ya nos la han contado varias veces.

Desde hace unos años siempre corre el rumor por el público en general de que la película de Woody Allen del momento es mala o mediocre. Una posibilidad es que siempre la comparen con sus obras maestras, y eso es poner el listón muy alto. No diré que esta es la mejor película de Woody Allen, pero sí que es una película muy por encima de la media. Seguramente, si fuera de un director desconocido, estaría mejor valorada incluso se rumorearía que podría optar a los Oscars.

La suerte que tiene Woody Allen es que cualquier actor va a querer trabajar con él, sólo por tener en el currículum que ha salido en una película suya. Así que pude permitirse el lujo de contar con dos actores protagonistas por mucho menos sueldo de lo que acostumbran a cobrar. Un Colin Farrell y Ewan McGregor que casi representan las dos máscaras de la comedia y la tragedia el teatro clásico. Uno siempre angustiado, amargado y con remordimientos; mientras que el otro es la expresión máxima de la vitalidad y la alegría. También destaco a Tom Wilkinson, actorazo que sabe cambiar de registro en un momento, como en la secuencia clave de la película donde pasa de hablar tranquilo y amable a enfadarse enérgicamente. Actuación similiar, pero en clave de comedia, que hizo el propio Allen en La maldición del escorpión de Jade o en Un final made in Hollywood.

Y finalizando este repaso a los actores que suele usar, siempre aparece alguna chica espectacular. En este caso nos descubre a una Hayley Atwell que quita el hipo. Un personaje que encarna una actriz de teatro. Y, en una secuencia, nos deja para la reflexión de cómo Woody Allen consigue a estas actrices, cuando Ewan McGregor le pregunta si se acostaría con un director para conseguir un papel.

Lluís Alba

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dijous, 25 d’octubre de 2007

TRAILER - El sueño de Casandra

Estreno 26 de septiembre


dimecres, 24 d’octubre de 2007

Un funeral de muerte


Frank Oz, director de este film, es un polifacético autor. Fue marionetista con Jim Henson, codirigió la peli de culto Cristal Oscuro, marionetista y voz de Yoda en toda la saga Star Wars etc... Pero su carrera en solitario como director ha ido dirigida hacia la comedia. Una comedia para la que están especialmente dotados los británicos.

Un funeral de muerte sería como un capítulo largo de Hotel Fawlty o Allo Allo! en la que una situación cotidiana va enredándose poco a poco hasta convertirse en un festival del humor.

Las teleseries de la BBC se caracterizaban por tener un personaje principal que se llevaba toda la gloria del capítulo, arropada por unos grandes personajes secundarios. Aquí notamos la ausencia de ese personaje principal histriónico, y tenemos a un hijo del difunto como soso personaje principal, correctamente interpretado por Matthew Macfadyen. Seguramente buscado para que el espectador medio se identifique con él (contra menos se define a un personaje, a más perosnas se puede parecer).
Así la película se sustenta en una serie de situaciones paralelas entre personajes secundarios.

Entre los secundarios tenemos a un Alan Tudyk, visto en la reivindicable serie Firefly, especialmente dotado para la comedia, bastante pasado de vueltas a causa de tomar unos alucinógenos accidentalmente.

Y otro de los personajes que se lleva la palma es la persona pequeña (eufemismo de enano) Peter Dinklage, que junto a los alucinógenos será lo que mueva todos los hilos que provocan que esto sea una comedia y no la situación cotidiana y dramática de un funeral.

A costa del veterano Peter Vaughan, nos llega el humor escatológico, pero correctamente comedido, sin llegar a los extremos de la época gloriosa de los Farrelly.

Lluís Alba

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The ugly swans


Atmósfera inquietante

The Ugly Swans (cuyo título original es Gadkie lebedi) es la última propuesta del director ruso Konstantin Lopushansky, autor poco conocido en nuestro país que cuenta en su haber con otras producciones de corte fantástico como Dead man’s letter o The museum visitor. La película en una de esas rarezas que difícilmente pueden encontrarse fuera de un festival de cine y que recompensan al espectador por su atrevida elección.

La historia, adaptación de la novela que los hermanos Arkadi y Boris Strugatsky escribieron en 1966, cuenta el viaje de Victor Banev, un escritor enviado por las Naciones Unidas a una sombría ciudad llamada Tashlinsk que ha sido tomada por unos seres mutantes. Su misión es investigar el caso junto con la comisión que le acompaña, pero Victor tiene otras motivaciones ya que, su hija, se encuentra en la ciudad retenida en una extraña escuela controlada por los mutantes. Allí enseñan a los niños del pueblo a menospreciar a los seres humanos en beneficio de una supuesta inteligencia superior.

Inquietante y opresiva la película debe gran parte de su aciertos a una puesta en escena cruda y desconcertante. El aire apocalíptico se respira desde la primera imagen en que vemos a Victor viajando en tren mientras mira por la ventana un bosque ardiendo. El único medio contra el fuego es un impotente camión de bomberos que nada puede hacer contra el fuego (en clara alusión a la limitada inteligencia del ser humano y su total menosprecio por la naturaleza). Es una puesta en escena austera pero de gran fuerza visual digna del maestro Tarkovski que marca el desarrollo de toda la película. La ciudad, Tashlinsk, esta inundada casi por completo debido a una incesante lluvia (no en vano los mutantes son llamados Los Acuáticos) y una luz roja tiñe los edificios y las calles que desprenden oxido y humedad.

El desarrollo de la película se debate entre las dos líneas antes mencionadas, el estudio de los extraños seres y la búsqueda de Ira, la hija de Victor. Es entonces cuando el argumento pierde un poco el rumbo y hace gala de una ambigüedad en la que el espectador no sabe donde agarrarse, nada grave pero hace que el relato deambule entre las dos tramas sin profundizar del todo en ninguna dando una sensación de historia incompleta. Sin embargo, la intensa secuencia final (que no explicaremos) equilibra parte de las dudas y se torna dramática e intensa y el sentido de la película queda brillantemente cerrado.


Alex Martínez Ruano

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Brave Story


Animación menor

Es duro comprobar que el esfuerzo y los recursos utilizados en Brave Story (que goza de una dirección artística y de animación excelentes) quedan tan drásticamente desaprovechados en una cinta como esta producción japonesa cuyo destino natural parece ser el DVD.

Brave Story es un conglomerado mal mezclado de diferentes sagas que todos conocemos. El argumento, un niño que ha de reunir unas piedras mágicas en un mundo de fantasía para recomponer su estabilidad familiar en el mundo real, suena a un pastiche resultante de combinar El mago de Oz con Bola de drac con La historia interminable con El señor de los anillos con El viaje de Chihiro. No en vano el fantasma de Miyazaki planea sobre Brave Story adoptando parte de sus temáticas habituales y confiriendo una personalidad a sus personajes similar a los del maestro japonés. Pero el resultado final es mucho más impreciso, más infantil, menos denso, sin carga de profundidad, una aventura que no transmite emoción y sí una profunda sensación de deja vú .

Aparte del tópico argumento observamos un guión acelerado y con fallos tremendos que consiguen por si solos distanciarte de la historia. Por ejemplo, Wataru, el protagonista, abandona a su madre en el hospital al principio de la película sin saber a ciencia cierta cual es su estado. Además durante el desarrollo de la película aparecen personajes completamente desdibujados cuya función en la historia es todavía hoy un misterio.

Es interesante también observar como los productos infantiles tienden a obviar cualquier ayuda por parte de los adultos, haciendo el papel habitualmente de obstáculos cuando no de abierto enemigo, y obligando así al protagonista niño a soportar todo el peso de la responsabilidad (como sucede también en Harry Potter).

La parte final de la película es quizá la más pesada y retórica de la función. Como sucede en algún que otro anime todo empieza a estallar sin mucho sentido y la moraleja de la película se repite de forma tan obscena que ríete tú de Disney. Eso sí, el 3D está muy bien integrado en el 2D.

Alex Martínez Ruano

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dilluns, 22 d’octubre de 2007

Josep Mauri. La dictadura de la raó



Desde el pasado 6 de octubre podeis ver en BTV (Barcelona TV) la serie: Josep Mauri, La dictadura de la raó.
Se emite todos los sábados a las 00:30h.
También podeis verla a través de internet:
http://www.xtvl.tv/do/programes/dictadura.html
Y seguir algunos trailers por aquí:
http://es.youtube.com/lospionerosdel2000

zumbarte

TRAILER - Persépolis

Estreno el 31 de octubre.


CLIP - Persépolis

Estreno el 31 de octubre


dissabte, 13 d’octubre de 2007

I'm a cyborg, but that's ok

Una vez finalizada la trilogía de la venganza, Park Chan-wook nos ofrece una película en el que el romance y la fantasía tiene mayor protagonismo.

Es la historia de una chica que se cree un cyborg y es internada en un psiquiátrico. Y vemos a los diferentes enfermos y cómo se relacionan entre ellos formando un interesante microcosmos. Algo parecido a Alguien voló sobre el nido del cuco.

La presentación de los personajes es genial. Nos la hace una enfermera mientras le va explicando quienes son cada uno a nuestra joven cyborg al hospital, para descubrir finalmente que la enfermera no es más que otra interna. Que se inventa historias, por lo que lo que nos ha explicado de ellos difiera un poco de la realidad.

Entre los personajes del hospital, encontrará a un joven con una máscara de cartón en forma de conejo que se dedica a ayudar a todos los de su alrededor. Y empezará una romántica historia entre los dos. Y cómo este es el único capaz de ayudar realmente a que nuestra cyborg sobreviva.

La película es entretenida y divierte a todo momento. Pues la serie de locos personajes y sus interrelaciones es también algo a destacar de la película. Con muchos momentos de risas y aplausos durante su proyección en El auditori de Sitges.

Cómo siempre, las películas de Park Chan-wook, son de las de más imaginación visual que podemos ver actualmente. Con unos créditos interactuando con los elementos que vemos en pantalla (¡El título del film se presenta dentro de la uña del dedo gordo del pie de la presunta cyborg!). Y con imágenes oníricas en la que la cyborg se nos presenta como tal y de sus dedos salen balas.

PARK CHAN-WOOK EN SITGES

Estuvo el director del film en la presentación de Sitges. Fue muy condescendiente con el festival. Dijo que esperaba terminar a tiempo su próxima película de vampiros, Bakjwi (Evil live), para poder presentarla en Sitges el próximo año. Que estaba muy orgulloso de venir a Sitges otra vez. Y para que viéramos la importancia que tiene este festival en Corea nos dijo que un director coreano de películas dramáticas quería hacer una película fantástica sólo para que le invitaran a venir a Sitges.

Lluís Alba

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Los cronocrímenes

Primer largo de Nacho Vigalondo. Nominado al Oscar por su divertido corto 7:35 de la mañana. Se había convertido en un icono popular en internet. Por Sitges circulaban camisetas de MONDO VIGALONDO.

Es una película sencilla. Con sólo 4 actores (y uno de ellos es el propio Vigalondo), rodada en pocos escenarios. Una historia de ciencia ficción sobre los viajes en el tiempo de Héctor (Karra Elejalde), personaje que va evolucionando, a la vez que el espectador, mientras descubre el argumento.

Cuesta un poco hablar de esta película sin desvelar nada. Aguanta bien el suspense y engancha a todo momento. Seguramente es demasiado sencilla (y no hablo de efectos especiales, ni escenas espectaculares) para los acostumbrados a ver películas o leer sobre ciencia ficción. Seguramente algo comedido para poder agradar a todo el público y no sólo a los 4 frikis que apreciaríamos más paradojas temporales y tramas complicadas bien hilvanadas.

Cómo gran acierto visual está el hombre con las vendas rosas. Destinado a ser un próximo icono popular entre los aficionados al género.
Incluso podemos verle los pechos a Bárbara Goenaga, una imagen en apariencia gratuita, pero que no lo es una vez descubrimos parte de la trama.

Un buen debut, con una película de ciencia ficción (poco habitual en España), esperemos que sea el inicio de una interesante carrera.

Nacho Vigalondo en Sitges

Nacho Vigalondo estuvo en la premier europea de la película en Sitges. Se le vio un tipo animado y excitado por la situación. Explicó con cierta ironía que está esperando a ver si alguna vez se estrena en España y acto seguido empezó a llamar uno por uno a todo el equipo a que subiera al escenario, alargando así la presentación de la película en un mar de aplausos. Estaba contento con el estreno y nos dejó la frase en agradecimiento al público: Siento que en la película no vayais a ver una imagen cómo la que estoy teniendo yo ahora.

Incluso tuvo un momento de participación freak. Al inicio de la película, el público iba aplaudiendo y jaleando la aparición de cada productora y nombre que salía en los créditos (con algún leve silbido a la comunidad de Madrid y al Ministerio de cultura de España). Y cuando salió Comunidad de Cantabria, fue el propio Vigalondo el que gritó y aplaudió más alto que nadie.

Lluís Alba

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Aachi y Ssipak

Película de dibujos animados Coreana.

Nos presenta una demencial historia en un futuro en el que se tiene que controlar los excrementos de la gente. A través de unas piruletas adictivas se crean unos mutantes que han perdido la capacidad de cagar y que, como yokis, sólo buscan chupar más y más piruletas. Un cyborg policía les dará caza. Mientras que los nombrados en el título Aachi y Ssipak son dos delincuentes que trafican con estas piruletas.

La película es bastante divertida, aunque algo difícil de seguir. También el estado en que la vi no era el mejor, y el cine Casino Prado de Sitges no sería el más cómodo para ver una película. Pues el ángulo visual de los subtítulos es bastante malo y sólo se pueden apreciar si no se sienta nadie delante, algo imposible en este festival.

Lo mejor es el concepto visual del film. Mezcla imágenes reales para las texturas de los fondos, con unos personajes totalmente caricaturizados. Así vemos personajes en apariencia 2 D en un escenario 3 D.

No sé si por parodiar, pero el diseño de personajes es poco original. El protagonista, es igual al pelirrojo de las gafas de los Rugrats. De hecho poco tiene que ver estos diseños con lo que tenemos acostumbrados del cine de animación oriental, se parecen más a lo s personajes underground del EEUU o a los diseños de Jaime Hewlett para Tank Girl o Gorrillaz. También encontramos motos iguales a las de Akira. Y un sinfín de parodias, sobretodo de los iconos populares estadounidenses. Mickey Mouse, Superman, Batman y Robin, Alien. Incluso hay una referencia a Misery.

Lluís Alba

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Glory to the filmmaker

Este film de Takeshi Kitano sigue, en la línea de su predecesora Takeshis’, reflexionando sobre su cine.

En esta ocasión nos topamos con la parte más humorística (y probablemente televisiva) de Kitano. Empieza con un chequeo médico de Kitano, o mejor dicho de su alter ego, una especie de muñeco hinchable que le acompañará durante todo el film, sustituyéndole en los momentos más embarazosos. Al salir de la consulta reflexionará junto con una voz en off sobre su cine y nos mostrará parodias de los géneros más populares en Japón.
Yasujiro Ozu, yakuzas, robots gigantes, románticas, de espadas, ciencia ficción, terror. Hasta llegar a un segmento en el que el propio Kitano es el protagonista y forma parte de una empresa que se dedica a repartir dinero para hacer el bien, mientras que un par de chicas insolventes (en apariencia madre e hija) intentarán casarse con él para poder vivir en un palacio que no existe.

Se ríe de sí mismo, diciendo que es tonto porque prometió no hacer más películas de yakuzas que eran un éxito y ahora no sabe que tipo de película hacer. Y, cuando hace una obra de encargo, cómo Zatoichi, se convierte en su mayor éxito. Algo que le dejó muy descolocado

La mayor parte del film es una serie de gags de humor absurdo (siguiendo más o menos un hilo argumental), en ocasiones parecido a Monty Phyton. Imágenes propias del manga, en el que las personas se caen al suelo cuando alguien suelta una parida u ocurre un hecho similar. Incluso parodia elementos fuera del cine, cómo el cabezazo de Zidane a Materazzi. Y lleva a la exageración chistes malos (al más puro estilo Mortadelo y Filemón) cómo en el que queda con unas chicas en el bar Arco del triunfo de Tokio y él se va al auténtico Arco del triunfo en París.

Entre las imágenes absurdas vemos efectos especiales hechos por ordenador, pero todo lo contrario a lo que vemos en el cine americano. Con efectos poco realistas, que se parecen más a la animación tradicional (otro punto en común con Monty Python). Algo parecido a lo que vemos en las propuestas más surrealistas de Takashi Miike.

Finalmente, Kitano aparece de nuevo en el médico tras su chequeo, y le pregunta al doctor que cómo se encuentra. Y este le responde mostrándole una radiografía de su cerebro en el que se aprecia una cámara partida por la mitad: -Está roto.

Así cómo Fellini y Woody Allen hicieron este tipo de ejercicio en un solo film, Kitano ya lleva dos explorándose a sí mismo. Esperemos que pronto se encuentre. Y si no seguiremos disfrutando de propuestas originales y divertidas como esta.

Lluís Alba

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Halloween

Halloween es otro de los enésimos remakes que se están haciendo de películas de Carpenter. Esta vez, por suerte, ha caído en manos de un director competente, Rob Zombie. Director de La casa de los 1000 cadáveres, que era una versión libre de La matanza de Texas.

La primera sorpresa de este Halloween es que el sentido del humor que aparecía en las precedentes películas de Rob Zombie brilla por su ausencia. Amplificando la parte más dura, sangrienta y cruel de una película de estas características.
Normalmente, en el festival de Sitges, cuando aparece la primera escena de un asesinato es aplaudida y jaleada por el público de la sala. Sin embargo, esta vez todo la sala se quedó en silencio ante la brutalidad de un joven Michael Myers matando sin piedad a su primera víctima.

La película empieza obviando la famosa banda sonora de Halloween, sustituyéndola por unas guitarras eléctricas. Primera muestra de que vamos a ver algo diferente. Así, primero nos encontramos con una especie de precuela de Halloween. Lo que Carpenter resume en pocos minutos, aquí dura más de media hora (no miré el reloj, así que esta cifra es aleatoria). Y nos muestra a un Michael Myers de 10 años que empieza matando a pequeños animales. Hasta el momento en el que aparece la música original de Carpenter, y sabemos que ya va a encargarse de su primera víctima humana.
También vemos parte de su terapia en el psiquiátrico con el dr. Loomis, esta vez encarnado por Malcolm McDowell. En este primer segmento, también explora en la obsesión por las máscaras de Michael Myers. Y podemos ver algunas máscaras originales para esta película. Cómo una de color naranja, parecida a la calabaza de Halooween.

El resto de peli ya es más parecida a la versión de Carpenter. En el papel de Laurie, esta vez tenemos a Scout Taylor-Compton, una especie de Lindsay Lohan. En esta parte es dónde se apreciaron los primeros aplausos por una muerte. En la escena en la que Michael Myers clava en una pared a una de sus víctimas con un cuchillo y también en la que Myers se disfraza con una sábana con las gafas de su víctima por encima de esta. Estas imágenes cogidas del original de Carpenter, tienen algo más de humor y originalidad. Algo que siempre aprecia el público friki del festival.

También hay que destacar en el film a los dos actores escogidos para hacer de Michael Myers. El niño de 10 años, Daeg Faerch, con un rostro característico y mirada de psicópata. Y Tyler Mane, no por su rostro, pues no se le ve. Si no por su presencia física, de más de 2 metros, algo que ya hace intimidar por sí solo. Recordemos que fue Dientes de sable en X-Men.

En definitiva, una versión mucho más dura que la original. Y, para mi gusto, espero que Rob Zombie explore más la faceta humorística (que se le daba muy bien) de La casa de los 1000 cadáveres o Los renegados del diablo.

Lluís Alba

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dissabte, 6 d’octubre de 2007

George Romero's Diary of the dead

Presentación en Sitges de la nueva película del maestro George A. Romero. A sus 67 años relanza la saga con un nuevo inicio ambientada en la actualidad. La era de la información multimedia y la comunicación inmediata.


Así no encontramos una continuación de sus saga comenzada en 1968 con La noche de los muertos vivientes. Es un nuevo comienzo, y vemos lo que pasaría hoy en día si de repente los muertos volvieran a la vida.


Y lo vemos a través de unas grabaciones que realizan esa noche unos estudiantes de cine. Mientras están rodando un film de terror para la universidad, los muertos empiezan a levantarse. Con lo que acabarán filmando realmente algo que sólo esperaban encontrar en ficción.


La película se nos muestra como si fuera el montaje de las grabaciones de las dos cámaras que llevan, junto con las aportaciones de otras cámaras que aparecen en nuestra vida cotidiana, el móvil, cámaras de vigilancia etc... Y se nos presenta cómo si fuera el film de un estudiante titulado Death of dead (Romero se cachondea de sí mismo con este título, algo muy sano).


Seguramente la idea no sea muy original, ya no lo era cuando se nos mostró en El proyecto de la bruja de Blair, y en este mismo festival podemos ver algo parecido con [REC]. Pero Romero sabe utilizarlo para crear una atmósfera de terror, sin olvidar nunca el sabor a los clásicos westerns que siempre han tenido sus obras sobre zombies. Cuidando a los personajes y dotándolos de entidad con sólo cuatro pinceladas.


Entre los protagonistas, se incluye un viejo profesor de la universidad que hace de contrapunto y aporta su experiencia. Primero con sus enseñanzas cinematográficas y después con su experiencia en la guerra. También tiene cierta afinidad con el alcohol, algo que nos trae a la memoria al clásico viejo pistolero de los westerns.


Cómo el mismo Romero nos ha dicho en la charla que ha tenido al finalizar el film, esta película quiere mostrar cómo es la sociedad hoy en día en contrapunto de cómo era en 1968. Antes uno tenía que esperar para ver una película a la hora y día que era programada en la tele, actualmente se puede ver cuando quieras, dónde quieras. En internet, en un móvil, en televisión etc... Esto se muestra en el film cómo las noticias de la tele engañan a la gente montando al revés unas imágenes de zombies, para parecer que es fácil derrotarlos. Pero los jóvenes estudiantes pueden colgar su vídeo en myspace y mostrar a la gente lo que realmente está sucediendo.


Con esto, Romero nos dice que es más fiable la información que aporta la gente anónima a través de los nuevos medios de comunicación, que la prensa oficial. Y nos lo muestra con una película de bajo presupuesto y actores desconocidos para que el mensaje sea más creíble.


La película también muestra una serie de secuencias de humor mezcladas con gore que han hecho las delicias del público y provocando su aplauso. El uso del desfibrilador en la cabeza de un zombie, el suicidio de un personaje apunto de convertirse en zombie con una guadaña o una clara referencia a la velocidad de los zombies en el remake de Zack Snyder.



Al finalizar el film, George A. Romero ha tenido la deferencia de contestar a las preguntas del público:

Con una altura considerable y andando lentamente cómo si fuera un zombie de sus películas, George A. Romero ha subido al escenario dónde se ha proyectado su film. Después de que una multitud de fotógrafos (oficiales y frikis aficionados) se retirase empezó un turno de preguntas con un traductor clónico a David Meca, que por el camino iba saltándose algunas palabras, haciendo más surrealista esta rueda de prensa con aficionados.


En resumen, Romero ha comentado que ha empezado de cero su obra de zombies, porque le interesaba contar cómo actuarían hoy en día más que seguir con la evolución de la historia en la que humanos y zombies convivían, y ya habían aprendido y evolucionado. Así que tiene intención de hacer una continuación de esta película más que retomar la historia de sus anteriores films. Y seguir haciéndolo con este bajo presupuesto.


Se le ha preguntado si la referencia en Diary of the dead sobre que los muertos deben andar lentamente iba por las películas de zombies actuales de 28 días después y 28 semanas después. A lo que Romero a dicho que estas películas no son de zombies, con el consiguiente aplauso y jaleo (de jalear, se entiende) del público. Y que realmente la referencia iba por el remake de Dawn of the dead que hizo Zack Snyder. Según él es un buen director, pero estos remakes no aportan nada nuevo al cine de zombies.

Seguidamente a esto ha dicho que él tampoco fue original cuando hizo La noche de los muertos vivientes. Pues copió la idea de la novela I am legend de Richard Matheson, aunque ahí mostraba el final de una catástrofe similar, en la que quedaba un solo hombre y el resto eran vampiros. Mientras que él mostró el inicio de esa catástrofe, cambiando los vampiros por zombies.


Finalmente una chica le ha preguntado que haría él si se encontrara en la situación de una de sus películas, rodeado de zombies. Romero se ha reído y ha dicho que realmente no sabría que haría, pero que lo último sería dispararse a si mismo en la cabeza.


También ha comentado que esta película la ha rodado en Toronto, en lugar de en Pensylvania dónde había rodado sus otros films de muertos vivientes porque ahora vive en la localidad canadiense y para rodar un film de bajo presupuesto era mejor no moverse de su lugar de residencia. Y ya no rueda en Pensylvania porque los productores que antes vivían ahí están todos en Nueva York.


Durante la entrevista hemos visto a un Romero muy agradable y divertido con la gente. Y si su mente estaba perfectamente lúcida, desgraciadamente hemos podido comprobar que para beber un vaso de agua necesita las dos manos para que no se le derrame. Este temblor y el hecho de su lento andar espero que no le cause muchos problemas de salud y pueda seguir rodando más films de zombies.


Lluís Alba


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dijous, 4 d’octubre de 2007

dimecres, 19 de setembre de 2007

dimecres, 12 de setembre de 2007

dimarts, 11 de setembre de 2007

TRAILER - Un corazón invencible

Estreno 14 de septiembre.

TRAILER - Os declaro marido y marido

Estreno 14 de septiembre.

TRAILER -Cabeza de muerte

Estreno 14 de septiembre.

TRAILER - Cásate conmigo

Estreno 14 de septiembre.

dilluns, 10 de setembre de 2007

INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL


El título de la nueva aventura de Indiana Jones, actualmente en producción bajo la dirección de Steven Spielberg, es Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), fue revelado ayer, 9 de septiembre, por el actor Shia LaBeouf.

LaBeouf, protagonista del film junto con Harrison Ford, Cate Blanchett, Karen Allen, Ray Winstone y John Hurt, anunció el título durante el MTV Video Music Awards, mientras se estaba emitiendo en directo desde Las Vegas.

Indiana Jones ant the Kingdom of the Crystal Skull es una producción de Lucasfilm Ltd y será distribuída por Paramount Pictures. Será estrenada en EEUU y simultaneamente en la mayoría de territorios del planeta el jueves, 22 de mayo de 2008. Frank Marshall vuelve como productor, junto con Kathleen Kennedy y George Lucas como productor ejecutivo.

Podreis encontrar más noticias sobre el film en http://www.indianajones.com.
Y, por supuesto, en zumbarte.com

dimarts, 4 de setembre de 2007

DEATH PROOF

Una sesión doble que debió verse en tres horas, ha tardado cuatro semanas en ser completada en nuestro país.

Después de la genial Planet Terror, esperaba con ansiedad la segunda mitad del proyecto Grindhouse. Todo el mundo hablaba que la película de Tarantino era, sin duda, mejor que la de Robert Rodríguez. Algo que parecía lógico viendo el currículum general de ambos directores.


Una expectativa creada que, finalmente, ha acabado produciendo una decepción. Creo que el verdadero espíritu del proyecto se lo ha llevado Robert Rodríguez. Quizás con menos personalidad que Tarantino supo crear unos personajes y una serie de situaciones que hacían disfrutar de la película desde el primer al último minuto. Sin embargo en Death Proof, la mayor parte del metraje es más un homenaje a su propio cine que a las películas de los 70.


Sin haber visto la versión original del film, de menor duración, seguramente la parte que más se haya alargado sea la de los diálogos interminables entre las protagonistas de la primera parte del film. Pues esta película es básicamente chicas hablando, hablando y hablando sin parar. Con diálogos made in Tarantino, a los que nos tiene acostumbrado, pero, desgraciadamente, la mayor parte de ellos (en su primera mitad) carecen del entretenimiento, gracia y chispa que podíamos encontrar en otras de sus películas. Diálogos más cercanos a una mala adaptación de una novela de Lucía Etxebarría.


Por suerte, la película, también nos ofrece al mejor Tarantino rodando escenas de acción cuando rinde homenaje a las películas de persecuciones en coche. Y todo gracias a la aparición del personaje central de la película el especialista Mike, interpretado por un gran Kurt Russell, dando lo mejor de sí mismo. Primero con apariciones inquietantes presagiando a uno de los serial killer que pasará a la historia del cine, lo vemos en las sombras de su coche, en un primer plano de espaldas en el bar. Cuando se nos descubre como el asesino que estábamos esperando, con una secuencia nocturna en carretera que crea tensión, Quentin Tarantino da rienda suelta a su destreza, con una secuencia muy propia de él, mostrándonos una colisión entre vehículos cuatro veces, una por cada punto de vista de las chicas que montaban en el coche.


Un parón en el hospital que vimos en Planet Terror (con la aparición de Marley Shelton dando vida a la doctora del film de Rodríguez) nos sirve para dar paso a la segunda parte del film. Protagonizada por otro grupo de chicas, esta vez, especialistas de cine. También con diálogos interminables, pero por suerte bastante más entretenidos que los del principio. Seguramente las referencias a films y situaciones relacionadas con el mundo del cine, conecten mejor con el espectador y, posiblemente, con el propio Tarantino y su mundo. Con un plano secuencia en un bar con las chicas conversando, prácticamente calcado al famoso inicio de Reservoir dogs.


Situaciones triviales que dejan paso a la gran persecución de coches del tramo final. Lo mejor, sin duda, de la película. Rodada sin efectos generados por ordenador, como se hacía hasta Terminator 2, se presenta como el auténtico homenaje a famosos films de los 70, como menciona Tarantino: Bullit o French Connection. Y alguna de las partes incluso recuerda a Los locos del Cannonball.


En esta película con mayoría de personajes femeninos, Tarantino rinde homenaje a los especialistas y dobles. Así aparece Zoe Bell haciendo de sí misma, la doble de Uma Thurman en Kill Bill.

Y, entre los cameos, encontramos al propio Tarantino, a su colega Eli Roth y personajes de Planet Terror como las gemelas Avellan.


Seguramente este segmento de Grindhouse haya sido el más dañado por la separación de ambos films por parte de los productores. Pues el metraje añadido entorpece más que aporta. Un proyecto perdido en Europa, no sólo por su separación, si no también por la extirpación de los fake-trailers, sólo visibles (de momento) en la red.

Lluís Alba

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dimarts, 28 d’agost de 2007

LOS SÍMPSON, LA PELÍCULA


Tantos años para esto.

Hace poco Tomás Fernández Valentí titulaba su crítica de Shrek Tercero con la directa frase “La animación también es cine”, toda una declaración de intenciones. Al hilo de esta afirmación argumenta que “en el cine de animación, como en cualquier otro género, también hay planificación, encuadre, profundidad de campo y montaje.” Esto es muy cierto pero conviene recordar que una película es algo más que un conjunto de aspectos técnicos, y, al contrario de lo que él propone, creo que obtener una clara visión de conjunto supone valorar también “sus propuestas literarias (guión, argumento, temas, trama)”. Más aún cuando hablamos de cine de animación, un género cinematográfico olvidado en el terreno de lo infantil y el entretenimiento blanco y familiar. Esto no está mal por propia definición pero sí que supone un pesado lastre que impide aprovechar todas sus posibilidades. Como decimos, la historia del cine nos brinda brillantes ejemplos de animación para niños, desde los clásicos Disney hasta la reconfortante aparición hace unos años de Pixar con obras como Toy Story o Monstruos S.A. pasando por las brillantes Ice Age, la película de Wallace & Grommit o El gigante de hierro (cuyo director, Brad Bird, no ha estado tan afortunado con su última película para Pixar, la decepcionante Ratatouille), pero algún día se espera que el cine de animación dé un paso adelante precisamente en lo referente a sus propuestas literarias (guión, argumento, temas, trama) . Al margen del oasis japonés, la animación para adultos es algo residual, casi inexistente. Tarzan, Atlantis y Titan A.E. fueron intentos de conquista del público adolescente (sin gran éxito), y Pesadilla antes de navidad, South Park y Bienvenidos a Belleville son excelentes ejemplos de lo que puede dar de sí el mundo animado cuando nos alejamos (pero no mucho) de la órbita infantil. Por lo demás la norma sigue siendo el estilo familiar, usualmente contando la historia de animales humanizados que viven múltiples aventuras, con moraleja incluida, hay ejemplos a docenas, no hace falta nombrarlos, en definitiva es siempre la misma historia con diferentes protagonistas. Es importante señalar estos detalles porque, el estreno de la película de Los Simpson, provoca una expectación suplementaria para aquellos que esperan ver una película de animación con un argumento y unas tramas diferentes pues, no lo olvidemos, Los Simpson supusieron en su momento una revolución al ser la primera serie de dibujos animados destinada al público adulto.

Desde que tengo uso de razón escucho la posibilidad de que se haga una película sobre Los Simpson, una de las mejores series animadas de la historia elevada a fenómeno televisivo, revolucionaria como ninguna gracias a su cinismo, ironía y retrato de una enorme pandilla de seres fracasados (entendámonos, tan fracasados como cualquiera de nosotros) que pueblan Springfield. Por eso la película de Los Simpson supone, a priori, una esperanza dentro del panorama cinematográfico donde se impone un insulso Harry Potter y unos insípidos 4 fantásticos. Por fin unos antihéroes triunfadores frente a tanto superhéroe fracasado. Sin embargo, digámoslo ya, Los Simpson (La película) decepciona. Su trama es simple y poco original y el humor afilado sólo aparece en pequeñas dosis. La película de Los Simpson no dignifica el cine de animación porque, sorprendentemente, busca en todo momento el público familiar y el humor blando y desprende un aroma de lo más conservador. Aquella histórica sociedad Disney/Mc Donalds ahora es Simpson/Burger King, en definitiva más de lo mismo, nada ha cambiado. No podemos decir que no fuéramos avisados. Las últimas temporadas de la serie están notablemente alejadas de sus inicios. Sus bromas son descafeinadas y las parodias son fáciles, sin gracia. En la película, Homer, es exageradamente tonto (más de lo que era, se entiende) convirtiéndose en un personaje casi tan cargante como el difunto Jar Jar Binks.

A pesar de esto no hay motivo para que cunda el pánico, La película de Los Simpson es muy digna de ver si solamente deseas pasar un buen rato abonado con algunos buenos momentos de comedia, en definitiva un sano entretenimiento, ¿quizás demasiado sano? Su realización es notable, aunque el ritmo peca de acelerado al principio y lento en su segunda mitad. La animación, eso sí, es sobresaliente, los personajes están dotados de auténtico volumen, se nota una sustancial diferencia con el acabado televisivo. Siguiendo en el plano de lo positivo destacan algunas buenas secuencias como la auto-parodia inicial con Rasca y Pica en el cine o el paseo de Bart desnudo por el pueblo (“¡Deténgase en nombre del puritanismo americano!” dice el Jefe Bigum). La película de Los Simpson no es decepcionante en tanto a película (entretenida, resultona) sino en tanto a Simpson. Su mayor defecto conceptual es su apuesta decididamente comercial, es una película light, nunca provoca y, a pesar de algunos escasos momentos realmente buenos la ironía es blanda, lo que sin duda es una concesión a la comercialidad. “No hay que limitar el target” que diría un publicista. Uno puede llegar a pensar que Los Simpson han envejecido mal, sobre todo cuando se ha encontrado enfrente a otros buenas creaciones como Padre de familia, Southpark o Borat que han hecho bandera de la incorrección política (tan necesaria en el mundo actual). Pero lo cierto es que no es así, Los Simpson, sin ser tan agresivos no han envejecido mal, las primeras temporadas de la serie, vistas ahora, tienen plena vigencia. El giro dado los últimos tiempos no son más que concesiones a la comercialidad y al chiste fácil y el máximo exponente es este largometraje hecho pensando en el dinero.

Para colmo la película no convence ni a los más fans. Homer resulta tan extremadamente tonto que resulta cargante hasta decir basta, además alguien ha tomado la decisión de mostrar a Flanders como el ejemplo de padre perfecto para incluir la moraleja de rigor ¿Bart renegando de Homer para irse con Flanders? ¡Eso es algo impensable en la serie! Además, vale la pena señalar que Los Simpson no es sólo la historia de Homer y Bart sino más bien las peripecias de todo un pueblo, es una serie coral con muchos personajes que en la película brillan por su ausencia. ¿Por qué no sale Krusty? ¿Por qué hacen aparecer a Schwarzeneger como presidente cuando éste tiene un personaje equivalente en la serie, Vincent Von Kasel? ¿Por qué el malo de la película resulta tan soso cuando se podía haber dado más protagonismo al malo por definición, el Sr. Burns?

Se desvanece una nueva oportunidad de hacer una película de animación adulta y uno se pregunta: ¿Tantos años para esto?


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Álex Martínez Ruano

dilluns, 27 d’agost de 2007

HAIR HIGH (TUPÉ)


Por fin se edita en España una película de Bill Plympton en DVD.
Autor de muchos cortos y varias películas. Tiene la característica de dibujar personalmente toda la película, y controlar personalmente las ediciones de sus trabajos, por lo que es difícil encontrarlas fuera de EEUU. Así que vanagloriémonos de este acontecimiento, y si alguien encuentra Hair High en alguna estantería perdida de una tienda, que no dude en comprarla, porque probablemente no la vuelva a ver nunca.

La misma recomendación para cualquier estreno en cine de este hombre, apenas dura una semana en cartelera (y hablo de una “gran” ciudad como Barcelona –eso sí, alguien tuvo la brillante idea de emitir en la televisión del metro sus cortos de 25 maneras para dejar de fumar-).

A causa de la dificultad de ver sus trabajos, sólo he podido ver Me casé con un extraño en la única semana que estuvo de estreno. También pude comprar y leer el cómic (story-board hecho por él mismo) de la película Mutant Aliens, su único pase en Sitges hizo imposible acceder a la sala a todo aquel que no comprara las entradas anticipadas la primera hora que salieron a la venta o conociera profundamente a Álex Gorina, Ángel Sala o al director de turno.

Hair high viene a ser una mezcla entre Grease y Carrie, pasada por todo el loco mundo de Bill Plympton. Su trazo tembloroso inconfundible (causado por el dibujo a mano de todo el film), sus perspectivas hiperexageradas, sus escenas divertidamente gore, las figuras caricaturizadas hasta el extremo. No deja de sorprender una escena tras otra.

Entre las secuencias surrealisticogores destacaría una en la que el profesor de ciencias Snerz (con la voz prestada de David Carradine) empieza a toser en clase y saca todos sus órganos por la boca, y sólo los conocimientos de anatomía del protagonista, Stud, hace que le salve la vida reintroduciendo en orden por la boca desde el intestino delgado hasta el corazón.

Por poner alguna pega, podría decirse que divaga un poco, incluso encontramos alguna secuencia que por sí sola es divertida o interesante, pero que no tiene nada que ver con la película. Lo que hace perder la concentración en alguna parte del film.

Pero por encima de todo prevalece la gran imaginación, patente en toda su obra. Tanto argumental como formalmente. Algo que sólo puede plasmarse en dibujos animados, y usa todos los recursos disponibles del medio para que podamos disfrutarlo. Vamos saltando de una secuencia a otra pasando por escenas oníricas, sean de la imaginación de alguno de los protagonistas o directamente plasmada por la propia de Plympton.

Aunque comercialmente no alcance el nivel de otros dibujantes, sí se puede comprobar que se valora su trabajo y aporten voces actores como el mencionado David Carradine, su hermano Keith, Delmort Mulroney, Ed Begley jr. (el rubio doctor de St. Elsewhere, conocida por los catalanes como A cor obert) y compañeros de profesión cómo Matt Groening.

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dijous, 23 d’agost de 2007

Idi Bihotz


Los bilbaínos Idi Bihotz, tiran la casa por la ventan para celebrar a lo grande su décimo aniversario con la edición de un concierto en formato CD y DVD y la colaboración de invitados de lujo.

La banda bilbaína de heavy metal ha celebrado sus 10 años de trayectoria, como se suele decir, por todo lo alto, editando un álbum en directo en doble formato, CD y DVD, con la particularidad de haber contado con un puñado de invitados de lujo.


Después de cinco grabaciones en estudio que han asentado a Idi Bihotz como una importante referencia dentro de la escena del metal vasco, a propósito de su aniversario, se imponía la puesta en marcha de un proyecto que marcara las diferencias y constituyera un punto y seguido en la carrera de la banda.

El resultado, es un repaso en directo a su trayectoria, plasmado en audio y video, además de la presencia de un grupo de invitados que resulta todo un ejemplo de constancia para reunir a tan destacados elementos en un mismo lugar.

Así, durante el desarrollo de las actuaciones, grabadas en dos conciertos, uno en Santurtzi y otro en Pamplona, durante las fiestas de Ansoain, van apareciendo las colaboraciones de Aitor Goroxabel (Su Ta Gar), Rober y Mikel (Tierra Santa), Carlos Escobedo (Sober/Savia), Aitor Uriarte (Latzen), J. Molly (Hamlet), Manuel Martínez (Medina Azahara), Oscar Sancho (Lujuria), Brigi Duque (Koma), Mart (Estirpe), Maite Itoiz y John Nelly (The Nelly Family) y Jimmy de Flyin Freak. Ahí es nada, una respetable cantidad de músicos que hacen del concierto una gran fiesta y todo un espectáculo de cara al público.

El DVD se complementa con un documental de alrededor de una hora donde se relata la historia de la banda, con declaraciones de todos los componentes de Idi Bihotz y algunas imágenes de sus primera actuaciones. También se incluye otro apartado sobre los preparativos del concierto.

Un documento completo para la posteridad. Para que sus seguidores puedan añadirlo a sus anteriores grabaciones o para que sea descubierto por futuros admiradores. Lo que encontrarán es heavy/thrash metal de alto voltaje, con inevitables influencias ochenteras pero puesto al día con elementos de metal moderno.

Repaso a una trayectoria musical en la que el heavy y el thrash han sido fusionados con efectividad.


Locky Pérez

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Parasite de See You Next Tuesday


Provienen de Michigan y, de la mano de Ferret Music, están dispuestos a apabullar las neuronas de los más valientes con su debut, Parasite.

Parasite, es el debut de los estadounidenses See You Next Tuesday, para Ferret Music. Ligados a un sello de vértices reconocidamente extremos, no es de extrañar que su propuesta nos acerque a unos parámetros bastante salvajes.

Podríamos situarlos en punto determinado donde el hardcore más irreverente se encuentra con ciertas bases death/grind, provocando un visceral choque de estilos donde las guitarras discurren por entramados psicóticos y la batería se nutre de una pegada delirante, mientras las vocalizaciones igual escupen histerismo que se sumergen en las tinieblas del averno.

Parasite, es un desquiciante trabajo de composiciones tan cortas como incisivas, que se retuercen en esencias de textura corrosiva. Es un implacable frenesí guitarrero de alma retorcida y energético poder latente.

Un trabajo que no llega a los 19 minutos pero cuya escucha deja extenuados los oídos. Un derroche de ferocidad y de manipulación de las estructuras que conlleva a la anarquía experimental.

Un concentrado de hardcore recubierto de death/grind.

dimarts, 21 d’agost de 2007

VERSUS ENTERTAINMENT COMBATE LA PIRATERÍA


Del 12 de septiembre al 31 de octubre, Versus Entertainment pondrá en marcha una Promoción Antipiratería con un estilo diferente al que se ha venido realizando hasta ahora. Ante la grave problemática que este fenómeno está suponiendo en el sector audiovisual español, que amenaza muy seriamente la continuidad de muchas empresas y trabajadores, Versus Entertainment ha decidido premiar al comprador de DVDs originales con un descuento adicional en todos los títulos de su catálogo, disponibles en tiendas especializadas.

La promoción irá señalada por una distintiva pegatina amarilla en la carátula de los DVDs, en cuyo interior se incluirá un folleto informativo acerca de la precaria situación actual de la industria audiovisual en España, que ostenta el récord de ser el país europeo con el mayor número de descargas ilegales de películas (132 millones en el año 2006). Siendo la previsión para 2007 de 200 millones de descargas.

Por ello, Versus Entertainment, distribuidora española que desde sus inicios se ha marcado el objetivo de ofrecer títulos de calidad y contrastado prestigio que satisfagan a todo tipo de cinéfilos, quiere agradecer, precisamente, a ese público fiel que adquiere copias originales la confianza que ha depositado en su trabajo obsequiándole con este descuento adicional.

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